Клуб искусствоведов "Черный квадрат"

Аналитическое искусство



Речь пойдет о Павле Филонове


Па́вел Никола́евич Фило́нов (8 января 1883 , Москва — 3 декабря 1941 , Ленинград) — русский и советский художник (художник−исследователь, как он официально именовал себя сам), иллюстратор, поэт, преподаватель, один из лидеров русского авангарда; основатель, теоретик, практик и учитель аналитического искусства — уникального реформирующего направления живописи и графики первой половины XX века, оказавшего и оказывающего заметное влияние на творческие умонастроения многих художников и литераторов новейшего времени.

В начале 1910-х произошло сближение Павла Филонова и Велимира Хлебникова. Прототипом художника в рассказе Хлебникова «Ка» является Филонов:

…Я встретил одного художника и спросил, пойдёт ли он на войну? Он ответил: «Я тоже веду войну, только не за пространство, а за время. Я сижу в окопе и отымаю у прошлого клочок времени. Мой долг одинаково тяжёл, что и у войск за пространство».
Он всегда писал людей с одним глазом. Я смотрел в его вишнёвые глаза и бледные скулы. Ка шёл рядом. Лился дождь. Художник писал пир трупов, пир мести... Мертвецы величаво и важно ели овощи, озаренные подобным лучу месяца бешенством скорби.

Большинство по-прежнему не воспринимает ни Малевича, ни Кандинского, ни Ларионова, ни Лисицкого, ни Тышлера с Лентуловым. Казимир Малевич  с грустью писал, что от искусства всегда требуют, чтобы оно было понятно, но те, кто этого требуют, не предъявляют к себе требования приспособить голову к пониманию.


Но даже на этом фоне Павел Филонов занимает особую нишу. Он остается таким же маргиналом и человеком не от мира сего, каким был и самый близкий ему поэт – Велимир Хлебников. Так и стоят они оба особняком: Художник для художников и Поэт для поэтов.

Павла Филонова сравнивают с Дюрером и Грюневальдом, Ван-Гогом и Мейднером, которых роднит общее ощущение трагедии, апокалипсиса и краха прежнего мироустройства. Прежний мир перестал существовать, разбившись вдребезги. Остались только осколки с острыми режущими краями, избежать ранения от которых никому из живущих на переломе XIX-XX веков не удалось.
 
Старый мир исчез, новый творился далеко не только революционной массой, но и поверившими в революцию Филоновым, Хлебниковым, Маяковским, Блоком, Малевичем… В первые годы своего творчества Павел Николаевич создаёт такие шедевры как Пир королей, Масленица, Портрет сестры Е.Н.Глебовой, Святое семейство.

Тогда он был вместе с победителями и тоже думал о счастье, только его представление о счастье категорически не совпадало с видением счастья большинством, для которого его мерилом была сытость, а сытый голодного, как известно, не разумеет. Филонов – аскет, бессребреник, патриот, отказывавшийся продавать свои картины за границу даже в самые голодные и страшные для него годы.

Всё – для России, в дар любимой Родине. И сестра потом тоже отказывалась продавать его картины, потому что брат всё завещал стране, в которой родился, и неважно, что тогда его творчество стране было не нужно. Впрочем, его манера никогда не вызывала восторга и понимания у «классиков», за что трижды его исключали из числа достойных учиться в Академии живописи.
Но поступив туда, через два года он ушел из Академии сам: его революционный пафос далеко отстоял от генеральной линии не только академиков, но и художников русского авангарда. Последние больше ориентировались на французский авангард – кубизм, фовизм, импрессионизм, а Филонов тяготел к немецкому экспрессионизму с его психологизмом и трагическим ощущением мира.

Художнику было тесно в посюстороннем мире, его, как представителя русского космизма, волновали фундаментальные вопросы мироздания и метафизики: жизни и смерти, первооснов бытия, стремление пересоздать мир на новых основаниях и формах. Филонов считал, что картина должна быть подобна Природе - Живой, расти и развиваться, как растет всё живое: животное, растение, человек…

Каждая клеточка – подобна целому миру, из которого складывается целое. Художник – это конструктор, создающий систему бытия, в которой существуют свои законы, она должна быть "сделана". И потому каждый атом и каждая клеточка тщательно прописываются, продумывается и анализируется. Его творчество сродни работе ученого.

Процесс создания картины, по мнению Филонова, похож на сотворение мира, где главное не техника, а технология последовательности действий. Холст – это то, с помощью чего художник осмысливает мир, инструмент, с помощью которого он выходит в Космос и слышит Вселенную, соединяя все времена в единый поток.

Его творчество не вписывается в общеевропейский контекст, что делает художника неудобным маргиналом и заставляет искать объяснение феному в психологии, религии, философии, метафизике и даже мистике. Уже давно сложилась традиция относиться к его живописи как к психически ненормальной. Бытовала даже легенда о пребывании художника в психиатрической лечебнице, что было просто легендой и неправдой.

Но центром, основной темой и предметом живописи Павла Филонова является Человек, он же оказывается и самым слабым звеном в его мифологии. Проблема Человека для художника - не жанровая, а философско-экзистенциальная. Он осмысливает Человека в разных его состояниях: в отдельности и в диалоге, в толпе и в городе.


Не зря Хлебников называл своего друга певцом городского страдания. Человек в мире по Филонову - это преступник, заточённый в тюрьму, откуда смотрит на мир сквозь решетку собственного окна. Так через Человека мастер передаёт своё отношение к социальности, политике, истории, к общению между людьми.

Один, двое, трое, множество… Везде, сколько бы его ни было, в толпе, вдвоём или втроём, Человек одинок и трагичен, везде сквозной нитью проходит трагедия его бытия, заброшенного в мир, который ломает его и с которым он не в состоянии справиться. Отсюда - мрачность эстетики Павла Филонова, чаще всего наполненной безысходным трагизмом...


Пир королей 1913


Крестьянская семья 1914 г. 

Государственный Русский музей




Масленица. 1913—1914 
Холст, масло
79 x 99


Ударники

  1935

82 × 72 см 
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург


Человек в мире 
  1925 
107 × 71.5 см
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург



Портрет Евдокии Николаевны Глебовой, сестры художника
Павел Филонов


За несколько дней до смерти, в декабре 1941 ,  художник отнёс последние четыре картофелины своей любимой сестре Евдокии Николаевне Глебовой, той, которая сохранила картины этого уникального русского художника, не продавая их даже когда сама голодала. Теперь эти картины можно увидеть в Русском музее Санкт-Петербурга, куда, согласно завещанию брата, она их и передала.

  Смерть застала его на боевом посту - на крыше, откуда он сбрасывал бомбы.


А рядом
Ночью
В глухом переулке
Перепилен поперек,
Четвертован
Вулкан погибших сокровищ,
Великий художник,
Очевидец незримого,
Смутьян холста
Павел Филонов.
Был он первым творцом в Ленинграде.
Но худоба
С голодухи,
Погиб во время блокады,
Не имея в запасе ни жира, ни денег.
Картин в его мастерской
Бурлила тыща.
Но провели
Кроваво-бурые
Лихачи
Дорогу крутую,
И теперь там только
Ветер посмертный
Свищет
А. Кручёных

автор статьи  Тина Гай


https://www.liveinternet.ru/users/bo4kameda/post465555735/


Интересно, в  1932 году группа МАИ (Мастерская аналитического искусства)  под художественным руководством П. Н. Филонова иллюстрировала финский эпос «Калевала» издательства «Academia». Работа велась строго по принципу аналитического метода П. Н. Филонова . Над оформлением книги работали: Т. Глебова, А. Порет, Е. Борцова, К. Вахрамеев, С. Закликовская, Павел Зальцман, Н. Иванова, Э. Лесов, М. Макаров, Н. Соболева, Л. Тагрина, М. Цыбасов. Вот, первое издание Калевалы в России поручили группе Филонова, весьма неожиданное решение..
 П. Филонов сам непосредственно руководил всей работой: выбирал сюжеты для иллюстрирования, определял стилистику рисунков, причем каждый рисунок подробно обсуждался и утверждался (собрания проходили несколько раз в неделю у художника дома), а иногда и сам брался за кисть.

Внешне "Калевала" представляет собой традиционное академическое издание – с суперобложкой, страничными иллюстрациями, заставками.Необычными являются орнаментальные линейки вверху страниц и подстраничные изобразительные строчки-концовки. Однако самым необычным и уникальным в истории иллюстрирования "Калевалы" явился творческий метод "филоновцев", заставляющий зрителя посмотреть на героев эпоса не глазами современного человека, а самих его героев. На первый взгляд странные, идолоподобные фигуры людей и животных, застывшие картины северной природы – все это удивительно соответствовало художественному миру Леннрота.
Интересно выполнена акварельная суперобложка – коллективная работа художников. Как пишет исследователь творчества Филонова Е. Ковтун, в этой работе соединились два принципа филоновской школы - фигуративность и беспредметность. "В беспредметных структурах здесь вкраплены изображения зверей, птиц, лодок и людей. В этом сложном сплаве возникает образ Финляндии, изрезанной синевой озер, окруженных замшелыми гранитными грядами, хвойными лесами. Суоми предстает перед зрителем как бы с высоты птичьего полета, не только в зримом, но и в умопостигаемом образе…" 
Половина десятитысячного тиража была куплена Финляндией. На родине же работа художников не сразу была по достоинству оценена критиками. Так, после выхода книги в прессе появился ряд резких статей с критикой иллюстраций "филоновцев", которых упрекали в чрезмерной "архаизации образов" и прочих недостатках. Сама история работы художников и их взаимоотношений с издательством была драматичной. Некоторые форзацы были просто запрещены и уничтожены из-за их красного цвета, хотя художники обращались за помощью даже к М. Горькому. Горький сказал, что форзацы нельзя оставить, но при этом просил напечатать один экземпляр для него лично с указанными форзацами. Но обнаружилось, что клише форзацев уже кем-то уничтожены.

Тяжелое творчество у Павла Филонова, хочется чего-то жизнеутверждающего, что не все так печально в этом мире. Покажу творчество Федора Конюхова (р 1951), нашего путешественника. 
Прекрасная графика у него.


Раненая птица на пути к полюсу



К полюсу недоступности


Последний путь Наоми Уэмуры

(Японский путешественник, проходивший по экстремальным маршрутам в разных точках мира. Многие путешествия Уэмура совершил в одиночку.)




Большая медведица


Килиманджаро

Решила открыть тему с работами художников, скульпторов, посвящёнными России. Символизм, история, природа, просто русская тема в творчестве. Мне кажется, это будет уместно. 


"Ритмы древней Руси", 1968

Владислав Сергеев (род. 1938)


«Сострунка медведя в лесу», 1907, Бумага, масло. 23 x 34 см, Государственный Русский музей

Лебедев Клавдий Васильевич(1852-1916).

Немного о богатырях , войнах, мире.
Павел Дмитриевич Корин (1892-1967) — русский советский художник, портретист, монументалист. Родом из города Палех Владимирской области.  
 

Центральная часть эскиза неосуществленного триптиха "Сполохи" . 1966г. Гуашь, судя по всему



Александр Кирович Быстров (род. 7 декабря 1956  — советский и российский художник-монументалист, мозаичист, живописец, педагог, профессор.


 
"Междоусобица",1994-96



Стасис Красаускас  (1929-1977)  советский литовский художник график


иллюстрации к поэме Р.Рождественского "Реквием" , часть "Память" , 1970-е годы




 Эстамп "К звездам" С.Красаускас , 1960-е

Женщины
Андрей Владимирович Ремнёв (р. 1962, Яхрома) — российский художник

Техника художника, по его собственным словам, строится на соединении приемов древнерусской иконописи, русской живописи XVIII века, композиционных находок «Мира искусства» и русского конструктивизма. Для написания картин Ремнев использует древние техники, сам изготавливая натуральные краски на основе яичного желтка.

 

«Фигуры Ремнева с их неподвижностью или замедленной манекенно-статуарной пластичностью существуют в особом статичном пространстве, где время остановлено, а атмосфера ясна и прозрачна до безвоздушности. Его тела вызывают ассоциации с героями Пьеро делла Франческа, молчаливо и недвижно участвующими в некоем сакральном миракле, – вспомните хотя бы фигуры Пьеро в «Бичевании» или «Вознесении». Этот неторопливый ритм жизни в картинах Ремнева можно описывать словами из старого словаря по искусству: предстояние или sacra conversazione (священное собеседование)»

Визуалист, конечно, и в каком-то смысле лубок у него, прекрасно выполненный технически, гламур и эстетство)), но тем не менее русская тема, решила показать. 

Поле брани

2019, 60х60, холст, масло

Укротительница

Рыжая

Весна

Июнь

"...
И долго буду тем любезен я народу,
Что чувства добрые я лирой пробуждал,
Что в мой жестокий век восславил я свободу
И милость к падшим призывал.
Веленью божию, о муза, будь послушна,
Обиды не страшась, не требуя венца;
Хвалу и клевету приемли равнодушно,
И не оспоривай глупца. "


Сегодня день рождения "нашего всего", А.С. Пушкина.


Горяев  Виталий Николаевич (1910-1982)-график, карикатурист, иллюстратор, глазами которого миллионы советских детей и взрослых увидели «Трёх толстяков», «Тома Сойера» и «Гекльберри Финна», а также героев Пушкина, Гоголя, Достоевского, родился в Кургане. Великолепный рисовальщик, оригинальный живописец, выдающийся иллюстратор был и наставником творческой молодежи, интересной личностью. Произведения Горяева хранятся в Государственной Третьяковской галерее, Русском музее, ГМИИ им. А.С. Пушкина, в десятках ведущих музеев России и за рубежом.













Август Васильевич Ланин (8 августа 1925, Красивая Мечь Тульской области — 2 ноября 2006, Санкт-Петербург) — советский и российский художник, архитектор, дизайнер, член Союза художников (с 1956) и Союза архитекторов (с 1954), профессор кафедры рисунка и живописи архитектурного факультета Ленинградского инженерно-строительного института.



"Зимняя дорога" 1983
 

Обнаружила замечательную художницу, не видела раньше этих работ.

Джанна Таджатовна Тутунджа́н (1931—2011) — советская и российская художница-график. Член-корреспондент РАХ. Народный художник РФ (2004). Член Союза художников СССР с 1964 года.
Художница с экзотическим на русское ухо именем Джанна Тутунджан родилась   в Москве, осенью 1931 года. Никто и подумать не мог, что талантливая выпускница Суриковского художественного института решит взять и уехать на родину мужа, в деревню Вологодской области. И что именно жизнь в деревне — точнее, то, как Джанна запечатлеет её в своих рисунках и картинах — прославит и Тутунджан, и вологодскую землю.Джанна Таджатовна всегда была против того, чтобы её обозначали или графиком, или живописцем. Лучше просто художницей: для настоящего художника нет деления, как рисовать, есть только само изображение, которое он стремится создать. «Я чувствую себя деревом: графика — мои корни, живопись – моя крона…»


Джанна Тутунджан считала главными русскими цветами голубой, зелёный, белый и огненно-алый.



Апрельский дым




Журавленок



Гори ясно



Девочка в красном углу



Молодая



Страда



Черный ворон

Солнечный Лентулов


Аристарх Васильевич Лентулов (1882-1943) - русский художник, живописец, сценограф. Один из основоположников русского авангарда, член-учредитель объединения «Бубновый Валет» (1910). Учился в Пензенском художественном училище (с перерывами, 1898-1906) и Киевском художественном училище (1901-1905), затем с 1906 по 1910, – в студии Д.Н. Кардовского в Петербурге. В 1911-1912 гг. занимался у Анри Ле Фоконье и Жана Метценже в Париже. Разработал самобытный тип футуристического панно, в котором мир предстаёт калейдоскопом динамических красок и форм – феерическим и в то же время катастрофическим зрелищем. Приняв революцию как праздник обновления, Лентулов становится в 1918 членом коллегии ИЗО Наркомпроса РСФСР. В 1920-х гг. переходит к менее масштабным и более натурным произведениям, воспевающим красоту человеческого бытия. Творческая активность Лентулова реализуется главным образом в театре, соответствовавшем бравурно-оптимистическому складу характера художника. Особенно продуктивным было его соавторство с режиссёрами А.Я. Таировым, Ф.Ф. Комиссаржевским и В.И. Немировичем-Данченко. В 1986 г. в Пензенской картинной галерее создан мемориальный музей Лентулова. 

  Родился  в многопоколенной семье сельского священника, однако становиться священником Лентулов не собирался. И после духовного училища вместо семинарии поступает в Пензенское художественное училище им. Н.Д. Селиверстова (сейчас Пензенское художественное училище им. К.А. Савицкого), директором которого был известный художник-передвижник Константин Савицкий, а преподавателями не менее известные живописцы Н.К. Грандковский, Петр Коровин и скульптор Константин Клодт, внук знаменитого П.К. Клодта, автора конных групп на Аничковом мосту в С-Петербурге.
 «Рисовать карандашом мне не хотелось. С самых ранних лет и по сей день я воспринимал мир исключительно через цвет и свет». Критики называли его талант ясным и радостным. 
Преисполненный новыми веяниями, Аристарх в своих живописных опытах был дерзок и непонятен преподавателям, которые в обучении руководствовались академическими программами. Окончить училище помешал большой скандал: однажды в отсутствие преподавателя Ивана Селезнева Лентулов, как он сам говорил, «подкрасил и причесал» его этюд. Дерзкого мальчишку грозились даже сдать в солдаты, но все закончилось исключением «по причине непосещения уроков». Лентулов вернулся в Пензенское художественное училище, привезя из Киева любовь к Филиппу Малявину и Михаилу Врубелю. 
Лентулов прошел довольно сложный путь, долго метался, меняя собственные предпочтения, прежде чем нашел себя и своих единомышленников. Он был близок к художникам «Голубой розы» с их символизмом и меланхолией, его признал «Мир искусства» в лице самого А. Бенуа, который высоко оценивал его творчество: «Лентулов – прекрасный красочный дар. Нужно ценить и лелеять его ясный и радостный талант, его бодрое отношение к делу. Картины его поют и веселят душу». И если начинал юный Лентулов с реализма, то пройдя через интерес к Врубелю, Борисову-Мусатову, Гогену и его последователям-фовистам, он, в конце концов, выработал свою самобытную манеру письма, в которой основную роль играли чистый цвет, эксперименты с пропорциями, синтез сразу нескольких стилей – импрессионизма и постимпрессионизма, фовизма, кубизма, футуризма, экспрессионизма, – декоративность, «мозаичность», «ярмарочное» настроение. Одной из самых известных картин раннего периода творчества Лентулова стал его автопортрет в красной рубашке 1913 года. 



Автопортрет в красном, 1913




Морской берег. 1912 г. Холст, масло. 87 х 95 см. 
Нижегородский государственный художественный музей.




 Василий Блаженный. 1913 г. Холст, масло, бумажные наклейки. 
170,5 х 163,5 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.




Кисловодск. 1913 г. Холст, масло. 48,3 x 60,7 см.




Звон (Колокольня Ивана Великого). 1915 г. Холст, масло, бронзовая и 
серебряная краска, наклейки из фольги. 211 х 213 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.



Победный бой (Военное панно). 1914 г. Холст, масло, бронзовая и 
серебряная краска. 137,5 х 183 см




 Красная церковь. 1913-1916 гг. 
Холст, масло. 100 x 69,5 см.




Успенский собор. Троице-Сергиева лавра. 1916-1917 гг.




Пейзаж. 1918 г. Холст, масло. Государственный музей-заповедник 
«Ростовский кремль», Ярославская обл




 Мост с поездом. 1918 г. Холст, масло. 59,5 x 68,5см. 
Государственный музей искусств Узбекистана, Ташкент.

Цитата: Дефлоратор мозга от 18.06.2022 15:24:31Ювелирку надо размещать на ком-то страшном, чтобы её было видно. А то хочешь поглядеть (на эту ювелирку), а глаза наводятся на другое.

Это один культурный объект. Женщины с одухотворенными лицами, чистыми глазами, в одежде и украшениях сделанными мастерами, в не дизайнерами с мульти-ориентацией.

Художник Николай Никанорович Дубовской (1859 – 1918) - один из крупнейших и талантливейших пейзажистов русской школы, последний руководитель «Товарищества передвижных художественных выставок», академик живописи, член Совета Академии художеств, профессор и обладатель самого большого количества серебряных и золотых медалей международных выставок.

За свою жизнь художник написал почти полторы тысячи работ. И сегодня это творческое наследие практически утрачено. 
В советское время творческое наследие было распылено – картины отправляли по союзным республикам, по областным и городским музеям, как работы «художника второго или третьего плана». Его картины невозможно интерпретировать в требуемом идеологическом русле. Он писал «красоту» без идеологического подтекста. 



Ладожское озеро




На Волге




Притихло



Радуга



Родина

Цитата: Cheen от 19.06.2022 20:19:20Именно так мне сказали надцать лет назад вращающиеся в модельном бизнесе на вопрос, что же там на показах все страшные такие (топ фотомоделей и лиц брэндов не считаем) на подиумах, а не страшные страшно накрашены. 
Говорят модель - это модель человека, она не должна отвлекать собой от одежды. 
Хотя и одежда там нынче бывает такая что иногда даже не знаешь что хуже... 

Если это показ для модельно-дизайнерской тусовки, то такой подход как-то могу понять. А если это модное шоу для обывателей, то, кмк, это глупо, т.к. обыватель, чтобы заинтересоваться экспонатом, должен себя как-то ассоциировать с представленным образом. А если на подиуме что-то коряво-анорексичное... Ну, не знаю... Это путь не к широким покупательским массам, а к фрикам мира моды. Хотя, как знать, кого именно модельеры хотят впечатлить...

Цитата: Птица-синица от 20.06.2022 13:20:24Художник Николай Никанорович Дубовской (1859 – 1918) - один из крупнейших и талантливейших пейзажистов русской школы, последний руководитель «Товарищества передвижных художественных выставок», академик живописи, член Совета Академии художеств, профессор и обладатель самого большого количества серебряных и золотых медалей международных выставок...

Обалденно!!!

Цитата: Птица-синица от 20.06.2022 13:20:24Художник Николай Никанорович Дубовской (1859 – 1918) - один из крупнейших и талантливейших пейзажистов русской школы, последний руководитель «Товарищества передвижных художественных выставок», академик живописи, член Совета Академии художеств, профессор и обладатель самого большого количества серебряных и золотых медалей международных выставок.

За свою жизнь художник написал почти полторы тысячи работ. И сегодня это творческое наследие практически утрачено. 
В советское время творческое наследие было распылено – картины отправляли по союзным республикам, по областным и городским музеям, как работы «художника второго или третьего плана». Его картины невозможно интерпретировать в требуемом идеологическом русле. Он писал «красоту» без идеологического подтекста.

Дубовский шикарный. Если можно выложите пожалуйста его виды церквей.

Цитата: Вадим Р. от 20.06.2022 15:38:50Если это показ для модельно-дизайнерской тусовки, то такой подход как-то могу понять. А если это модное шоу для обывателей, то, кмк, это глупо, т.к. обыватель, чтобы заинтересоваться экспонатом, должен себя как-то ассоциировать с представленным образом. А если на подиуме что-то коряво-анорексичное... Ну, не знаю... Это путь не к широким покупательским массам, а к фрикам мира моды. Хотя, как знать, кого именно модельеры хотят впечатлить...

Это индийские актрисы на мероприятиях и фотосессиях. Интересно, что в Индии они часто как бы несут культуру в массы, в части одежды украшений и манер.

Цитата: nesterova от 21.06.2022 15:08:12Дубовский шикарный. Если можно выложите пожалуйста его виды церквей.

 Обязательно .

Красная площадь, 1904



Сумерки, 1916, 

Государственный центральный музей музыкальной культуры имени М.И. Глинки, Москва

«В обители. Троице-Сергиева лавра». 1917 год. Ростовский музей изо.искусств




Переправа через Ангару в Иркутске



Благовест


 Лавра зимой



Почему-то все  они зимние.



Летние облака, 1906, Новочеркасский музей донского казачества

К сегодняшнему дню:



 "Фашист пролетел" , Аркадий Пластов (1893-1972), 1942г



 "Заслон" . Гелий Коржев (1925-2012), 1970-е



из цикла "Вечно живые" Стасиса Альгирдо Красаускаса (1929-1977) , 1973-75 гг

Цитата: nesterova от 21.06.2022 15:10:26Это индийские актрисы на мероприятиях и фотосессиях. Интересно, что в Индии они часто как бы несут культуру в массы, в части одежды украшений и манер.

Индийские модели как раз выглядят очень гармонично. Я отвечал на пост о том, что кутюрье выбирают страшненький моделей, чтобы не отвлекали от результата их усилий.

Цитата: Вадим Р. от 23.06.2022 11:02:17Индийские модели как раз выглядят очень гармонично. Я отвечал на пост о том, что кутюрье выбирают страшненький моделей, чтобы не отвлекали от результата их усилий.

думаю, что там сложнее - женственность "убивают" на уровне концепции. Многие модельеры непонятной ориентации, и соответсвенно , коллекции такие ( если говорить об одежде), а классические ювелирные вполне себе красивых женщин приглашают для основной рекламы.