Клуб искусствоведов "Черный квадрат"

Картина называется «СССР. Бои местного значения в начале рабочего дня» ))

Аристарх Лентулов (Автопортрет)
Аристарх Васильевич Лентулов родился в селе Воронье Пензенской губернии (4) 16 января 1882 года в семье священника. Живописи учился в Пензенском художественном училище имени Н.Д. Селиверстова, Киевском художественном училище и студии Д.Н. Кардовского в Петербурге. Аристарх Лентулов являлся одним из организаторов объединения художников «Бубновый валет» в 1910 году.


Астры
Его ранние картины близки по духу картинам-панно в духе кружка «Голубая роза». Переработав идеи кубизма и фовизма, Лентулов создал собственный тип футуристического панно, рассматривающего мир как калейдоскоп изменяющихся красок и форм («Победный бой», 1914).
Особенно известен Лентулов как создатель образов старинной церковной архитектуры, праздничных, феерических («Василий Блаженный», 1913; «Колокольня "Иван Великий"», 1915). В картинах использовались кусочки бумаги, ткани и фольги.



Колокольня «Иван Великий»
Революция виделась Лентулову как праздник обновления. Он работал в качестве сценографа, оформив в 1918 году постановку «Прометея» А.Н. Скрябина в Большом театре, в 1934 году – «Испанского священника» Д.Флетчера во 2-м МХАТе. Как педагог Аристарх Лентулов работал во ВХУТЕМАСе и других художественных институтах в 1919–1943 годах.
В станковой живописи Лентулов преуспел как пейзажист, его работы 1920-х годов близки экспрессионизму. Он попытался писать в духе соцреализма, но безуспешно.
Умер Аристарх Лентулов 15 апреля 1943 года в Москве.

После Первой Мировой Войны, одной из самых разорённых стран в Европе была Германия. Задавленная репарациями, действительно униженная, с бушующей инфляцией, жуткой безработицей и социальными катаклизмами, она с трудом пыталась встать на ноги. 

Существовавшие у власти группы пытались найти различные выходы из создавшегося положения. 
Выходы были разные и требовали разных средств. Одна из таких групп сделала ставку на возрождение немецкой промышленности на новом уровне. И если к тому времени уже был преодолён стереотип начала девятнадцатого века: "сделано по-немецки - значит дёшево и плохо", то теперь стояла задача сделать так, чтоб вывести качество немецких товаров на недосягаемый для конкурентов уровень.

И для этого в маленьком тихом городке Веймар в апреле 1919 года была открыта "Школа строительства и художественного конструирования - Баухауз". А её директором был стал известный ещё с довоенных времён архитектор Вальтер Гропиус. Обращаю ваше внимание, что школа была открыта в то время, когда ни у кого из художников не было и не могло быть средств на её открытие. Поэтому, когда о ней пишут, то обычно забывают сказать, что без спонсорства со стороны одной из групп немецких промышленников она возникнуть не могла в принципе.

Перед преподавателями школы стояло несколько непростых задач.

1. Необходимо было создать такие товары, которые были бы просты и дёшевы в производстве, не требовали бы сложного оборудования и высококвалифицированных рабочих, но при этом настолько эстетически привлекательны, что это гарантировало бы повышенный спрос на них.

2. Необходим было разработать методики и принципы по которым можно было бы обучить большое количество конструкторов-художников. При этом, эти методики должны были быть просты для любого пытающегося их понять человека и в этом было главное отличие этих знаний от тех, которыми обладали древние орфики, пифагорейцы, розенкрейцеры и други парамасонские структуры. Это было необходимо потому, что посадить на каждую фабрику своего Рембрандта, Рафаэля или Эль Греко возможности нет. Такие таланты - явление единичное, а качественную продукцию нужно выпускать всем немецким фабрикам. И значит - инструкции и образцы должны быть чёткими, ясными и понятными.

Общая черта преподавателей новой школы состояла в том, что все они когда-то увлекались отказом от традиционных форм. Именно это качество позволило им создавать нечто принципиально новое. Как говорил её основатель и первый директор: «Мы хотим вместе придумывать и создавать новое здание будущего, где все сольется в едином образе: архитектура, скульптура, живопись, — здание, которое, подобно храмам, возносившимся в небо руками ремесленников, станет кристальным символом новой, грядущей веры». Особенно хорошо дело пошло тогда, когда в 1921 году к преподавателям школы присоединился Кандинский, который привнёс увлечение супрематизмом. Дело в том, что супрематизм геометричен. Все формы в нём просты, а значит, то, что будет создано на основе этих форм, будет технологичным. Но и это ещё не всё. В основу проектирования новых вещей, кроме технологичности при производстве, был заложен принцип функциональности: вещь не только должна была легко изготовляться и красиво выглядеть, она должна была быть удобна в пользовании ею. На этих трёх базовых принципах строился весь процесс создания новых предметов. Вот несколько знакомых всем вещей, которые были созданы на основе супрематизма в Баухаузе.



Основой этих стула и кресла является отрезок стальной трубы согнутый определённым образом. При его производстве нет надобности в таких операциях, как резка и сварка металла, а количество отверстий сведено к минимуму. Я думаю, вы встречали их неоднократно и понимаете, что производятся они по сей день.

А это кресло, созданное в 1929 году для выставки в Барселоне, также выпускается по сей день и часто стоит в роскошных приёмных.

И эта конструкция вами встречалась неоднократно, а создана она была 1928 году, всё там же, всё теми же.

Знакомый светильничек, не правда ли? 1925 год. Баухауз. Эхо советского конструктивизма.

Эта конструкция была создана в 1934, Баухауз уже закрыли, но Марсель Бройер, прошедший в этой школе путь от студента до преподавателя, продолжал чтить её традиции.

"Чёрный квадрат". Марианна Брандт, Баухауз, 1930 год.
Надеюсь, форма этого предмета знакома даже тем, кто всё, чего не понимает, склонен считать именно "лохотроном" и именно "разводиловкой".

А это первая встраиваемая кухня. В 1923 году это выглядело так. Баухауз.

И это далеко не всё из того, что было придумано и воплощено в стенах той школы. Там делали и новые ткани, и новые здания с новыми интерьерами, плакаты, посуду - в общем, всего не перечислить.


У преподавания в этой школе была ещё одна особенность. Все художники, придумавшие эти предметы, должны были сами, собственными руками изготовить их в школьных мастерских. Это давало художнику понимание, какие технические процессы необходимы для воплощения их идеи в готовый предмет. Это ставило их фантазию в достаточно жёсткие условия и прежде, чем приступить к работе, они были вынуждены составить для себя техническое задание. Подробное и продуманное.

Многим наверное уже понятно, что именно в Баухаузе, в двадцатые годы прошлого века родилась новая художественная сущность. Художественное конструирование получило собственное имя - дизайн. После, уже в середине тридцатых годов прошлого века, дизайн затронул и такую важную отрасль, как типографика - наука о вёрстке. Кстати, широко известный паттерн Мондриана, который недавно обсуждался на этой ветке - это швейцарская модульная сетка, в которой часть областей закрашена в базовые цвета.

Именно поэтому дизайн отличается от живописи тем, что всегда требует технического задания и всегда функционален. К сожалению, значительная часть людей именующих себя дизайнерами, понятия не имеет о том, что они собственно делают и как будет воплощаться то, что они придумали. Владение графическими редакторами - не является дизайном. И значительная часть того, что мы видим, сделана, увы, неграмотными людьми.

Самыми непримиримыми противниками Баухауза в Германии были нацисты. Именно из-за них этой школе пришлось в 1925 году перебраться из Веймара в Дессау, а в 1932 в Берлин. А когда в 1933 году к власти пришёл Гитлер, школа была закрыта сразу и навсегда.

Преподаватели и студенты были вынуждены уехать из Германии, и их знания стали основой зарождения дизайнерских школ во Франции, Англии и США.

Часть из них переехала даже в СССР, где у них совсем по-разному сложилась судьба, но их знания и их талант тоже лёг в основу того стиля, что ныне называют "Сталинским". 

А в СССР, к тому времени, откричали своё "строители нового мира", которые мечтали об "о человечестве, объединённом в единый пролетарский мозг, который способен создавать новые миры и сметать со своего пути все преграды". И стал зарождаться новый стиль, который назвали "соцреализм".

Но об этом в следующей части.

Ой, а что это у нас под ногами? Тоже Малевич или это древнеримская мостовая?..


Древние римляне, похоже, были кончеными супрематистами...
Термы Каракаллы

«Девочка с воздушным шаром» или «Любовь в мусорном баке» (другой перевод первоначального названия — «Девочка с шаром», англ. «Girl With Balloon», англ. «Balloon Girl», англ. «Girl With A Balloon», с 11 октября 2018 года картина была переименована по требованию автора в «Любовь в мусорной корзине» англ. «Love Is in the Bin») — созданная Бэнкси в 2006 году авторская копия одноимённого граффити 2002 года^[2], а также перформанс по её уничтожению во время аукциона. Картина была разрезана встроенным в раму шредером во время аукциона Sotheby's сразу после объявления о её продаже^[3] (за 1 млн. 42 тыс. фунтов, на минуточку!).
Художник и креативный директор женевской фирмы по производству часов deLaCour Пьер Кукджян, который был на аукционе, заявил, что покупателю картины «очень повезло» с этим происшествием. Он назвал акцию Бэнкси «поворотным моментом в истории современного концептуального искусства»^[4]. 

 


Но каков нахал, а?

Иван Иванович Шишкин, один из крупнейших мастеров реалистической пейзажной живописи, родился (13) 25 января 1832 года в провинциальном городе Елабуге, в небогатой купеческой семье.
В 1844 году отец отдал мальчика в казанскую гимназию, там будущий художник нашел себе несколько товарищей, с которыми «мог рисовать и рассуждать» об искусстве.
В 1852 году Шишкин поступает в Московское училище живописи и ваяния, где получает хорошую подготовку. В 1856-1860 годах он продолжает обучение в Петербургской Академии художеств. 

^{«Рожь» (1878)}
Успехи молодого художника отмечены золотыми и серебряными медалями. Стремление к «верности, сходству, портретности изображаемой природы» проявляется уже в ранней работе «Вид в окрестностях Петербурга» (1856, Государственный Русский музей).
В 1858-1859 годах Шишкин часто бывает на Валааме, суровая, величественная природа которого ассоциировалась у юноши с природой родного Приуралья. В 1860 году за два валаамских пейзажа Шишкин получает Большую золотую медаль и право на заграничную командировку.

^{«Утро в сосновом лесу» (1889)}
За границу Шишкин едет только в 1862 году. Берлин и Дрезден не произвели на него особого впечатления. Оживился Шишкин лишь в Праге. Он восхищается рисунками «славянских типов» Йозефа Манеса, в 1863 году в Цюрихе он знакомится с техникой офорта.
Вскоре он начинает работать в лесу близ Дюссельдорфа. Исполненные пером рисунки привлекли внимание многочисленных ценителей искусства. В 1865 году Шишкин возвращается в Россию и за картину «Вид в окрестностях Дюссельдорфа» (1865, Государственный Русский музей) получает звание академика.
Далее он пишет немало картин с видами национальных пейзажей. «Рубка леса», «При закате», «Полдень в окрестностях Москвы», «Сосновый бор» и «В лесной глуши» – за последнюю в 1873 году получает звание профессора.

^{«Корабельная роща» (1898)}
Творческая деятельность Ивана Ивановича Шишкина была завершена величественной композицией «Корабельная роща» (1898, Государственный Русский музей), в которой опыт и мастерство художника выразили неизгладимые впечатления детства.
(8) 20 марта 1898 года в Петербурге талантливый художник Иван Иванович Шишкин скончался. Его картины и сегодня пользуются заслуженным успехом и вниманием.

Архип Иванович Куинджи родился (15) 27 января 1841 года в Мариуполе, в семье сапожника-грека, но рано лишился родителей и был предоставлен сам себе. Фамилия Куинджи имеет турецкое происхождение, поэтому неизвестно, насколько Куинджи грек, однако очевидно, что Куинджи – один из самых загадочных русских художников.
Свой талант он, казалось, получил от Бога. Он никогда нигде не учился рисовать и вообще не блистал образованием, с трудом выводил буквы, даже собственная подпись выглядела по-детски неуклюжей. Зато с ранних лет он рисовал, на чем придется. Материалом служили и стены, и заборы, и обрывки бумаги. В юности работал ретушером у фотографов в Мариуполе, Одессе и Петербурге.
Первая же настоящая картина «Татарская сакля в Крыму» (1868) приносит ему успех, и он становится вольнослушателем Петербургской академии художеств (с 1893 года - действительный член). Каждая новая картина Куинджи становится открытием. За картину «Снег» Куинджи получает бронзовую медаль выставки в Лондоне в 1874 году. Принимал он участие и в выставках передвижников.

Лунная ночь на Днепре
Картина «Украинская ночь» (1876) стала переломной в творчестве художника. Его необыкновенно увлекают световые эффекты, и он ищет способ передать на картине эффект свечения. Любой, кто видел его картины, подтвердит, что они будто по-настоящему светятся.
Это умение передать впечатление от света, а вместе с ним и настроение, атмосферу делают Куинджи первым самобытным русским импрессионистом.

Вид на Кремль со стороны Замоскворечья
Также он преподавал в петербургской академии художеств (где с 1892 года - профессор), откуда в 1897 году был уволен за поддержку студенческих революционных кружков. Среди его учеников - Л.А. Рылов, Н.К. Рерих, К.Ф. Богаевский и другие.
На пике своей популярности, в 1882 году, Куинджи внезапно перестает выставлять свои картины, кроме того, он их вообще никому не показывает. Чем объясняется такое поведение неизвестно. Как неизвестно и откуда у Куинджи взялись богатства, пожертвованные им академии художеств для выплаты премий. В 1909 году он выступил инициатором создания Общества художников (позже — Общество имени А.И. Куинджи).
Умер Архип Иванович Куинджи (11) 24 июля 1910 года в Петербурге, был похоронен на кладбище Александро-Невской лавры.
...........................................................................................
https://www.wikiart.…night-1869

Надежда Николаевна Рушева родилась 31 января 1952 года в городе Улан-Батор, в творческой театральной семье, направленной в Монголию помогать становлению национального монгольского балета.
Её мать – первая тувинская балерина Наталья Ажикмаа-Рушева, отец – театральный художник и педагог Николай Константинович Рушев. Летом 1952 года семья переехала в Москву.
Надя начала рисовать с пяти лет. Как-то в первом классе за один вечер она нарисовала 36 иллюстраций к «Сказке о царе Салтане» Пушкина, пока отец читал эту её любимую сказку вслух.
Первая выставка её рисунков была организована журналом «Юность» в мае 1964 года, когда Надя училась в пятом классе. После этого были публикации в журнале «Юность», иллюстрации к романам «Война и мир» Л.Толстого и «Мастер и Маргарита» М.Булгакова. Ей прочили будущее книжного графика, а сама юная художница мечтала стать художником-мультипликатором.
Её рисунки рождались без эскизов, она всегда рисовала набело. «Я их заранее вижу… Они проступают на бумаге, как водяные знаки, и мне остается их чем-нибудь обвести», – говорила Надя.
За следующие пять лет её жизни состоялось пятнадцать персональных выставок в Москве, Варшаве, Ленинграде, Артеке. Её рисунки полюбили в Польше, Чехословакии, Румынии, Индии. Многие из них были навеяны пушкинской поэзией. В 1969 году на Ленфильме начались съёмки документального фильма «Тебя, как первую любовь...», посвящённого пушкинской теме в творчестве Нади. Однако завершить фильм не удалось.
Собираясь в школу утром 6 марта 1969 года, Надя неожиданно потеряла сознание и спустя несколько часов умерла в московской больнице из-за разрыва аневризмы сосуда головного мозга и последующего кровоизлияния в мозг. Ей было 17 лет. Врачи ничем не смогли помочь.
Среди её работ – иллюстрации к мифам Древней Эллады, произведениям А.С. Пушкина, Л.Н. Толстого, М.А. Булгакова и других. Всего были проиллюстрированы произведения около 50 авторов. А еще есть несколько зарисовок, на которых изображен балет «Анна Каренина». Такой балет действительно был поставлен – уже после смерти художницы. Анну в нём играла Майя Плисецкая.
Надя оставила после себя огромное художественное наследие – около 12 тысяч рисунков. Многие из них хранятся в музее Льва Толстого в Москве, в музее-филиале имени Нади Рушевой в городе Кызыле, в Пушкинском доме Академии наук в Петербурге, Национальном фонде культуры и Музее Пушкина в Москве. А один из них – кентавренок – воспроизведен на памятнике, который стоит на могиле Нади на Покровском кладбище.
................................
http://izbrannoe.com…itsy-sssr/

Питер Корнелис (Пит) Мондриан (нидерл. Pieter Cornelis (Piet) Mondriaan) родился 7 марта 1872 года в Амерсфорте (Нидерланды), в семье со строгими кальвинистскими убеждениями. Учился в амстердамской Академии художеств. Его первые работы были написаны в традиции голландской школы.
В 1911 году он познакомился с кубистами, и их творчество оказало значительное влияние на формирование молодого художника. Вскоре Мондриан отказался в своих картинах от малейших намеков на сюжет, атмосферу, моделировку и пространственную глубину и постепенно сознательно ограничивал выразительные средства.


Still Life with Ginger II (1912)
В 1912-1916 годах он, подобно Жоржу Браку и Пабло Пикассо в период аналитического кубизма, предпочитал палитру рыжевато-коричневых и серых оттенков. В 1914 году художник вернулся к отцу, который был при смерти, и оставался на родине в течение всей Первой мировой войны, а в 1919 году уехал в Париж.
Под влиянием группы художников-адептов модернизма (Тео ван Дусбург, Ауд, Ритвелд и ван Эстерен) в его творчестве наметился переход от кубистических композиций к чистым геометрическим формам красных, желтых и синих прямоугольников.

Broadway Boogie-Woogie (1942-1943)
В 1917 году Мондриан и Тео ван Дусбург основали авангардистский журнал «Де Стиль» и группу с таким же названием. Эстетическая теория, лежавшая в основе этого направления, была названа неопластицизмом. В соответствии с требованиями неопластицизма Мондриан еще больше сократил свои художественные средства, используя только белый, серый, черный и наиболее интенсивные тона основных цветов спектра.
К 1920 году стиль Мондриана полностью сформировался. Используя прямые линии жестких контуров, он делал композиции асимметричными, достигая динамического равновесия.
Он оказал влияние на формирование ряда направлений в современном искусстве – к примеру, минимализм и поп-арт восходят к творчеству Мондриана.
Умер Пит Мондриан 1 февраля 1944 года в Нью-Йорке (США).

А теперь снова о Малевиче.

И от том, кто к кому "примазался".

Когда-то очень давно, в Китае был изобретён порох. Эта смесь была им необходима исключительно для того, чтоб звуком хлопка и вспышкой отпугивать злых духов. Однако "злые соседи" увидели в этом составе новые возможности к применению и совершили революцию в военном деле. Можем ли мы говорить о том, что китайцы к этой революции примазались? Очевидно, нет.

В начале 20 века были очень популярны идеи "кардинального переустройства мира". То, что такое переустройство возможно базировалось на уверенности в том, что "материя управляется сознанием". Этими идеями "болели" в Европе, этими идеями "болела" часть русских марксистов, эти идеи вдохновляли самых разных людей во всех слоях тогдашнего общества.

Вот цитата из статьи А. Гастева "Контуры пролетарской культуры", написанной в 1919 году.

"Машинизирование не только жестов, не только рабоче-производственных методов, но машинизирование обыденно-бытового мышления, соединенное с крайним объективизмом, поразительно нормализирует психологию пролетариата. Смело утверждаем, что ни один класс ни старого, ни современного мира не проникнут такой нормализированной психологией, как пролетариат. Где бы он ни работал: в Германии, в Сан-Франциско, в Австралии, в Сибири, – у него есть только общие психологические формулы, которые воспринимают с быстротой электрического тока первый производственный намек и завершают его в сложный шаблонный комплекс. Пусть нет еще международного языка, но есть международные жесты, есть международные психологические формулы, которыми обладают миллионы. Вот эта-то черта и сообщает пролетарской психологии поразительную анонимность, позволяющую квалифицировать отдельную пролетарскую единицу как А, В, С или как 325,075 и 0 и т. д. В этой нормализованности психологии и в ее динамизме – ключ к величайшей стихийности пролетарского мышления. Это не значит, что пролетариат элементарно стихиен, как крестьянская масса, артельная, шальная, слепая, – нет, это значит, что в его психологии из края в край мира гуляют мощные, грузные психологические потоки, для которых как будто уже нет миллиона голов, есть одна мировая голова. В дальнейшем эта тенденция незаметно создаст невозможность индивидуального мышления, претворяясь в объективную психологию целого класса с системами психологических включений, выключений, замыканий.


Пролетариат, постепенно разбиваемый новой индустрией на определенные «типы», «виды», на людей определенной «операции», на людей определенного жеста, с другой стороны, впитывает в свою психологию весь тот грандиозный монтаж предприятия, который проходит перед его глазами. Это, главным образом, открытый и всем видимый монтаж самого завода, последовательность и соподчиненность операций и фабрикаций, наконец, генеральный монтаж всего производства, выражающийся в подчинении и контроле одной операции – другой, одной фабрикации – другой, одного «типа» – другому и т. д. Психология пролетариата здесь уже превращается в новую социальную психологию, где один человеческий комплекс работает под контролем другого и где часто «контролер» в смысле трудовой квалификации стоит ниже контролируемого и очень часто персонально совершенно неизвестен. Эта психология раскрывает новый рабочий коллективизм, который проявляется не только в отношениях человека к человеку, но и в отношении целостных групп людей к целостным группам механизмов. Такой коллективизм можно назвать механизированным коллективизмом. Проявления этого механизированного коллективизма настолько чужды персональности, настолько анонимны, что движение этих коллективов-комплексов приближается к движению вещей, в которых как будто уже нет человеческого индивидуального лица, а есть ровные, нормализированные шаги, есть лица без экспрессии, душа, лишенная лирики, эмоция, измеряемая не криком, не смехом, а манометром и таксометром."

Это взгляд на будущее со стороны "Пролеткульта" - движения организованного Богдановым и Луначарским на основе учения Богданова "Эмпириомонизм", которое являлось вариантом эмпириокритицизма. Именно на этом учении базировалась идейная основа этой организации, и для того, чтобы понимать причины происходивших тогда событий, желательно и эту теорию знать.

Малевич пролеткультовцем не был. Но он был футуристом, а футуризм тоже базировался на эмпириокритицизме и представители этого течения тоже отвергали всё "старое" и верили, что вот ещё чуть-чуть, и будет создан принципиально иной мир, с принципиально другими физическими законами и принципиально иной культурой, и принципиально иным искусством. Вот именно это принципиально иное искусство для нового "совершенного мира" создавал Малевич.

Нового мира создать не удалось. Все базовые законы нашей вселенной остались всё теми же и как-то кардинально меняться не собираются. Но формы созданные Малевичем оказались очень удобны для использования в проектировании новых предметов, предназначенных для массового производства. Так что, в определённом смысле, можно сказать, что это массовое производство "присоседилось" к Малевичу, а не наоборот. Хотя, понятно, что говорить так можно лишь с большой долей иронии.

Это очень хорошо понимали и понимают те, кто взял на себя труд разобраться в том, почему супрематические формы столь важны для нас.

Вот на этой фотографии, сделанной в 1946 году, работники Государственного Русского Музея вскрывают ящики с культурными сокровищами нашей страны, которые удалось сохранить во время войны. Которые чудом удалось эвакуировать при приближении нацистов.
Посмотрите на самый верхний портрет лежащий в ящике. 



Они тогда понимали значение этого человека для нашей культуры. То, что сейчас кто-то этого не понимает - беда. А у тех, кто не хочет этого понять - вина.

https://books.google…BE&f=false

https://www.mann-iva…iskusstva/

"Если Вы думаете, что разбираетесь в искусстве, то Вы ошибаетесь.
Если Вы прочли одну книгу об искусстве, то это еще не значит, что Вы разбираетесь в искусстве.
Если Вы прочли десять книг об искусстве, то Вы уже на правильном пути.
Если Вы прочли сто книг об искусстве, то Вы поймете, что Вам еще читать и читать, чтобы разобраться в искусстве.
Если Вы прочтете тысячу книг об искусстве... Главное начать, если Вас интересует искусство." (с)
...........................................................................
Оплачу стоимость тому, кто купит эту книгу. После прочтения Вами, приму ее в подарок. Потом примемся за другие.

Открылась первая выставка Общества художников «Бубновый валет»
 

Аристарх Лентулов «Церкви. Новый Иерусалим. 1917. Масло»
«Бубновый валет» — русская художественная группа, творческое объединение художников-авангардистов, возникшее с 1911 года. На первых порах объединение включало преимущественно московских живописцев. Впоследствии в него входили петербургские художники и представители других городов, в выставках участвовали представители Западной Европы (Франции, Германии).
В «Бубновый валет» входили такие художники, как Петр Кончаловский, Иван Машков, Аристарх Лентулов, Роберт Фальк. Председателем объединения был Петр Кончаловский.
В ноябре 1911 года Обществом был принят устав, согласно которому главной целью Общества являлось «распространение современных понятий по вопросам изобразительных искусств». Поэтому организация первой выставки имела особенное значение.
  5 февраля 1912 года в зале здания Экономического общества Московского военного округа на Воздвиженке первая выставка была открыта. На ней были представлены среди российских и такие известные зарубежные художники как Анри Матисс, Фернан Леже и Пабло Пикассо.
Выставка имела большой успех — её посетили более восьми тысяч человек, а два десятка картин экспозиции были куплены московскими коллекционерами.
Само Общество просуществовало до декабря 1917 года, оно распалось вскоре после того, как в 1916 году «Бубновый валет» покинули Кончаловский и Машков.

    
Стремясь привить художественный вкус жителям Лонг-Айленда, местные власти выделили на скульптуру «Загорающий» $515,000.

АВГУСТ

   Как обещало, не обманывая,
   Проникло солнце утром рано
   Косою полосой шафрановою
   От занавеси до дивана.

   Оно покрыло жаркой охрою
   Соседний лес, дома поселка,
   Мою постель, подушку мокрую
   И край стены за книжной полкой.

   Я вспомнил, по какому поводу
   Слегка увлажнена подушка.
   Мне снилось, что ко мне на проводы
   Шли по лесу вы друг за дружкой.

   Вы шли толпою, врозь и парами,
   Вдруг кто-то вспомнил, что сегодня
   Шестое августа по старому,
   Преображение Господне.

   Обыкновенно свет без пламени
   Исходит в этот день с Фавора,
   И осень, ясная как знаменье,
   К себе приковывает взоры.

   И вы прошли сквозь мелкий, нищенский,
   Нагой, трепещущий ольшаник
   В имбмрно-красный лес кладбищенский,
   Горевший, как печатный пряник.

   С притихшими его вершинами
   Соседствовало небо важно,
   И голосами петушиными
   Перекликалась даль протяжно.

   В лесу казенной землемершею
   Стояла смерть среди погоста,
   Смотря в лицо мое умершее,
   Чтоб вырыть яму мне по росту.

   Был всеми ощутим физически
   Спокойный голос чей-то рядом.
   То прежний голос мой провидческий
   Звучал, нетронутый распадом:

   "Прощай, лазурь Преображенская
   И золото второго Спаса,
   Смягчи последней лаской женскою
   Мне горечь рокового часа.

   Прощайте, годы безвременщины.
   Простимся, бездне унижений
   Бросающая вызов женщина!
   Я - поле твоего сраженья.

   Прощай, размах крыла расправленный,
   Полета вольное упорство,
   И образ мира, в слове явленный,
   И творчество, и чудотворство".

Владимир Егорович Маковский родился (26 января) 7 февраля 1846 года в Москве, в семье видного деятеля искусств Е.И. Маковского, одного из основателей Московского училища живописи, ваяния и зодчества.
Еще мальчиком Владимир занимался живописью под руководством В.А. Тропинина. В 1861 году поступил в основанное отцом училище. В 1871 году выступил в числе основоположников «Товарищества передвижников».
Жанровые картины Владимира Маковского принадлежат к числу наиболее типичных, хрестоматийных образцов искусства «передвижников».


«Посещение бедных»
Со временем в тонких психологических мизансценах Маковского все явственней проступала тема «униженных и оскорбленных» («Посещение бедных», 1874, Третьяковская галерея).
Наряду с этим все свободней, импрессионистичней становилась его кисть и все тоньше мастерство «режиссера».
В 1893 году Маковский был избран профессором Академии художеств и в связи с этим переехал в Петербург. Целый ряд своих произведений он посвятил «новым людям», вставшим на путь борьбы с существующим строем («Вечеринка», «Осужденный», «Оправданная», «Допрос революционерки»).


«Допрос революционерки»
Наиболее социально-эпатажные из его вещей иной раз запрещались цензурой (подобно картине «Ходынка», 1896-1901). Совершив в 1896 году поездку на Волгу, написал цикл образов народного дна, близких «босяцким» темам молодого Максима Горького.
Успешно выступал также как портретист, книжно-журнальный иллюстратор и педагог.
Умер Владимир Егорович Маковский 21 февраля 1920 года в Петрограде.

Жан Эффель (фр. Jean Effel) родился в Париже 12 февраля 1908 года. Его настоящее имя — Франсуа Лежён (фр. François Lejeune), а псевдоним Эффель — это всего лишь аббревиатура начальных букв имени и фамилии FL.
Он получил разностороннее образование, знал несколько языков и рисовал, изучал философию и литературу.
Пробуя занятия живописью, Эффель неожиданно становится известным, благодаря своим карикатурам, которые он рисует для газет с 1933 года. Тогда же появляется и его псевдоним Жан Эффель, которым он подписывает свои произведения. С тех пор художник сотрудничал со многими французскими газетами и журналами.
Известным Эффеля сделала политическая карикатура. Любимым — лирическая и религиозная. А его «Сотворение мира» — шедевр, который читают и дети, и взрослые, и каждый видит там свое… «Человек, сотворивший бога» — так называли его журналисты в своих статьях.
Он жил и творил в тяжелое время — на его жизнь пришлись Первая и Вторая мировые войны и долгая, державшая в напряжении весь мир «холодная война». Именно об этом рисовал Эффель. В годы фашистской оккупации Франции он принимал участие в движении Сопротивления.


Карикатуры из сборника «Сотворение мира»
Остроумно и тонко он смеялся над фашистской Германией, над режимом Муссолини, над США и Антантой, и явно симпатизировал социалистическому движению во Франции и Советскому Союзу, который был создан и развивался на его глазах. Советсткий союз ответил карикатуристу взаимностью – в 1968 году Эффель стал лауреатом Международной Ленинской премии «За укрепление мира между народами».
Крупнейшее произведение Эффеля — сборник «Сотворение мира» на темы Ветхого Завета, по мотивам которого Исидор Шток написал пьесу «Божественная комедия».
Жан Эффель умер 16 октября 1982 года в Париже.

Петр Петрович Кончаловский родился (9) 21 февраля 1876 года в городе Славянске Харьковской губернии (теперь в Донецкой области Украины). Учился в Третьей Харьковской рисовальной школе, после посещал вечерние курсы Строгановского художественно-промышленного училища и учился в 1-й гимназии.
В 1897-1898 годах учился в Парижской академии Р.Жюлиана, а с 1898 по 1905 годы — в художественном училище при Академии художеств Петербурга.
Петр Кончаловский был прекрасно образован, свободно говорил по-французски и вообще испытывал сильное влечение к Европе. Его тестем был знаменитый художник Василий Суриков, и его влияние на формирование Кончаловского как художника было заметным. Именно с Суриковым Петр впервые выезжал на этюды в Испанию, позже они работали по всей Европе. 

Портрет Алексея Толстого
В раннем периоде художник стремился выразить праздничность цвета, свойственную русскому народному творчеству, используя конструктивность цветов Поля Сезанна.
После Октябрьской революции Петр Петрович перешел к более реалистической манере живописи. Во многих известных его работах буйство красок, передающее радость жизни, сочетается с драматизмом и комизмом ситуации, времени и личности, участвующей в создании портрета (например, портреты Мейерхольда, Алексея Толстого).
Портрет Мейерхольда Кончаловский писал, когда Всеволод Эмильевич уже лишился своего театра, а сам художник отказался писать портрет Сталина, сославшись на то, что он «реалист» и не может делать портреты по фотографии. Впрочем, с внешним миром художник старался не конфликтовать, свои суждения высказывал обычно с большой долей иронии. Но его персональная выставка в СССР состоялась только после смерти Сталина.

Портрет Всеволода Мейерхольда
Кончаловский также известен как мастер театральной декорации (одна из лучших работ — оформление оперы Рубинштейна «Купец Калашников»), он оставил большое графическое наследие. За свою творческую деятельность художник написал около двух тысяч полотен.
Петр Кончаловский – лауреат Сталинской премии (1943), в 1946 году удостоился звания Народного художника РСФСР, награжден несколькими медалями и орденом Трудового Красного Знамени.
Его дочь — Наталья Кончаловская, писательница, поэтесса и переводчица, супруга Сергея Михалкова и мать известных режиссеров Андрона Кончаловского и Никиты Михалкова.
Умер художник Петр Петрович Кончаловский 2 февраля 1956 года в Москве.

Пьер Огюст Ренуар (фр. Pierre-Auguste Renoir) родился 25 февраля 1841 года в городе Лимож (Франция). В 1844 году Ренуары со своим сыном переезжают в Париж.

С 1854 года Пьер Огюст начал расписывать различные фарфоровые изделия, веера, шторы, а вечером ходил на занятия в Школу рисунка и прикладного искусства. С 1862 года учился в Школе изящных искусств, которую закончил в 1864 году.
В это время Ренуару повезло — и его картина «Эсмеральда, танцующая с козочкой», пройдя строгий отбор, была выставлена на художественной выставке, ежегодно проводимой в Салоне.


Зонтики
В ранних работах, а особенно в «Харчевне матушки Антонии» и «Диане охотнице», Ренуара заметно влияние Гюстава Курбе.
Ренуар способен зафиксировать все нюансы настроения и характера модели, и это видно в его работах «Обнаженная» (1876), «Этюд к портрету Жанны Самари» (1877), «Мадмуазель Гримпель с голубой лентой» (1880), «Девушка с веером» (1881). Его привлекает праздничная сторона жизни и отдых («Мулен де ла Галет»,1876; «После обеда»,1879).


Портрет актрисы Жанны Самари
В 1880-х годах картины Ренуара становятся точнее, четче, ближе к классике: «Зонтики» (1880), «Большие купальщицы» (1884-87). Но затем Пьер Огюст возвращается к более свободной манере: «Девушки за фортепиано» (1892), «Заснувшая купальщица» (1897).
В конце жизни Пьер занимается скульптурой, а от живописи отказывается из-за болезни рук.
3 декабря 1919 года известный художник Пьер Огюст Ренуар умер от воспаления легких в Кань-сюр-Мере (Франция).

"Из-за преступной халатности работников Эрмитажа картина Казимира Малевича "Черный квадрат" два месяца провисела вверх ногами."