Клуб искусствоведов "Черный квадрат"

https://banksyexplained.com/napalm-2004/

То что в шоке — это ничего не сказать.

Цитата: бардак с идеями от 19.04.2022 16:26:06https://banksyexplained.com/napalm-2004/

То что в шоке — это ничего не сказать.

Среди современных художников- инсталляторов всякой скверны и уродства навалом.

Серге́й Васи́льевич Гера́симов (14 [26] сентября 1885, Можайск, Московская губерния, Российская империя — 20 апреля 1964, Москва, СССР) — русский, советский художник-живописец, педагог, доктор искусствоведения (1956), профессор. Академик АХ СССР (1947). Народный художник СССР (1958). Лауреат Ленинской премии (1966 — посмертно).

Родился 14 (26) сентября 1885 года в Можайске Московской губернии (ныне Московская область) в крестьянской семье.
В 1901—1907 годах занимался в Строгановском центральном художественно-промышленном училище, в 1907—1912 — в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (ныне Московский художественный институт имени В. И. Сурикова), где его наставниками были С. В. Иванов и К. А. Коровин.
Был членом объединений «Маковец», «Общество московских художников» и АХРР. Жил в Москве и Можайске, где в 1915 году построил себе дом-мастерскую.
Представитель русского импрессионизма, создавший также целый ряд эталонных соцреалистических картин.  Одним из известнейших живописных полотен о войне стала «Мать партизана» (1943—1950, ГТГ). Сквозь всё творчество мастера проходят реальные впечатления постреволюционных потрясений и бед — прежде всего в повторяющихся мотивах соседствующего с его домом Лужецкого монастыря, разрушенного и варварски разоренного после его закрытия в 1926 году. В простых по сюжету, лирически-задушевных пейзажах (серия «Можайские пейзажи», 1954, ГТГ; и др.) живописный импрессионизм художника выразился наиболее органично. Окружающая реальность неразрывно соединилась в этих композициях с воспоминаниями о русской провинциальной старине. Иллюстрировал произведения М. Горького, Н. А. Некрасова и других авторов.
Проявил себя как опытный педагог. Ещё с 1912 года преподавал в художественной школе при типолитографии И. Д. Сытина, а затем во ВХУТЕМАСе‎ — Высших художественно-технических мастерских, и других институтах. В 1943—1948 годах — директор МГХИ им. В. И. Сурикова. Профессор. Умелый и чуткий администратор, завоевав в середине века прочную репутацию осторожного, но стойкого либерала (за что в 1948 году был уволен с поста директора МГХИ имени В. И. Сурикова). В 1950—1964 годах занимал также пост директора Московского высшего художественно-промышленного училища (ныне Московская художественно-промышленная академия имени С. Г. Строганова).
В 1958—1964 годах — первый секретарь Правления Союза художников СССР.
Член ВКП(б) с 1943 года.
Умер 20 апреля 1964 года в Москве. Похоронен на Новодевичьем кладбище (участок № 6).
Автопортрет





Пейзажи, натюрморты
https://disk.yandex.ru/a/3OErcWK-36pFtA

Портреты, жанр
https://disk.yandex.ru/a/9WwLZ7qkavNdNg

Юрий Михайлович РАКША  (имя при рождении: Юрий Мефодьевич Теребилов, позже взял фамилию жены) пришёл в этот мир 2 декабря 1937 года и покинул его 1 сентября 1980 года. Он был хорошим советским художником – прекрасным живописцем, известным кинопостановщиком, графиком. Его часто можно было видеть то в дальневосточной тайге, то на площадках нефтяников, то у геологов, то на Байкало-Амурской магистрали. Он делал наброски, зарисовки и потом, возвращаясь в Москву и обдумав увиденное, писал свои произведения.
На протяжении пятнадцати лет он являлся художником-постановщиком киностудии «Мосфильм». Участвовал в создании многих отечественных фильмов, до сих пор нам памятных: «Время, вперёд!», «Дерсу Узала», «Восхождение»…



Автопортрет


Подснежники 


 
Солнце



Эскиз к фильму "Дерсу Узала"

"Судьба всегда дарила мне лучших людей… Юрий Ракша, с которым мне посчастливилось работать, — самый опытный, самый талантливый профессионал и знаток своего дела. Поэтому, когда я начал работу над фильмом и искал художника-постановщика, мой выбор пал именно на него. Я и раньше видел в Японии на выставке его превосходные полотна… Кроме того, я уверен, что Юрий Ракша на сегодня — один из лучших русских художников…" 
 Акира Куросава


Донбасс.

http://art.mirtesen.…ich-RAKSHA

Я бы даже сказала, да и не только я так говорю - Великий русский авангард). 
Он был неизбежен, искусства всегда отображают действительность. 
И технический прогресс - фотографии и кино, бурные  годы  войн и революций начала 19 века, индустриализация  - вот вам и авангард, нефигуративный и философский). 

А писать Малевич умел прекрасно




Малевич К. С. Портрет рабочего (Краснознаменец Жарновский) 1932—1933Холст, масло 49.5 x 54.5


А рассказать мне немного хотелось об Иване Кудряшове. В прошлом году Третьяковская галерея делала выставку к 125-летию со дня рождения.

 Иван Алексеевич Кудряшов (1896-1972) - выдающийся русский живописец-супрематист, создатель собственного варианта абстрактного («космического») искусства, сценограф, педагог. Ученик Казимира Малевича. Запомнила я его потому, что он занимался в 20-30 годы космизмом, двиение и судьба сложилась так, что дожил до полета Ю.А.Гагарина и даже выхода в открытый космос А.А. Леонова 

Его отец изготавливал деревянные модели ракет и воздухоплавательных аппаратов в мастерской у К. Э. Циолковского.
После окончания Якиманского городского училища в Москве, Иван Кудряшов в 1911 году поступил в Строгановское центральное художественно-промышленное училище (СЦХПУ).
В 1912—1917 годах обучался в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (мастерские Николая Касаткина и Павла Кузнецова). В 1917 году создал свои первые абстрактные рисунки: «Часы», «Движение», «Гермес и Дионис».
В 1919 году обучался во Вторых Государственных Свободных художественных мастерских (II ГСХМ) у Казимира Малевича.

 


Траектория движения планет вокруг Солнца 



Свечение. 1925 г. Холст, масло. 106,7х71 см. Государственный музей искусств  Республики Каракалпакстан им. И.В. Савицкого, г. Нукус.

Где-то к середине 30-х нефигуратиное творчество авангардистов стало ненужным, неудобным, Малевич умер, и все такое. К реализму Иван Кудряшов оказался неприспособлен -нет, рисовать реалистично он умел,(на выставке были такие работы) но , похоже, не лежала душа. Как я понимаю, под тюремные репрессии они с женой не попали, но его исключили из союза художников, чуть ли не запрет на искусство наложили. На выставке много мелких эскизов, концепций нереализованных работ , вот прямо а5 и даже а6, карандаш 
Ему повезло, он дожил до космических достижений, могу себе представить его радость. Он снова стал писать, подал заявление в союз художников , не знаю, приняли или нет, но было организовано несколько выставок, вывозили во Францию даже, запад любит наш авангард. 

Около 40 работ находятся в Греции, в музее современного искусства , коллекционер Г.Костаки передал часть в греческий музей, часть в Третьяковку. Около 300 работ ( эскизы в том числе) в Государственном музее искусств Республики Каракалпакстан им. И.В. Савицкого, г. Нукус, что-то собственность Третьяковской галереи и Русского музея.


Первый спутник


Человек в космосе ( сделано после выхода Алексея Леонова в открытый космос )

Просто продолжу про русский авангард. Получается слегка на злобу дня. 

Яков Чернихов, или о практическом применении супрематизма

 Яков Георгиевич Чернихов (5 (17) декабря 1889, Павлоград, Екатеринославская губерния, Российская империя — 9 мая 1951, Москва, СССР) — советский архитектор, художник, график, живописец, теоретик архитектуры.
В 1904—1914 годах проживал в Одессе, обучался в Одесском художественном училище (в те годы — филиал Императорской Академии художеств). В этот период будущий зодчий зарабатывал себе на жизнь тяжёлым физическим трудом. В Одессе начинается увлечение Якова Георгиевича и графикой: он много рисует, работает над выработкой индивидуального графического языка.

В 1912 году Чернихов начинает преподавать в училище, по окончании которого переезжает в Санкт-Петербург.

В Петербурге он поступает на живописный факультет Академии художеств, а также на Высшие педагогические курсы. В 1916 году переходит на архитектурный факультет, где обучается под руководством Л. Н. Бенуа.

После окончания Академии Художеств в 1925 году Яков Чернихов занимается проектированием (главным образом промышленных зданий и комплексов). В 1927 году он организовал в Ленинграде «Научно-исследовательскую экспериментальную лабораторию архитектурных форм и методов графирования». Лаборатория становится фактически персональной мастерской Якова Чернихова, где он совместно со своими учениками и коллегами занимается проектной и экспериментальной работой.
Чернихов всегда и везде пропагандировал язык графики.
 На рубеже 1920—1930-х годов   издаёт в Ленинграде книги архитектурных фантазий, принёсшие ему всемирную известность: «Основы современной архитектуры» (1930), «Конструкции архитектурных и машинных форм» (1931), «Архитектурные фантазии. 101 композиция» (1933).

 
Непревзойдённые графические работы мастера, исполненные романтики, экспрессии и пафоса технического века были представлены широкой публике на выставке «2222 архитектурные фантазии», которая открылась в Ленинграде в 1933 г. Графика Чернихова повлияла на развитие современной архитектуры. Многие знаменитые архитекторы открыто называют его своим вдохновителем и заочным учителем. Наряду с такими мастерами как Клод-Никола Леду, Джованни Баттиста Пиранези, Антонио Сант'Элиа, Яков Георгиевич Чернихов считается крупнейшим представителем жанра архитектурной фантазии.


«Везде заменяйте слово графикой!» - говорил Чернихов, во многом предвосхищая современную визуальную культуру.




Индустриальные концепты


архитектура - в космос


космические станции



книга , если вдруг кого-то заинтересуют авангардистские концепты городов будущего столетней давности http://tehne.com/eve…FBR0FRWnln

В 2006 году в России произошло событие, получившее в кругах искусствоведов статус «культурной катастрофы». Из Русского государственного архива литературы и искусства было похищено более тысячи оригиналов работ Якова Чернихова. 
 


 В 1941 году по заказу Наркомата обороны Чернихов создал цикл «Военная маскировка». Работу, предназначенную как руководство для военных и специальных учебных заведений, сопровождали 63 красочные композиции. Они и в наши дни привлекают внимание исследователей - и не только в связи с военной темой. «Он подробно рассматривает методы маскировки, включающие цветовые расцветки, светомаскировку, декоративные прикрытия, химические завесы, искусственные сооружения, светящиеся краски, а также конструктивные приемы, позволяющие видоизменять визуальные характеристики поверхности и объема оборонного объекта. При создании маскировочного дизайна Яков Чернихов использовал подход масштабного проектирования. Опираясь на тонкое знание стилевых нюансов, он смело сочетал приемы кубофутуризма и народного лубка, привнеся живописную драматургию в техническую задачу военной маскировки», - пишет современный ученый-искусствовед о его цикле.

Продолжу про русский авангард. С другой стороны.


Братья Воиновы.


Они родились  в семье потомственного дворянина, донского казака станицы Усть-Быстрянская, Владимира Михайловича Воинова. Мать - Екатерина Никифоровна, урождённая Хрусталёва, по нашим временам мать-героиня. Отец был управляющий делами великого князя Павла Александровича, в конце жизни - статский советник. Глава семейства собрал большую коллекцию исторических и художественных предметов, основную часть которой в 1910 году пожертвовал создававшемуся в Петербурге Толстовскому музею. 

Детей было 9, трое из них художники:

Всеволод Владимирович Воинов (1880-1945) - художник и искусствовед, работавший в Эрмитаже и Русском Музее;
Ростислав Владимирович Воинов (1881-1919) - художник и скульптор;
Ольга Владимировна Воинова; 
Игорь Владимирович Воинов (1885-1942, Париж) - поэт, его портрет написал И.Е. Репин в 1923-1926 гг. 
Екатерина Владимировна Воинова; 
Ярослав Владимирович Воинов (1887- 1950, Сан-Паулу) - поэт, писатель, переводчик. В 1928 эмигрировал в Южную Америку, поселился в Сан-Паулу в Бразилии. К 1957 получил разрешение от советских властей на въезд в СССР, но перед отъездом был убит при странных обстоятельствах. Жена и дочь уехали в СССР и жили в Москве. Его имя носит улица в Осаско, городе, выделившемся из Сан-Паулу.
Михаил Владимирович Воинов;
Святослав Владимирович Воинов (1890-1920 ) - художник;
Татьяна Владимировна Воинова-Лаврова (1892-1972);
Олег Владимирович Воинов (1898- ?). 


В принципе, по датам жизни понятно, что бурное историческое время отразилось на семье. Старший, Всеволод остался в России, , русский советский живописец, график, театральный художник, искусствовед, педагог. В 1904 г. окончил физико-математический факультет Петербургского университета , участник ВОВ.

Ростислав  погиб в боях со стороны белых.

  Святослав во  время Первой мировой войны   был призван в армию и служил в казацких частях в Петербурге. В середине 1917 года Святослав оказался с женой на родине отца - в Области Войска Донского, служил в составе Центральной группы Донской армии в Новочеркасске, который стал центром белого движения. С 31 января 1919 года в военном ведомстве вооружённых сил Юга России занимал должность чиновника - коллежский регистратор.  В 20 году был арестован, и дальше  судьба его трагична  - летом 1920 года Святослав Воинов был арестован, хотя и как-то сотрудничал с советской властью -    написал программу работы пролетарской художественной студии секции ИЗО Наркомпроса, лекцию для неё назвал «Цели, значение и формы эстетического развития масс. Общие понятия о происхождении, задачах и значении искусства». К этому же комплексу текстов относится неозаглавленная статья о будущем пролетарского искусства как искусства синтетического, в которой дан обзор тенденций последнего десятилетия, включая кубофутуризм, и поддержаны тезисы статьи К.С. Малевича «Архитектура как пощёчина бетоно-железу» (1918). С группой бывших белых офицеров был отправлен в Архангельский лагерь. По воспоминаниям родственников, жена, благодаря ходатайству юридического отдела Московского Политического Красного Креста, добилась разрешения на его освобождение, добралась до места заключения, но опоздала. Осенью 1920 года Святослав Воинов был расстрелян за три дня до приезда жены (об этом упоминают на допросах его сестра Ольга Владимировна и брат Игорь Владимирович). 


Ростислав , как и  наиболее известный Всеволод, тоже график и скульптор, а вот Святослав был художник авнгардист. На нем и остановлюсь сегодня, у него были свои искания в искусстве - религиозно-мистические темы. Мне это кажется интересным. Об авангардистах-графиках, расскажу позже - это тоже интересно - фактически авангардисты и футуристы сформировали новую форму детской художественной книги. 


Святослав Воинов искал современный художественный язык, адекватный личному самоуглублённому богоискательству. Изучал иконопись, как многие художники авангарда (В.Е. Татлин, М.Л. Бойчук, С.И. Бодуэн де Куртенэ, Е.Я. Сагайдачный, М.В. Ле-Дантю), исследовал её технологические основы, связывая законы формообразования со спецификой материала - темперы, масла, холста, доски. Сам художник утверждал, что «учился только у иконы и народного искусства, где форма вытекает из содержания»

 

 Благовещение. 1916 г. Холст, темпера. 143 x 202,5 см. 
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург. 



Тайная вечеря. «Пребудьте во Мне и Я в вас». 1918 г. 
Холст, масло. 102 x 109 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.


Писал брату Всеволоду: «я ухожу от трактовки силуэтной», «мне удалось разрешить современное, живописное трактование форм, объёма, в согласии с особенностями темперной живописи», «все формы в картине переданы как подъёмы и спуски масс, так что глаз зрителя равномерно переходит от формы к форме, независимо от того, что она изображает, - фигуру человека, стол, стену и т.д.» (18 января 1918).


Триптих. 1918 г. Холст, масло. 103 х 103 см. 
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.



Голова Спасителя (Иисус Христос). 1919 г. 
Холст, масло. 96,5 x 96,5 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.



Портрет жены. 1917 г. Холст, масло. 102,5 x 118,5 см. 
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Цитата: Птица-синица от 23.05.2022 13:23:33Продолжу про русский авангард. С другой стороны.


Братья Воиновы.

Сейчас портреты их покажу, братьев Воиновых.


Это Всеволод Воинов, портрет  работы Бориса Кустодиева 1921г




Святослав Воинов, автопортрет, до 1920 г




Портрет Ильи Воинова, работы И. Е. Репина, примерно 1926




Портрет брата. Всеволод Воинов, 1923 г, линогравюра. 

Но какой брат имеется в виду - не уверена. По фото похоже, что это портрет Святослава, Ростислав носил усы)

Конструктивизм.
Владимир Евграфович Татлин (1885-1953гг).

Татлин, тайновидец лопастей И винта певец суровый, Из отряда солнцеловов. Паутинный дол снастей Он железною подковой Рукой мертвой завязал. В тайновиденье щипцы. Смотрят, что он показал, Онемевшие слепцы. Так неслыханны и вещи Жестяные кистью вещи. Конец мая 1916, Велимир Хлебников

 
док. фильм Е.К. Осташенко, Центрнаучфильм



Владимир Татлин родился в Москве 28 декабря 1885 года. Мать умерла, когда мальчику было четыре года. Вскоре отец женился вновь, и семья переехала в Харьков. Владимир Татлин с детства хорошо рисовал и, поступив в реальное училище, начал изучать основы рисунка и живописи. Отношения с мачехой у него не сложились, и в 13 лет подросток сбежал из дома. Он нанялся юнгой на пароход, плывущий в Стамбул.
В Москву Владимир Татлин вернулся в 17 лет. Здесь он поступил в училище живописи, ваяния и зодчества. Однако авторитет педагогов — известных русских живописцев Константина Коровина и Валентина Серова — ничего не значил для него. В 1903 году за плохую успеваемость и плохое поведение Татлина отчислили. Он поступил в Одесское морское училище. Свой мореплавательный опыт художник позже воплотил в акварельных компо­зициях «Флотские формы», «Рыбное дело», а на автопортрете художник предстал матросом шхуны «Стерегущий».
«В промежутках между художественным училищем и училищем живописи, ваяния и зодчества я направлялся в дальнее плавание для заработка, а также это давало мне возможность видеть корабли, море, разные иные земли, людей, рыб и птиц, за чем я уже тогда зорко наблюдал, и это наталкивало меня на разные мысли, которые в дальнейшем я осуществлял».
Владимир Татлин



Вернувшись из очередного морского плавания в 1905 году, Татлин отправился в Пензу: он вновь поступил в художественное училище. Летние каникулы он проводил в Москве, где познакомился с молодым художником-авангардистом  Михаилом Ларионовым. 

В начале 1914 года Владимир Татлин отправился в Берлин. Там он играл в ансамбле бандуристов на выставке русского народного искусства. После этого художник отправился в Париж: он мечтал познакомиться здесь с Пикассо и изучить его работы. О том, как Татлин попал в дом знаменитого мастера, доподлинно неизвестно. Существует предположение, что встречу помог организовать Марк Шагал. По другой версии, Татлин незаконно проник в дом Пикассо одним из поздних вечеров. Молодой художник застал Пикассо за работой и был настолько потрясен его техникой, что до конца дней считал его своим учителем.

Башня Татлина

После заграничной поездки Татлин понял, что в изобразительном искусстве уже произошла революция. Теперь в его основе — материал, объем и конструкция. Эти три понятия объединялись в одно художественное направление — конструктивизм. Татлин начал работать над собственным произведением в новом стиле — контррельефом. Он представлял собой абстрактную объемно-пространственную композицию из меди, железа и дерева.



Революцию 1917 года Владимир Татлин принял с восторгом. Он стал председателем художественной коллегии Наркомпроса, а затем — Отдела материальной культуры. В 1919 году Отдел изобразительных искусств Народного комиссариата по просвещению поручил Татлину создать проект памятника Третьему интернационалу. И художник немедленно приступил к заданию.

Внешне памятник напоминал башню. Несущую конструкцию архитектор вынес наружу, а функциональные помещения из стекла подвесил внутри нее один над другим: куб, пирамиду, цилиндр и полусферу. Куб предназначался для проведения конференций съездов; цилиндр — для всемирного исполнительного комитета; пирамида — для будущих СМИ; в верхней полусфере — синематограф. По задумке архитектора помещения должны были вращаться вокруг своей оси с разной скоростью, а гигантский проектор на вершине здания — передавать проекцию коммунистических лозунгов прямо на облака. Башня стала одним из важных символов нового искусства и визитной карточкой конструктивизма.
Однако в послереволюционном Петрограде идеи Татлина казались утопией. Проект башни воплотился лишь в макете из дерева и металла. В конце 1920 года художник представил его на VIII съезде Советов. Руководители страны башню не оценили: Троцкому она напомнила каркас недостроенного здания, а Ленин назвал ее уродливой.

В 1925 году макет Татлина отправили на Всемирную выставку искусства в Париже. Башня произвела там настоящий фурор. В том же году конструкцию представили на первомайской демонстрации в Ленинграде. Осознание, что его башня так и останется макетом, разрушило все надежды архитектора. Он стал вспыльчивым и неуравновешенным: однажды сломал дверь в музей и с кулаками накинулся на Казимира Малевича. Свои идеи Татлин берег с маниакальной бдительностью: он забил окна мастерской фанерой и никого не впускал.



 Татлинская конструкция-птица была выполнена из гнутого дерева, тканевых бинтов, алюминия и кожи. У нее был 10-метровый размах крыльев. Аппарат должны были опробовать под Звенигородом, но пробный полет так и не состоялся: при транспортировке птице повредили крыло. Месяц спустя сломанный татлинский аппарат подвесили под потолком Московского музея изобразительных искусств. Поэт Велимир Хлебников назвал конструкцию «Летатлином».

Еще одно направление в авангарде - природное, органическое, в каком-то смысле противоположное конструктивизму.



Михаи́л Васи́льевич Матю́шин (1861, Нижний Новгород — 14 октября 1934, Ленинград) — русский художник, музыкант, теоретик искусства, один из лидеров русского авангарда первой половины XX века. Композитор футуристической оперы «Победа над Солнцем» (1913), прославившей Казимира Малевича.


  
Автопортрет. 1900-е. Холст, масло. Музей петербургского авангарда. Дом М.В. Матюшина, Санкт-Петербург



В 1908—1910 годах Матюшин и его жена Елена Гуро входили в складывающийся круг русских кубофутуристов-«будетлян» (Давид Бурлюк, Василий Каменский, Велимир Хлебников), они встречались в доме Матюшиных на Песочной улице в Петербурге (ныне Музей петербургского авангарда на улице Профессора Попова, Петроградская сторона), там было основано издательство «Журавль», в 1910 вышел первый сборник кубофутуристов «Садок судей». До 1917 в этом издательстве Михаил Матюшин выпустил 20 футуристических книг.


Матюшин считается одним из лидеров авангардизма 20-го века. К середине 1910-х годов у Матюшина образовалось собственное научно-философское видение изобразительного искусства — его он распространял среди своих учеников, со временем объединив их в художественную группу «Зорвед» («взор» и «ведать»).



«Цвето-музыкальная конструкция», 1918 год, дерево, масло, 51 х 63 см., Государственный музей современного искусства, Салоники. Коллекция Георгия Костаки.

«Цветок человека», 1918 год, холст, масло, Государственный Русский музей.

В период работы Матюшина в ГИНХУКе (где он заведовал отделом органической культуры) группа «Зорвед» проводила исследования в области воздействия цвета на наблюдателя, в результате которых были открыты формообразующие свойства цвета — то есть влияние цветового оттенка на восприятие формы наблюдателем. Выводы из исследований фиксировались на таблицах, которые экспонировались на отчетных выставках отдела в ГИНХУКе в 1924, 1925, 1926 годах.



«Сиверская. Пейзаж со всех сторон», 1924 год, бумага, акварель, 22,2 x 34,3 см., частное собрание.


   Матюшин стремился создать на плоскости картины новое восприятие природы «как текущей массы сцепленных частиц, постоянно меняющей свой объем, цвет, рост, вес и форму». Он считал, что все существует только во взаимной связи и движении .
«Самостоятельная жизнь и движение цвета...» — более всего занимали художника.


 Вот это  о цвете, работы лучше  смотреть издалека:


Дорога. 1909 г. 



Кипарис. 1909 г. Холст, масло. 60х41 см. Государственный музей истории Санкт-Петербурга.



Золотые облака (природная фрактальная геометрия). 1909 г. Холст, масло. 15,5х34,5 см. Собрание А. Еремина, Москва.

В 1932 году в Государственном издательстве изобразительных искусств в Ленинграде вышел в свет «Справочник по цвету». Он состоял из четырех тетрадей-таблиц — красочных гармоний-трехцветий и большой статьи «Закономерность изменяемости цветовых сочетаний». Автор предложенной цветовой системы и созданного на ее основе цветового гармонизатора — старейший ленинградский художник и педагог М. Матюшин. Цветовые таблицы были выполнены вручную по трафарету группой молодых художников — учеников Матюшина. Отсюда и мини-тираж: 400 экземпляров. Но зато каких экземпляров! Цветосила, яркость и светоносность этих рукотворных таблиц поразительна до сих пор при всей освоенности нашего глаза с самыми технически совершенными методами воспроизведения цвета.

«Справочник», как говорится в тексте, «рассчитан на применение в работе над цветом в производстве: внутреннее и наружное оформление архитектуры, текстиль, фарфор, обойное, полиграфическое и другие производства». Вместе с тем составители справочника предостерегали от рецептурного его использования:

«Было бы совершенно неправильным относиться к предлагаемым таблицам, как к нормам-рецептам рекомендуемых цветовых сочетаний и рассматривать их как вообще красивые и вообще правильные. На предлагаемом материале надо учиться учитывать закономерность цветовой изменяемости». Цветовые трехзвучия-таблицы рассматривались автором как опора для интуиции художника, для тренировки его глаз, «пища» для возбуждения творческой фантазии.

Сейчас таких таблиц цветовых сочетаний полно).

Черняхов очень, очень интересный. Кажется что одинаково далек как от безжизненной, хоть и высшей геометричности, так и от линий и форм современных городов.

Цитатаавангардистские концепты городов будущего столетней давности http://tehne.com/eve…FBR0FRWnln

Спасибо за ссылку!

Алекса́ндр Миха́йлович Гера́симов (31 июля [12 августа] 1881, Козлов, Тамбовская губерния, Российская империя — 23 июля 1963, Москва, СССР) — российский, советский художник-живописец, архитектор, скульптор, теоретик искусства, педагог, профессор. Первый президент Академии художеств СССР в 1947—1957 годах. Академик АХ СССР (1947). Народный художник СССР (1943). Лауреат четырёх Сталинских премий (1941, 1943, 1946, 1949).

Александр Герасимов родился 31 июля (12 августа) 1881 года (по другим источникам — в 1880) в Козлове (ныне Мичуринск, Тамбовская область) в купеческой семье.
В 1903—1915 годах обучался в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у К. А. Коровина, А. Е. Архипова и В. А. Серова. В 1915 году был мобилизован в армию и до 1917 года находился на фронтах Первой мировой войны. Как нестроевой солдат, служил в санитарном поезде на южном (галицийском) фронте. После демобилизации в 1918—1925 годах жил и работал в Козлове.
В 1925 году переехал в Москву, вступил в Ассоциацию художников революционной России, преподавал в Училище памяти 1905 года. Летом 1934 года получил творческую командировку на три месяца в Германию, Францию, Италию и Турцию.
В 1939—1954 годах был председателем оргкомитета Союза художников СССР. В 1943 году передал свои личные сбережения, 50 000 рублей, в Фонд обороны.
Один из первых носителей почётного звания «Народный художник СССР», учреждённого 26 июля 1943 года, наряду с художником Борисом Иогансоном, скульпторами Сергеем Меркуровым и Верой Мухиной. С 1947 года — действительный член, в 1947—1957 годах — первый президент Академии художеств СССР.
В 1951 году стал доктором искусствоведения. Один из крупнейших советских художников 1930-х — 1950-х годов. Увлекавшийся в молодости импрессионизмом, в 1920-е годы начал писать картины в жанре социалистического реализма. Картины написаны яркими, насыщенными красками и часто посвящены советской и партийной истории.
Был любимым художником И. В. Сталина. Его портреты работы художника при жизни вождя считались каноническими. Дружил с К. Е. Ворошиловым, который бывал у него в гостях в Мичуринске. Написал много портретов К. Е. Ворошилова.
Был также книжным иллюстратором («Тарас Бульба» Н. В. Гоголя).
В мае 1949 год журнал «Огонёк» поместил фоторепродукции картин и скульптур крупнейших западных модернистов, в том числе Сальвадора Дали с комментариями президента Академии художеств А. Герасимова. Последний сообщал, что в полотнах ведущих буржуазных живописцев отражаются «идеи воинствующего империализма с его расовой ненавистью, жаждой мирового господства, космополитизмом, зоологическим человеконенавистничеством, отрицанием культуры, науки и подлинного реалистического искусства».
С началом правления Н. С. Хрущёва был постепенно освобождён от всех постов, а картины художника были удалены из музейных экспозиций.
Член ВКП(б) с 1950 года. Депутат Верховного Совета РСФСР II—IV созывов.
Александр Герасимов умер 23 июля 1963 года в Москве. Похоронен на Новодевичьем кладбище (участок № 8).
В родном городе
Автопортрет


Автопортрет



Пейзажи, жанр

https://disk.yandex.ru/a/Oen9L4BGU9TSkQ

Портреты

https://disk.yandex.ru/a/BHgnL1oLV7wSvg

Натюрморты

https://disk.yandex.ru/a/oHUWW-oqO6Ggqg

Официо асассинорум    Очень впечатляющий официоз

https://disk.yandex.ru/a/26fHiQjQOMYPRg

Цитата: nesterova от 27.05.2022 07:27:48Алекса́ндр Миха́йлович Гера́симов

 По живописи заметно, что учился у Коровина и Серова). Крепкий художник и, судя по  всему, большой жизнелюб.


Посмотрела иллюстрации к Гоголю 1952 г:








Похоже на полноценные станковые работы, причем, я бы казала почти в стиле барокко.



И меня понесло по Тарасу Бульбу дальше . Иллюстрации Е.А. Кибрика , который учился у Петрова-Водкин и некоторое время у Филонова:










И чтобы успокоиться на этом - иллюстрация 1869 г Павла Соколова:

[quote author=Птица-синица link=forum/1/3843/6485145#message6485145 date=1653633898]По живописи заметно, что учился у Коровина и Серова). Крепкий художник и судя по  всему большой жизнелюб.




Похоже на полноценные станковые работы, причем, я бы казала почти в стиле барокко.



И меня понесло по Тарасу Бульбу дальше . Иллюстрации Е.А. Кибрика , который учился у Петрова-Водкин и некоторое время у Филонова:










На мой взгляд Кибрик лучший.

Основан 16 (27) мая 1703 года царём Петром I

С днем рождения, любимый город!



"Вид памятника Петру I на Сенатской площади в Петербурге", 1870
Холст, масло. 52 x 71 см
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Суриков Василий Иванович


А.Остроумова-Лебедева (1871-1955)


М.Добужинский (1875-1957)


А.Ведерников (1898-1975)

Еще немного "цветового" авангарда. На улице дождь, хочется солнца)
ИСТОМИН КОНСТАНТИН НИКОЛАЕВИЧ (1887, Курск - 1942, Самарканд ).


 Учился в частной студии художника Е. Шрейдера в Харькове, затем в художественной школе Ш. Холлоши в Мюнхене (1906—09). В 1920-х гг. входил в художественные объединения «Маковец» и «Четыре искусства». Преподавал во Вхутемасе — Вхутеине (1923—30), Полиграфическом институте (1930—39), Московском художественном институте имени В.И. Сурикова (во время эвакуации — в Самарканде, 1941 — 1942). В жанровых сценах, пейзажах и портретах Истомина высокая профессиональная культура слита с проникновенно-лирическим восприятием мира; частым мотивом в его живописи были городские пейзажи старой и современной Москвы 1920—30-х гг. («Зимний пейзаж. Московский переулок», 1926; «В комнате. У окна», 1928; «Вузовки», 1933, — все в ГТГ). Насыщенная, внутренне "сложная простота", цельность художественного видения мира, точные, но мягкие силуэты, цветосветовые контрасты - суть живописного языка Истомина. Произведения Истомина находятся в ГТГ, Москва; ГРМ, С.-Петербург; Саратовском государственном художественном музее и др. собраниях.

 Во время первой мировой войны командовал артиллерийской батареей, перенес контузию и операцию. В 1917 его избрали в полковой комитет, но вскоре демобилизовали, и в марте 1918 он прибыл в Москву. Устроившись на работу в секцию изобразительных искусств Моссовета, И. занимался оформлением агитпоездов и первых советских праздников. Весной 1919 он вступил в Красную Армию, но после ранения и перенесенного тифа был освобожден от воинской повинности. В 1921 после непродолжительной дипломатической службы И. командируется в распоряжение Народного комиссариата просвещения для организации художественного рабфака. С 1920 и до конца жизни И. — профессор Высших художественных мастерских (ВХУТЕМАС), переименованных через восемь лет в Высший художественно-технический институт (ВХУТЕИН) и реорганизованных в несколько самостоятельных вузов, в том числе в Московский художественный институт имени В. И. Сурикова.
Первую персональную выставку Истомина организовал в Москве в 1961 его ученик И. В. Савицкий, директор Каракалпакского музея. Вторая выставка состоялась в 1975, а в 1985 в Москве был издан альбом репродукций с картин Истомина «Избранные произведения». В этом музее, города Нукус,  Савицкий собрал огромную коллекцию  работ авангардистов.



«Зимний пейзаж. Московский переулок», 1926




 «Вузовки», 1933



Рыбачьи лодки 1928



Городские крыши



Улица в Нальчике



Горы (Кавказский пейзаж)
Смотрю  на работы и поражаюсь - 20-30 годы, голод-разруха послевоенная, а они розовым и сиреневым пишут горы.. Или розовым пишут  стройку ДнепроГЭС (Богаевский писал так) , удивительные люди), это  цельность художественного видения мира в духоподъемном ключе, жизнеутверждающем, за что и люблю авангардистов..

Цитата: Птица-синица от 28.05.2022 11:39:47Смотрю  на работы и поражаюсь - 20-30 годы, голод-разруха послевоенная, а они розовым и сиреневым пишут горы.. Или розовым пишут  стройку ДнепроГЭС (Богаевский писал так) , удивительные люди), это  цельность художественного видения мира в духоподъемном ключе, жизнеутверждающем, за что и люблю авангардистов..

А отчего не писать-то, если те горы в натуре розовые и сиреневые? 
Ну и вообще, в послевоенные годы люди с оптимизмом смотрели в будущее.
Это потом жемчуг некоторым мелкий стал.

Конструктивизм, супрематизм, кубизм, дизайн

Александр Михайлович Родченко (1891-1956) - советский художник, график, фотограф, дизайнер, скульптор, плакатист и педагог. Один из признанных творцов русского авангарда, классик конструктивизма, пионер дизайна и новой фотографии. Родился в Санкт-Петербурге в семье театрального бутафора и прачки. 


Варвара Федоровна Степанова (1894-1958) - русская- советская художница-авангардистка, живописец, театральный художник, модельер, полиграфист, представительница конструктивизма, дизайнер и поэт, жена художника Александра Родченко. Фигура Степановой находится как бы в тени великого А. Родченко. Классик конструктивизма, революционер фотографии заслоняет от исследователей творческое наследие своей супруги и соратницы. Между тем Варвара Степанова (наряду с Любовью Поповой, Надеждой Удальцовой, Ольгой Розановой) – одна из талантливейших «амазонок авангарда», как называли в 1920-е годы этих женщин-художниц. Ее работы в области сценографии, книжной графики, дизайна тканей и производственной одежды получили признание в Советской России и за рубежом. 



Александр Родченко родился   Санкт-Петербурге здании театра на Невском проспекте в семье театрального бутафора Михаила Михайловича Родченко (1852-1907) и прачки Ольги Евдокимовны Палтусовой (1865-1933). С ранних лет мальчик был связан с миром искусства: семья жила над театром, поэтому на улицу они выходили через сцену. «Закулисная жизнь» быстро наскучила ему, идти по стопам отца он не хотел. Да отец и сам надеялся, что сын получит «настоящую» профессию. После переезда в 1901-м году в Казань Родченко стал учиться на зубоврачебного техника и несколько лет работал по специальности, но врачебное дело было ему не по душе.

В 1911-м году Родченко бросил профессию, чтобы стать вольнослушателем в Казанской художественной школе. У юноши не было свидетельства об образовании после четырех классов церковно-приходской школы, поэтому он не мог поступить на полное обучение. Тем не менее через год успешной учебы вольнослушатель Родченко сдал экзамены и поступил в класс живописи. В Казанской художественной школе он проучился с 1911 по 1914 год, одновременно подрабатывая уроками и оформительскими работами для Казанского университета. Среди преподавателей особенно ценил Н.И. Фешина. Любимыми художниками были Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Обри Бердслей и японцы Утамаро и Хокусай.
«Казанская художественная школа отличалась большой терпимостью ко всяким новаторствам своих студентов. Правда, в этой глубокой провинции наша „левизна“ была очень относительной. Например, мы, т.е. Никитин и я, писали одновременно под Врубеля и Гогена, „левее“ до нас не доходило» (Из воспоминаний А. Родченко).

В 1913-м году в училище Родченко познакомился с Варварой Степановой, своей будущей женой и соратницей. Варвара, увлеченная модерном и экспериментами с формой и цветом, вместе с мужем в будущем станет у истоков конструктивизма. Они будут организовывать выставки, участвовать в художественных объединениях, искать и развивать свой стиль.
  
В будущем супруги будут работать как единый творческий организм, вдохновляя друг друга в авангардной репортажной фотографии и в агитационной моде и текстиле, в которой работала Варвара. Художница придумывала орнаменты для повседневной одежды и разрабатывала практичную форму для рабочих. Где бы ни жили Родченко и Степанова, их дом становился творческой мастерской, пространство напоминало производственный цех, где каждый день создавалось что-то новое, производились «опыты для будущего».

В конце 1915-го года вслед за возлюбленной Александр Родченко переехал в Москву, где поступил в Строгановское училище, откуда был призван на военную службу. После демобилизации через общих друзей молодой живописец познакомился с Владимиром Татлиным, одним из ведущих московских авангардистов. Тогда Татлин организовывал футуристическую выставку «Магазин» и предложил Родченко поучаствовать в ней в обмен на помощь в организации. Это стало первой экспозицией художника.
Организуя выставку, Родченко общался и с другими знаменитыми художниками. Однако супрематисты во главе с Казимиром Малевичем, с его глубокими философскими идеями о чистом искусстве и игрой геометрических фигур и оттенков на полотнах, живописца не впечатляли. Отталкивали идеалиста Родченко неискренность и самовлюбленность Малевича. Концептуальный подход его живописи привлекал его меньше, чем монументальные скульптуры Татлина, в которых форма была важнее содержания, а практичность становилась основой произведения.

Александр Родченко начал преподавать во ВХУТЕМАСе — на Высших художественно-технических мастерских. Преподаватели-конструктивисты обучали «производственному искусству»: учили проектировать многофункциональные предметы, используя возможности формы и трансформирующейся структуры. Красота нового искусства рождалась из практичности и удобства. Многие выпускники курсов ВХУТЕМАС стали ведущими советскими дизайнерами.

 Работ очень много, покажу основные направления


А.М. Родченко (1981-1956). Фигура. 1915 г. Холст, масло. 
ГМИИ им. А.С. Пушкин, Отдел личных коллекций. 



Композиция. 1917 г.



Фигура в круге. 1920-1922 гг. 



Обложка журнала «Кино-фот». 1922 г. № 4. 
На снимке В. Маяковский в роли поэта Ивана Нова в фильме 
«Не для денег родившийся», 1918 г.



 Один из первых рекламных плакатов «Техника-Триумф». 
1919-1920 гг. Колллаж. 28,3 x 23,5 см.


Родченко одним из первых стал использовать коллажи в плакате, типографском дизайне



А.М. Родченко (1891-1956). Ленгиз. Книги по всем отраслям знания. Рекламный плакат для 
ленинградского отделения Госиздата. 1925 г. Фотобумага на картоне, гуашь. 63 х 88 см. 
ГМИИ им. А.С. Пушкина, Отдел личных коллекций.



 Иллюстрация к поэме В. Маяковского «Про это». 1923 г. 
Фотомонтаж на бумаге, наклейка, черная и красная тушь, розовая бумага. 42,5 x 32,5 см. 
Музей В. Маяковского, Москва. 
«И это стоит столетья
как было.
Не бьют 
и не тронулась быта кобыла…»




А.М. Родченко (1891-1956), В.В. Маяковский (1893-1930). Плакат. Окна РОСТА. Освобождение Крыма.
«Враг последний готов!». 1920-1923 гг. 



Проект чайного трактирного сервиза. Реконструкция. 
По заказу керамического факультета ВХУТЕМАСа. 1922 г.



Шахматный стол для «Рабочего клуба» на фоне линейных композиций. 1925 г. 
Реконструкция. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Отдел личных коллекций.


Свою автобиографию Александр Родченко назвал «Черное и белое». Как и у каждого художника, в жизни Родченко были черные и белые полосы. Подобная игра цветов составляла также основное творческое пространство для фотографа: два цвета и множества оттенков серого между черным и белом, с помощью которого можно выразить все тональности изображаемого.
Александр Михайлович Родченко умер 3 декабря 1956 года в Москве в возрасте 64 лет, не дожив до первой персональной выставки, организованной Варварой Степановой. Похоронен на Новом Донском кладбище вместе с женой, скончавшейся двумя годами позже.

Павел Варфоломеевич Кузнецов (1878-1968) и Елена Михайловна Бебутова (1892-1970).

 Он родился в Саратове в семье иконописца  . Когда художественные наклонности мальчика ясно определились, он поступил в «Студию живописи и рисования» при Саратовском обществе любителей изящных искусств, где занимался в течение нескольких лет  В. Э. Борисовым-Мусатовым оказала на него серьёзное воздействие, как и на его однокашника и друга, выдающегося скульптора А. Т. Матвеева, впрочем, как и на всю саратовскую художественную молодежь.

Блестяще выдержал вступительные экзамены в Московском училище живописи, ваяния и зодчества в 1897 году. Учился: сначала у А. Е. Архипова, потом у К. А. Коровина и В. А. Серова. Учёба дала круг друзей и единомышленников, позже сформировавших художественное объединение «Голубая роза», так же  в разное время входил в объединения "Алая роза", "Мир искусства", "Четыре искусства"
В 1902 году Кузнецов совместно с К. С. Петровым-Водкиным и П. С. Уткиным взялись за роспись саратовской церкви Казанской Божьей Матери. Находясь на острие художественной мысли того времени (участвуя в деятельности «Мира искусства»), талантливая молодёжь и в церкви попыталась вольно обойтись с канонами, что вызвало взрыв общественного негодования и их росписи были уничтожены.

Из поездки в Среднюю Азию в 1912-13 годах привез прекрасную серию работ. 
В 1917—37, 1945—48 преподавал во Вхутемасе-Вхутеине, Московском институте изобразительных искусств и других институтах. Три последних десятилетия жизни не переставал активно работать, в основном, в жанре пейзажа и натюрморта. Часть этих работ находится в собрании Саратовского государственного художественного музея им. А. Н. Радищева.


Стиль его авангардизма можно определить, как символизм, природный, цветовой, как я понимаю. Жена, Елена Бебутова явный кубист, покажу после. 


Весна в Крыму, 1910



 Портрет Елены Михайловны Бебутовой с веерами. 1918 г. 
Холст, масло. 134,5 х 115,4 см. Ярославский художественный музей. 


Спящая в кошаре, 1911


Бухарский мальчик, 1912-1915

Утро, 1916


Продавец птиц, 1913