Клуб искусствоведов "Черный квадрат"

Конструктивизм, супрематизм, кубизм, дизайн

Александр Михайлович Родченко (1891-1956) - советский художник, график, фотограф, дизайнер, скульптор, плакатист и педагог. Один из признанных творцов русского авангарда, классик конструктивизма, пионер дизайна и новой фотографии. Родился в Санкт-Петербурге в семье театрального бутафора и прачки. 


Варвара Федоровна Степанова (1894-1958) - русская- советская художница-авангардистка, живописец, театральный художник, модельер, полиграфист, представительница конструктивизма, дизайнер и поэт, жена художника Александра Родченко. Фигура Степановой находится как бы в тени великого А. Родченко. Классик конструктивизма, революционер фотографии заслоняет от исследователей творческое наследие своей супруги и соратницы. Между тем Варвара Степанова (наряду с Любовью Поповой, Надеждой Удальцовой, Ольгой Розановой) – одна из талантливейших «амазонок авангарда», как называли в 1920-е годы этих женщин-художниц. Ее работы в области сценографии, книжной графики, дизайна тканей и производственной одежды получили признание в Советской России и за рубежом. 



Александр Родченко родился   Санкт-Петербурге здании театра на Невском проспекте в семье театрального бутафора Михаила Михайловича Родченко (1852-1907) и прачки Ольги Евдокимовны Палтусовой (1865-1933). С ранних лет мальчик был связан с миром искусства: семья жила над театром, поэтому на улицу они выходили через сцену. «Закулисная жизнь» быстро наскучила ему, идти по стопам отца он не хотел. Да отец и сам надеялся, что сын получит «настоящую» профессию. После переезда в 1901-м году в Казань Родченко стал учиться на зубоврачебного техника и несколько лет работал по специальности, но врачебное дело было ему не по душе.

В 1911-м году Родченко бросил профессию, чтобы стать вольнослушателем в Казанской художественной школе. У юноши не было свидетельства об образовании после четырех классов церковно-приходской школы, поэтому он не мог поступить на полное обучение. Тем не менее через год успешной учебы вольнослушатель Родченко сдал экзамены и поступил в класс живописи. В Казанской художественной школе он проучился с 1911 по 1914 год, одновременно подрабатывая уроками и оформительскими работами для Казанского университета. Среди преподавателей особенно ценил Н.И. Фешина. Любимыми художниками были Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Обри Бердслей и японцы Утамаро и Хокусай.
«Казанская художественная школа отличалась большой терпимостью ко всяким новаторствам своих студентов. Правда, в этой глубокой провинции наша „левизна“ была очень относительной. Например, мы, т.е. Никитин и я, писали одновременно под Врубеля и Гогена, „левее“ до нас не доходило» (Из воспоминаний А. Родченко).

В 1913-м году в училище Родченко познакомился с Варварой Степановой, своей будущей женой и соратницей. Варвара, увлеченная модерном и экспериментами с формой и цветом, вместе с мужем в будущем станет у истоков конструктивизма. Они будут организовывать выставки, участвовать в художественных объединениях, искать и развивать свой стиль.
  
В будущем супруги будут работать как единый творческий организм, вдохновляя друг друга в авангардной репортажной фотографии и в агитационной моде и текстиле, в которой работала Варвара. Художница придумывала орнаменты для повседневной одежды и разрабатывала практичную форму для рабочих. Где бы ни жили Родченко и Степанова, их дом становился творческой мастерской, пространство напоминало производственный цех, где каждый день создавалось что-то новое, производились «опыты для будущего».

В конце 1915-го года вслед за возлюбленной Александр Родченко переехал в Москву, где поступил в Строгановское училище, откуда был призван на военную службу. После демобилизации через общих друзей молодой живописец познакомился с Владимиром Татлиным, одним из ведущих московских авангардистов. Тогда Татлин организовывал футуристическую выставку «Магазин» и предложил Родченко поучаствовать в ней в обмен на помощь в организации. Это стало первой экспозицией художника.
Организуя выставку, Родченко общался и с другими знаменитыми художниками. Однако супрематисты во главе с Казимиром Малевичем, с его глубокими философскими идеями о чистом искусстве и игрой геометрических фигур и оттенков на полотнах, живописца не впечатляли. Отталкивали идеалиста Родченко неискренность и самовлюбленность Малевича. Концептуальный подход его живописи привлекал его меньше, чем монументальные скульптуры Татлина, в которых форма была важнее содержания, а практичность становилась основой произведения.

Александр Родченко начал преподавать во ВХУТЕМАСе — на Высших художественно-технических мастерских. Преподаватели-конструктивисты обучали «производственному искусству»: учили проектировать многофункциональные предметы, используя возможности формы и трансформирующейся структуры. Красота нового искусства рождалась из практичности и удобства. Многие выпускники курсов ВХУТЕМАС стали ведущими советскими дизайнерами.

 Работ очень много, покажу основные направления


А.М. Родченко (1981-1956). Фигура. 1915 г. Холст, масло. 
ГМИИ им. А.С. Пушкин, Отдел личных коллекций. 



Композиция. 1917 г.



Фигура в круге. 1920-1922 гг. 



Обложка журнала «Кино-фот». 1922 г. № 4. 
На снимке В. Маяковский в роли поэта Ивана Нова в фильме 
«Не для денег родившийся», 1918 г.



 Один из первых рекламных плакатов «Техника-Триумф». 
1919-1920 гг. Колллаж. 28,3 x 23,5 см.


Родченко одним из первых стал использовать коллажи в плакате, типографском дизайне



А.М. Родченко (1891-1956). Ленгиз. Книги по всем отраслям знания. Рекламный плакат для 
ленинградского отделения Госиздата. 1925 г. Фотобумага на картоне, гуашь. 63 х 88 см. 
ГМИИ им. А.С. Пушкина, Отдел личных коллекций.



 Иллюстрация к поэме В. Маяковского «Про это». 1923 г. 
Фотомонтаж на бумаге, наклейка, черная и красная тушь, розовая бумага. 42,5 x 32,5 см. 
Музей В. Маяковского, Москва. 
«И это стоит столетья
как было.
Не бьют 
и не тронулась быта кобыла…»




А.М. Родченко (1891-1956), В.В. Маяковский (1893-1930). Плакат. Окна РОСТА. Освобождение Крыма.
«Враг последний готов!». 1920-1923 гг. 



Проект чайного трактирного сервиза. Реконструкция. 
По заказу керамического факультета ВХУТЕМАСа. 1922 г.



Шахматный стол для «Рабочего клуба» на фоне линейных композиций. 1925 г. 
Реконструкция. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Отдел личных коллекций.


Свою автобиографию Александр Родченко назвал «Черное и белое». Как и у каждого художника, в жизни Родченко были черные и белые полосы. Подобная игра цветов составляла также основное творческое пространство для фотографа: два цвета и множества оттенков серого между черным и белом, с помощью которого можно выразить все тональности изображаемого.
Александр Михайлович Родченко умер 3 декабря 1956 года в Москве в возрасте 64 лет, не дожив до первой персональной выставки, организованной Варварой Степановой. Похоронен на Новом Донском кладбище вместе с женой, скончавшейся двумя годами позже.

• +0.18 / 5
• • 5

Павел Варфоломеевич Кузнецов (1878-1968) и Елена Михайловна Бебутова (1892-1970).

 Он родился в Саратове в семье иконописца  . Когда художественные наклонности мальчика ясно определились, он поступил в «Студию живописи и рисования» при Саратовском обществе любителей изящных искусств, где занимался в течение нескольких лет  В. Э. Борисовым-Мусатовым оказала на него серьёзное воздействие, как и на его однокашника и друга, выдающегося скульптора А. Т. Матвеева, впрочем, как и на всю саратовскую художественную молодежь.

Блестяще выдержал вступительные экзамены в Московском училище живописи, ваяния и зодчества в 1897 году. Учился: сначала у А. Е. Архипова, потом у К. А. Коровина и В. А. Серова. Учёба дала круг друзей и единомышленников, позже сформировавших художественное объединение «Голубая роза», так же  в разное время входил в объединения "Алая роза", "Мир искусства", "Четыре искусства"
В 1902 году Кузнецов совместно с К. С. Петровым-Водкиным и П. С. Уткиным взялись за роспись саратовской церкви Казанской Божьей Матери. Находясь на острие художественной мысли того времени (участвуя в деятельности «Мира искусства»), талантливая молодёжь и в церкви попыталась вольно обойтись с канонами, что вызвало взрыв общественного негодования и их росписи были уничтожены.

Из поездки в Среднюю Азию в 1912-13 годах привез прекрасную серию работ. 
В 1917—37, 1945—48 преподавал во Вхутемасе-Вхутеине, Московском институте изобразительных искусств и других институтах. Три последних десятилетия жизни не переставал активно работать, в основном, в жанре пейзажа и натюрморта. Часть этих работ находится в собрании Саратовского государственного художественного музея им. А. Н. Радищева.


Стиль его авангардизма можно определить, как символизм, природный, цветовой, как я понимаю. Жена, Елена Бебутова явный кубист, покажу после. 


Весна в Крыму, 1910



 Портрет Елены Михайловны Бебутовой с веерами. 1918 г. 
Холст, масло. 134,5 х 115,4 см. Ярославский художественный музей. 


Спящая в кошаре, 1911


Бухарский мальчик, 1912-1915

Утро, 1916


Продавец птиц, 1913




 

• +0.10 / 2
• • 2

Аналитическое искусство



Речь пойдет о Павле Филонове


Па́вел Никола́евич Фило́нов (8 января 1883 , Москва — 3 декабря 1941 , Ленинград) — русский и советский художник (художник−исследователь, как он официально именовал себя сам), иллюстратор, поэт, преподаватель, один из лидеров русского авангарда; основатель, теоретик, практик и учитель аналитического искусства — уникального реформирующего направления живописи и графики первой половины XX века, оказавшего и оказывающего заметное влияние на творческие умонастроения многих художников и литераторов новейшего времени.

В начале 1910-х произошло сближение Павла Филонова и Велимира Хлебникова. Прототипом художника в рассказе Хлебникова «Ка» является Филонов:

…Я встретил одного художника и спросил, пойдёт ли он на войну? Он ответил: «Я тоже веду войну, только не за пространство, а за время. Я сижу в окопе и отымаю у прошлого клочок времени. Мой долг одинаково тяжёл, что и у войск за пространство».
Он всегда писал людей с одним глазом. Я смотрел в его вишнёвые глаза и бледные скулы. Ка шёл рядом. Лился дождь. Художник писал пир трупов, пир мести... Мертвецы величаво и важно ели овощи, озаренные подобным лучу месяца бешенством скорби.

Большинство по-прежнему не воспринимает ни Малевича, ни Кандинского, ни Ларионова, ни Лисицкого, ни Тышлера с Лентуловым. Казимир Малевич  с грустью писал, что от искусства всегда требуют, чтобы оно было понятно, но те, кто этого требуют, не предъявляют к себе требования приспособить голову к пониманию.


Но даже на этом фоне Павел Филонов занимает особую нишу. Он остается таким же маргиналом и человеком не от мира сего, каким был и самый близкий ему поэт – Велимир Хлебников. Так и стоят они оба особняком: Художник для художников и Поэт для поэтов.

Павла Филонова сравнивают с Дюрером и Грюневальдом, Ван-Гогом и Мейднером, которых роднит общее ощущение трагедии, апокалипсиса и краха прежнего мироустройства. Прежний мир перестал существовать, разбившись вдребезги. Остались только осколки с острыми режущими краями, избежать ранения от которых никому из живущих на переломе XIX-XX веков не удалось.
 
Старый мир исчез, новый творился далеко не только революционной массой, но и поверившими в революцию Филоновым, Хлебниковым, Маяковским, Блоком, Малевичем… В первые годы своего творчества Павел Николаевич создаёт такие шедевры как Пир королей, Масленица, Портрет сестры Е.Н.Глебовой, Святое семейство.

Тогда он был вместе с победителями и тоже думал о счастье, только его представление о счастье категорически не совпадало с видением счастья большинством, для которого его мерилом была сытость, а сытый голодного, как известно, не разумеет. Филонов – аскет, бессребреник, патриот, отказывавшийся продавать свои картины за границу даже в самые голодные и страшные для него годы.

Всё – для России, в дар любимой Родине. И сестра потом тоже отказывалась продавать его картины, потому что брат всё завещал стране, в которой родился, и неважно, что тогда его творчество стране было не нужно. Впрочем, его манера никогда не вызывала восторга и понимания у «классиков», за что трижды его исключали из числа достойных учиться в Академии живописи.
Но поступив туда, через два года он ушел из Академии сам: его революционный пафос далеко отстоял от генеральной линии не только академиков, но и художников русского авангарда. Последние больше ориентировались на французский авангард – кубизм, фовизм, импрессионизм, а Филонов тяготел к немецкому экспрессионизму с его психологизмом и трагическим ощущением мира.

Художнику было тесно в посюстороннем мире, его, как представителя русского космизма, волновали фундаментальные вопросы мироздания и метафизики: жизни и смерти, первооснов бытия, стремление пересоздать мир на новых основаниях и формах. Филонов считал, что картина должна быть подобна Природе - Живой, расти и развиваться, как растет всё живое: животное, растение, человек…

Каждая клеточка – подобна целому миру, из которого складывается целое. Художник – это конструктор, создающий систему бытия, в которой существуют свои законы, она должна быть "сделана". И потому каждый атом и каждая клеточка тщательно прописываются, продумывается и анализируется. Его творчество сродни работе ученого.

Процесс создания картины, по мнению Филонова, похож на сотворение мира, где главное не техника, а технология последовательности действий. Холст – это то, с помощью чего художник осмысливает мир, инструмент, с помощью которого он выходит в Космос и слышит Вселенную, соединяя все времена в единый поток.

Его творчество не вписывается в общеевропейский контекст, что делает художника неудобным маргиналом и заставляет искать объяснение феному в психологии, религии, философии, метафизике и даже мистике. Уже давно сложилась традиция относиться к его живописи как к психически ненормальной. Бытовала даже легенда о пребывании художника в психиатрической лечебнице, что было просто легендой и неправдой.

Но центром, основной темой и предметом живописи Павла Филонова является Человек, он же оказывается и самым слабым звеном в его мифологии. Проблема Человека для художника - не жанровая, а философско-экзистенциальная. Он осмысливает Человека в разных его состояниях: в отдельности и в диалоге, в толпе и в городе.


Не зря Хлебников называл своего друга певцом городского страдания. Человек в мире по Филонову - это преступник, заточённый в тюрьму, откуда смотрит на мир сквозь решетку собственного окна. Так через Человека мастер передаёт своё отношение к социальности, политике, истории, к общению между людьми.

Один, двое, трое, множество… Везде, сколько бы его ни было, в толпе, вдвоём или втроём, Человек одинок и трагичен, везде сквозной нитью проходит трагедия его бытия, заброшенного в мир, который ломает его и с которым он не в состоянии справиться. Отсюда - мрачность эстетики Павла Филонова, чаще всего наполненной безысходным трагизмом...


Пир королей 1913


Крестьянская семья 1914 г. 

Государственный Русский музей




Масленица. 1913—1914 
Холст, масло
79 x 99


Ударники

  1935

82 × 72 см 
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург


Человек в мире 
  1925 
107 × 71.5 см
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург



Портрет Евдокии Николаевны Глебовой, сестры художника
Павел Филонов


За несколько дней до смерти, в декабре 1941 ,  художник отнёс последние четыре картофелины своей любимой сестре Евдокии Николаевне Глебовой, той, которая сохранила картины этого уникального русского художника, не продавая их даже когда сама голодала. Теперь эти картины можно увидеть в Русском музее Санкт-Петербурга, куда, согласно завещанию брата, она их и передала.

  Смерть застала его на боевом посту - на крыше, откуда он сбрасывал бомбы.


А рядом
Ночью
В глухом переулке
Перепилен поперек,
Четвертован
Вулкан погибших сокровищ,
Великий художник,
Очевидец незримого,
Смутьян холста
Павел Филонов.
Был он первым творцом в Ленинграде.
Но худоба
С голодухи,
Погиб во время блокады,
Не имея в запасе ни жира, ни денег.
Картин в его мастерской
Бурлила тыща.
Но провели
Кроваво-бурые
Лихачи
Дорогу крутую,
И теперь там только
Ветер посмертный
Свищет
А. Кручёных

автор статьи  Тина Гай


https://www.liveinternet.ru/users/bo4kameda/post465555735/


Интересно, в  1932 году группа МАИ (Мастерская аналитического искусства)  под художественным руководством П. Н. Филонова иллюстрировала финский эпос «Калевала» издательства «Academia». Работа велась строго по принципу аналитического метода П. Н. Филонова . Над оформлением книги работали: Т. Глебова, А. Порет, Е. Борцова, К. Вахрамеев, С. Закликовская, Павел Зальцман, Н. Иванова, Э. Лесов, М. Макаров, Н. Соболева, Л. Тагрина, М. Цыбасов. Вот, первое издание Калевалы в России поручили группе Филонова, весьма неожиданное решение..
 П. Филонов сам непосредственно руководил всей работой: выбирал сюжеты для иллюстрирования, определял стилистику рисунков, причем каждый рисунок подробно обсуждался и утверждался (собрания проходили несколько раз в неделю у художника дома), а иногда и сам брался за кисть.

Внешне "Калевала" представляет собой традиционное академическое издание – с суперобложкой, страничными иллюстрациями, заставками.Необычными являются орнаментальные линейки вверху страниц и подстраничные изобразительные строчки-концовки. Однако самым необычным и уникальным в истории иллюстрирования "Калевалы" явился творческий метод "филоновцев", заставляющий зрителя посмотреть на героев эпоса не глазами современного человека, а самих его героев. На первый взгляд странные, идолоподобные фигуры людей и животных, застывшие картины северной природы – все это удивительно соответствовало художественному миру Леннрота.
Интересно выполнена акварельная суперобложка – коллективная работа художников. Как пишет исследователь творчества Филонова Е. Ковтун, в этой работе соединились два принципа филоновской школы - фигуративность и беспредметность. "В беспредметных структурах здесь вкраплены изображения зверей, птиц, лодок и людей. В этом сложном сплаве возникает образ Финляндии, изрезанной синевой озер, окруженных замшелыми гранитными грядами, хвойными лесами. Суоми предстает перед зрителем как бы с высоты птичьего полета, не только в зримом, но и в умопостигаемом образе…" 
Половина десятитысячного тиража была куплена Финляндией. На родине же работа художников не сразу была по достоинству оценена критиками. Так, после выхода книги в прессе появился ряд резких статей с критикой иллюстраций "филоновцев", которых упрекали в чрезмерной "архаизации образов" и прочих недостатках. Сама история работы художников и их взаимоотношений с издательством была драматичной. Некоторые форзацы были просто запрещены и уничтожены из-за их красного цвета, хотя художники обращались за помощью даже к М. Горькому. Горький сказал, что форзацы нельзя оставить, но при этом просил напечатать один экземпляр для него лично с указанными форзацами. Но обнаружилось, что клише форзацев уже кем-то уничтожены.

• +0.10 / 2
• • 2

Тяжелое творчество у Павла Филонова, хочется чего-то жизнеутверждающего, что не все так печально в этом мире. Покажу творчество Федора Конюхова (р 1951), нашего путешественника. 
Прекрасная графика у него.


Раненая птица на пути к полюсу



К полюсу недоступности


Последний путь Наоми Уэмуры

(Японский путешественник, проходивший по экстремальным маршрутам в разных точках мира. Многие путешествия Уэмура совершил в одиночку.)




Большая медведица


Килиманджаро

• +0.16 / 4
• • 4

Решила открыть тему с работами художников, скульпторов, посвящёнными России. Символизм, история, природа, просто русская тема в творчестве. Мне кажется, это будет уместно. 


"Ритмы древней Руси", 1968

Владислав Сергеев (род. 1938)


«Сострунка медведя в лесу», 1907, Бумага, масло. 23 x 34 см, Государственный Русский музей

Лебедев Клавдий Васильевич(1852-1916).

• +0.13 / 3
• • 3

Немного о богатырях , войнах, мире.
Павел Дмитриевич Корин (1892-1967) — русский советский художник, портретист, монументалист. Родом из города Палех Владимирской области.  
 

Центральная часть эскиза неосуществленного триптиха "Сполохи" . 1966г. Гуашь, судя по всему



Александр Кирович Быстров (род. 7 декабря 1956  — советский и российский художник-монументалист, мозаичист, живописец, педагог, профессор.


 
"Междоусобица",1994-96



Стасис Красаускас  (1929-1977)  советский литовский художник график


иллюстрации к поэме Р.Рождественского "Реквием" , часть "Память" , 1970-е годы




 Эстамп "К звездам" С.Красаускас , 1960-е

• +0.06 / 3
• • 3

• +0.03 / 2
• • 2

Женщины
Андрей Владимирович Ремнёв (р. 1962, Яхрома) — российский художник

Техника художника, по его собственным словам, строится на соединении приемов древнерусской иконописи, русской живописи XVIII века, композиционных находок «Мира искусства» и русского конструктивизма. Для написания картин Ремнев использует древние техники, сам изготавливая натуральные краски на основе яичного желтка.

 

«Фигуры Ремнева с их неподвижностью или замедленной манекенно-статуарной пластичностью существуют в особом статичном пространстве, где время остановлено, а атмосфера ясна и прозрачна до безвоздушности. Его тела вызывают ассоциации с героями Пьеро делла Франческа, молчаливо и недвижно участвующими в некоем сакральном миракле, – вспомните хотя бы фигуры Пьеро в «Бичевании» или «Вознесении». Этот неторопливый ритм жизни в картинах Ремнева можно описывать словами из старого словаря по искусству: предстояние или sacra conversazione (священное собеседование)»

Визуалист, конечно, и в каком-то смысле лубок у него, прекрасно выполненный технически, гламур и эстетство)), но тем не менее русская тема, решила показать. 

Поле брани

2019, 60х60, холст, масло

Укротительница

Рыжая

Весна

Июнь

• +0.11 / 2
• • 2

"...
И долго буду тем любезен я народу,
Что чувства добрые я лирой пробуждал,
Что в мой жестокий век восславил я свободу
И милость к падшим призывал.
Веленью божию, о муза, будь послушна,
Обиды не страшась, не требуя венца;
Хвалу и клевету приемли равнодушно,
И не оспоривай глупца. "


Сегодня день рождения "нашего всего", А.С. Пушкина.


Горяев  Виталий Николаевич (1910-1982)-график, карикатурист, иллюстратор, глазами которого миллионы советских детей и взрослых увидели «Трёх толстяков», «Тома Сойера» и «Гекльберри Финна», а также героев Пушкина, Гоголя, Достоевского, родился в Кургане. Великолепный рисовальщик, оригинальный живописец, выдающийся иллюстратор был и наставником творческой молодежи, интересной личностью. Произведения Горяева хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Русском музее, ГМИИ им. А.С. Пушкина, в десятках ведущих музеев России и за рубежом.













Август Васильевич Ланин (8 августа 1925, Красивая Мечь Тульской области — 2 ноября 2006, Санкт-Петербург) — советский и российский художник, архитектор, дизайнер, член Союза художников (с 1956) и Союза архитекторов (с 1954), профессор кафедры рисунка и живописи архитектурного факультета Ленинградского инженерно-строительного института.



"Зимняя дорога" 1983
 

• +0.09 / 2
• • 2

Обнаружила замечательную художницу, не видела раньше этих работ.

Джанна Таджатовна Тутунджа́н (1931—2011) — советская и российская художница-график. Член-корреспондент РАХ. Народный художник РФ (2004). Член Союза художников СССР с 1964 года.
Художница с экзотическим на русское ухо именем Джанна Тутунджан родилась   в Москве, осенью 1931 года. Никто и подумать не мог, что талантливая выпускница Суриковского художественного института решит взять и уехать на родину мужа, в деревню Вологодской области. И что именно жизнь в деревне — точнее, то, как Джанна запечатлеет её в своих рисунках и картинах — прославит и Тутунджан, и вологодскую землю.Джанна Таджатовна всегда была против того, чтобы её обозначали или графиком, или живописцем. Лучше просто художницей: для настоящего художника нет деления, как рисовать, есть только само изображение, которое он стремится создать. «Я чувствую себя деревом: графика — мои корни, живопись – моя крона…»


Джанна Тутунджан считала главными русскими цветами голубой, зелёный, белый и огненно-алый.



Апрельский дым




Журавленок



Гори ясно



Девочка в красном углу



Молодая



Страда



Черный ворон

• +0.00 / 0

Солнечный Лентулов


Аристарх Васильевич Лентулов (1882-1943) - русский художник, живописец, сценограф. Один из основоположников русского авангарда, член-учредитель объединения «Бубновый Валет» (1910). Учился в Пензенском художественном училище (с перерывами, 1898-1906) и Киевском художественном училище (1901-1905), затем с 1906 по 1910, – в студии Д.Н. Кардовского в Петербурге. В 1911-1912 гг. занимался у Анри Ле Фоконье и Жана Метценже в Париже. Разработал самобытный тип футуристического панно, в котором мир предстаёт калейдоскопом динамических красок и форм – феерическим и в то же время катастрофическим зрелищем. Приняв революцию как праздник обновления, Лентулов становится в 1918 членом коллегии ИЗО Наркомпроса РСФСР. В 1920-х гг. переходит к менее масштабным и более натурным произведениям, воспевающим красоту человеческого бытия. Творческая активность Лентулова реализуется главным образом в театре, соответствовавшем бравурно-оптимистическому складу характера художника. Особенно продуктивным было его соавторство с режиссёрами А.Я. Таировым, Ф.Ф. Комиссаржевским и В.И. Немировичем-Данченко. В 1986 г. в Пензенской картинной галерее создан мемориальный музей Лентулова. 

  Родился  в многопоколенной семье сельского священника, однако становиться священником Лентулов не собирался. И после духовного училища вместо семинарии поступает в Пензенское художественное училище им. Н.Д. Селиверстова (сейчас Пензенское художественное училище им. К.А. Савицкого), директором которого был известный художник-передвижник Константин Савицкий, а преподавателями не менее известные живописцы Н.К. Грандковский, Петр Коровин и скульптор Константин Клодт, внук знаменитого П.К. Клодта, автора конных групп на Аничковом мосту в С-Петербурге.
 «Рисовать карандашом мне не хотелось. С самых ранних лет и по сей день я воспринимал мир исключительно через цвет и свет». Критики называли его талант ясным и радостным. 
Преисполненный новыми веяниями, Аристарх в своих живописных опытах был дерзок и непонятен преподавателям, которые в обучении руководствовались академическими программами. Окончить училище помешал большой скандал: однажды в отсутствие преподавателя Ивана Селезнева Лентулов, как он сам говорил, «подкрасил и причесал» его этюд. Дерзкого мальчишку грозились даже сдать в солдаты, но все закончилось исключением «по причине непосещения уроков». Лентулов вернулся в Пензенское художественное училище, привезя из Киева любовь к Филиппу Малявину и Михаилу Врубелю. 
Лентулов прошел довольно сложный путь, долго метался, меняя собственные предпочтения, прежде чем нашел себя и своих единомышленников. Он был близок к художникам «Голубой розы» с их символизмом и меланхолией, его признал «Мир искусства» в лице самого А. Бенуа, который высоко оценивал его творчество: «Лентулов – прекрасный красочный дар. Нужно ценить и лелеять его ясный и радостный талант, его бодрое отношение к делу. Картины его поют и веселят душу». И если начинал юный Лентулов с реализма, то пройдя через интерес к Врубелю, Борисову-Мусатову, Гогену и его последователям-фовистам, он, в конце концов, выработал свою самобытную манеру письма, в которой основную роль играли чистый цвет, эксперименты с пропорциями, синтез сразу нескольких стилей – импрессионизма и постимпрессионизма, фовизма, кубизма, футуризма, экспрессионизма, – декоративность, «мозаичность», «ярмарочное» настроение. Одной из самых известных картин раннего периода творчества Лентулова стал его автопортрет в красной рубашке 1913 года. 



Автопортрет в красном, 1913




Морской берег. 1912 г. Холст, масло. 87 х 95 см. 
Нижегородский государственный художественный музей.




 Василий Блаженный. 1913 г. Холст, масло, бумажные наклейки. 
170,5 х 163,5 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.




Кисловодск. 1913 г. Холст, масло. 48,3 x 60,7 см.




Звон (Колокольня Ивана Великого). 1915 г. Холст, масло, бронзовая и 
серебряная краска, наклейки из фольги. 211 х 213 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.



Победный бой (Военное панно). 1914 г. Холст, масло, бронзовая и 
серебряная краска. 137,5 х 183 см




 Красная церковь. 1913-1916 гг. 
Холст, масло. 100 x 69,5 см.




Успенский собор. Троице-Сергиева лавра. 1916-1917 гг.




Пейзаж. 1918 г. Холст, масло. Государственный музей-заповедник 
«Ростовский кремль», Ярославская обл




 Мост с поездом. 1918 г. Холст, масло. 59,5 x 68,5см. 
Государственный музей искусств Узбекистана, Ташкент.

• +0.10 / 2
• • 2

• +0.01 / 1
• • 1

Цитата: Дефлоратор мозга от 18.06.2022 15:24:31Ювелирку надо размещать на ком-то страшном, чтобы её было видно. А то хочешь поглядеть (на эту ювелирку), а глаза наводятся на другое.

Это один культурный объект. Женщины с одухотворенными лицами, чистыми глазами, в одежде и украшениях сделанными мастерами, в не дизайнерами с мульти-ориентацией.

• +0.02 / 1
• • 1

Цитата: Дефлоратор мозга от 18.06.2022 19:56:42Я говорил про другое - Роскошь должна улучшать объект, а не "объект" нивелировать роскошь

Индианки прекрасны сами по себе и смотрят на них (фигуры, лица...), а браслеты, сережки..... становится вторичным. А в рекламе должно - с точностью наоборот.

• +0.00 / 0

Цитата: Дефлоратор мозга от 18.06.2022 18:55:46Толку то в том. Рекламируемое изделие не должно теряться на фоне "рекламного размещения" с учетом того, что именно (в подавляющем большинстве) мужики будут покупать эти вещи своим женщинам.

Именно так мне сказали надцать лет назад вращающиеся в модельном бизнесе на вопрос, что же там на показах все страшные такие (топ фотомоделей и лиц брэндов не считаем) на подиумах, а не страшные страшно накрашены. 
Говорят модель - это модель человека, она не должна отвлекать собой от одежды. 
Хотя и одежда там нынче бывает такая что иногда даже не знаешь что хуже... 

• +0.06 / 3
• • 3

Художник Николай Никанорович Дубовской (1859 – 1918) - один из крупнейших и талантливейших пейзажистов русской школы, последний руководитель «Товарищества передвижных художественных выставок», академик живописи, член Совета Академии художеств, профессор и обладатель самого большого количества серебряных и золотых медалей международных выставок.

За свою жизнь художник написал почти полторы тысячи работ. И сегодня это творческое наследие практически утрачено. 
В советское время творческое наследие было распылено – картины отправляли по союзным республикам, по областным и городским музеям, как работы «художника второго или третьего плана». Его картины невозможно интерпретировать в требуемом идеологическом русле. Он писал «красоту» без идеологического подтекста. 



Ладожское озеро




На Волге




Притихло



Радуга



Родина

• +0.07 / 3
• • 3