Клуб искусствоведов "Черный квадрат"

Николай Николаевич Ге
Судьба его картин складывалась драматично. Картину «Милосердие» (1880) он уничтожил. Картина «Выход с тайной вечери» (1889) стала одним из лучших произведений русской живописи того времени, но ее подвергла критике церковная цензура. Картина «Что есть истина? Христос и Пилат» (1890) была снята с выставки за кощунство в изображении Христа. Картину «Голгофа» (1892) Ге не закончил, и публика увидела ее лишь после смерти художника.
Николай Николаевич Ге родился (15) 27 февраля 1831 года в Воронеже, в семье помещика. Для обучения Николай сначала выбрал физико-математический факультет, проучившись год в Киевском университете и год в Петербургском.
Но тяга к живописи и природный талант сказали свое веское слово. Он поступил в академию художеств, проучился там семь лет, а в 1857 году за картину «Саул у Аэндорской волшебницы» получил большую золотую медаль, звание классного художника 1-й степени и право на зарубежное пенсионерство.

«Саул у Аэндорской волшебницы»
За шесть лет Ге побывал в Германии, Швейцарии, Франции и с 1860 года обосновался в Италии. Он неустанно работал: писал портреты, пейзажи и делал эскизы к историческим картинам из жизни Древнего Рима и средневековья.
В Петербург он вернулся в 1863 году с картиной «Тайная вечеря». Картина была явно вне канонов академизма, но она понравилась Александру II, и император её приобрел. Такой успех не могла не отметить академия художеств, присвоив Николаю Ге звание профессора исторической и портретной живописи.

«Тайная вечеря»
На следующий год Ге снова уехал в Италию и провел там еще несколько лет, продолжая трудиться над евангельскими сюжетами, пейзажами и портретами.
Он вернулся в Петербург в 1870 году, включившись в художественную, общественную и духовную жизнь столицы. В поисках темы Ге обращается к отечественной истории. Картина «Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе» (1871) вновь принесла ему успех. Но у художника случались и неудачи, которые он тяжело переживал. Один период он даже забросил кисть и занялся сельским хозяйством.

«Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе»
На рубеже 1870-х и 1880-х Ге вернулся в искусство. Отныне в его творчестве возобладали евангельские темы. Исключение он делал только для портретов. Среди его портретных работ хрестоматийную известность приобрели изображения писателей-современников – Салтыкова-Щедрина, Некрасова (обе 1872), Льва Толстого (1884).
Живопись Ге претерпела разительные перемены. Она приобрела лихорадочную и пугающую взволнованность, что впоследствии дало право называть его предшественником экспрессионизма.
(1) 13 июня 1894 года художник Николай Николаевич Ге умер на своем хуторе Ивановский в Черниговской губернии.

провтыкали немножко годовщину...(но ничего, исправим
Норман Альфред Уильям Линдсей родился 23 февраля 1879 в Кресвике. Его способности иллюстратора и карикатуриста проявились достаточно рано, и уже в 1901 он стал сотрудничать в сиднейском Бюллетене. Линдсей выработал романтический и оригинальный стиль живописи и рисунка, напоминающий стиль английских символистов 1890-х годов, к которому примешивалось его острое чувство юмора. В 1910 художник впервые побывал в Париже и Англии, но остался равнодушным к модернизму.

Норман Линдсей вошел в историю страны не только как художник и скульптор: он также был карикатуристом, иллюстратором, писателем и боксером (очень характерная австралийская черта – сочетать спорт с искусством). Убежденный язычник, он во многих своих работах воспевал идеализированную жизнь на лоне природы, прелестных нимф и козлоногих обольстителей, населив ими свой воображаемый мир австралийской Аркадии. Эстетику Линдсея многие считали неприличной, и скандальная репутация сопровождала его на протяжении всей жизни. В сороковые годы американские власти сожгли полтора десятка его работ как порнографию, на что художник ответил, что нарисует еще (и таки нарисовал).

Трое братьев Нормана – Перси, Лайонел и Дерил – и сестра Руби тоже были художниками и представителями местной богемы.
Одной из самых скандальных работ Нормана Линдсея стал рисунок Pollice Verso. Его название (лат. «С перевернутым пальцем») связано с условным жестом, которым зрители в древнеримском цирке требовали добить поверженного гладиатора. Рисунок вызвал сильную негативную реакцию церкви, однако, несмотря на это, в 1907 году мельбурнская Национальная галерея приобрела ее в свою коллекцию. Позднее работа была использована в качестве иллюстрации для одного из переизданий «Антихриста» Ницше.

Но многим австралийцам художник известен не как язычник и автор всевозможных ню: несколько поколений местных детей выросло на книжке «Волшебный пудинг» (1918), которую он сам сочинил и иллюстрировал. Позднее он создал несколько юмористических рассказов и повестей, посвященных жизни провинциальных австралийских городков. 

Умер Норман Линдсей в Сиднее 21 ноября 1969 года.

Шикарная ч/б графика и акварели

От того как тут передан блеск тел вообще балдею

Больше репродукций по ссылке http://nevsepic.com.ua/art-i-risovanaya-grafika/14808-avstraliyskiy-zhivopisec-norman-lindsey-norman-lindsay-329-rabot.html

Мартирос Сарьян
Мартирос Сергеевич Сарьян родился (16) 28 февраля 1880 недалеко от Ростова-на-Дону. Предки Сарьяна переселились из Ани в Крым, а во времена Екатерины II из Крыма на берег Дона.
Многодетная семья Сарьяна, следуя традиции, жила размеренной и простой патриархальной жизнью на одиноком хуторе вдалеке от города. С детства Мартирос проявил склонности к рисованию, а природа была его вдохновителем. В 1897 году он поступает в Московское училище живописи, ваяния и зодчества.
В 1901 году он впервые едет в Армению. Сарьян побывал там во многих местах: Лори, Ширак, Ани, Эдчмиадзин, Ахпат, Санаин, Ереван, Севан... Впечатления были неизгладимы. Впоследствии география путешествий расширяется: помимо неизменной Армении, он посещает Константинополь, Египет, Персию. Мировая война помешала художнику увидеть Индию и Японию.


Любовь
Одно за другим возникают знаменитые полотна Сарьяна – «Улица. Полдень», «Константинопольские собаки», «Натюрморт. Виноград», «Армянка», «Портрет поэта Цатуряна», «Цветы Калаки».
Сарьяну было 34 года, когда началась первая мировая война, которой сопутствовал геноцид армянского народа, угрожавший ему полным физическим уничтожением. Художник активно включается в патриотическую деятельность.


У гранатного дерева
В 1916 году он женится на Лусик Агаян, дочери видного армянского писателя Газароса Агаяна. Участвует в организации Общества армянских художников, оформляет знаменитую брюсовскую «Антологию армянской поэзии».
В 1917 году Сарьян с семьей перебирается в Армению. Начиная с 1923 года он создает знаменитые циклы картин, которые с большим успехом демонстрировались на XIV Венецианской биеннале: «Горы», «Армения», «Мой дворик», «Арагац», «Ереван».


Армения
В эти же годы он создает герб Советской Армении и занавес первого государственного театра. Родина становится главной и неизменной темой Сарьяна.
Его привязанность к своей земле была столь велика, что, даже уехав осенью 1926 года в Париж, он по-прежнему продолжал воспевать красоту армянской природы. В течение последующих десятилетий он создает огромную галерею картин об Армении, создает прекрасные театральные декорации, панно и книжные иллюстрации. Жизнеутверждающее искусство Сарьяна не просто шагает в ногу со временем, оно словно смотрит на нас из грядущего.
Умер Мартирос Сергеевич Сарьян в Ереване 5 мая 1972 года.

Сандро Боттичелли (итал. Sandro Botticelli, настоящее имя – Алессандро ди Мариано ди Вани Филипепи, итал. Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi) родился 1 марта 1445 года во Флоренции, в семье предпринимателя. Начальное образование получил в монастыре Санта Мария Новелла, в котором позднее будут размещены его работы.
Первое дело, которому обучился будущий художник – ювелирное мастерство, которое развило в нем творческие задатки. Увлекшись живописью, Алессандро поступил в подмастерье известного художника Филиппо Липпи. Позднее становится учеником Андрео де Вероккио.
В 1470 году художник получает свой собственный заказ. И с этого момента его творчество выходит на новую ступень. Больше всего положительных откликов получила его работа «Поклонение волхвов» для монастыря Санта Марии Новелла. В одном из персонажей картины Боттичелли изобразил себя.
Постоянным заказчиком Боттичелли становится Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи. В 1481 году Боттичелли участвовал в украшении Сикстинской капеллы фресками. Он занимался тремя сценами. По возвращении в Рим художник пишет ряд картин на мифологические темы: «Весна», «Турнир», «Рождение Венеры».
В 1480-х годах художник находился на вершине славы, заказы были нескончаемы. В одиночку художнику было не справиться, поэтому он по традиции времени поручал большую часть работы ученикам, а на себя брал самое трудное и престижное. Известность художника была велика, он считался лучшим живописцем во Флоренции.
В старости Боттичелли увлекается идеями Савонаролы – проповедника аскетизма. Меняется стиль его живописи, усиливаются религиозные тенденции. В творчестве художника ощущаются трагизм и надломленность.

Рождение Венеры
В последние годы жизни Боттичелли его слава померкла. О былой популярности оставалось лишь вспоминать. В 1502 году королева Изабелла Кастильская, выбирая кого-нибудь из флорентийских художников для исполнения ее заказа, категорически отвергла кандидатуру Боттичелли. О его последних годах жизни достоверных сведений не сохранилось.
Умер Сандро Боттичелли 17 мая 1510 года во Флоренции. Вместе с художником умерла и память о нем.
Заново Боттичелли был открыт только в конце 19 века стараниями английского искусствоведа Джона Рескина и группы художников-прерафаэлитов.

Орест Кипренский (Автопортрет, 1828)
Орест Адамович Кипренский родился (13) 24 марта 1782 года в мызе Нежинской (сегодня - Ленинградская область). Он был незаконнорожденным сыном помещика Дьяконова и воспитывался в приёмной семье крепостного Адама Швальбе. В 1788 году, получив вольную, стал заниматься рисованием в училище при петербургской Академии художеств, а затем и в самой Академии, которую окончил в 1803 году.


Портрет Е.В. Давыдова
В 1805 году Кипренского наградили большой золотой медалью Академии за картину «Дмитрий Донской на Куликовом поле» и правом на поездку в Италию. Поездка была отложена из-за наполеоновских войн в Европе.
Тем не менее, талант Кипренского возрастал, он совершенствовался в портретной живописи. Портретным талантом Орест завоевал Италию: в 1816 году ему заказывают автопортрет для галереи Уффици во Флоренции.

Портрет А.С. Пушкина
В Петербург он вернулся в 1823 году и с успехом продолжил писать портреты. На родной земле душа Ореста не спокойна, и он уезжает в Италию в 1828 году - продолжать творческие поиски. В Италии он и прожил до конца жизни.
Кипренский – профессор исторической живописи, один из лучших портретистов России. Его даже прозвали Русским Ван Дейком. Его кисти принадлежат известные портреты русских поэтов: В.А. Жуковского, А.С. Пушкина, К.Н. Батюшкова. Также он создал несколько портретов в графике.
Умер художник Орест Адамович Кипренский 17 октября 1836 года в Риме.

274 года со дня рождения Франсиско Гойя

Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусьентес (исп. Francisco José de Goya y Lucientes) родился 30 марта 1746 года в семье мастера-позолотчика, в небольшой деревушке на севере Испании. В возрасте 13 лет Франсиско поступил в ученики к местному художнику, а в 1763 году перебрался в Мадрид, где вскоре стал учеником придворного живописца Франсиско Байеу.
В 1771 году он принял участие в итальянском конкурсе, проводившемся пармской Академией художеств, и получил вторую премию за историческое полотно, главным героем которого стал легендарный Ганнибал.
В 1772 году он получил заказ на потолочную фреску для церкви в Сарагосе. На протяжении следующих десяти лет Гойя часто расписывал церкви. В 1773 году он женился на сестре Байеу Хосефе. Это поспособствовало его утверждению в художественном мире того времени – Байеу пользовался немалым влиянием.
 

Распятие
В 1774 году Гойя переехал в Мадрид, где приступил к первой серии картонов для Королевской шпалерной мануфактуры. Работа над картонами была основной для Гойи до 1780 года, но и в следующее десятилетие он время от времени возвращался к ней.
В 1780 году Гойю приняли в Королевскую академию Сан-Фернандо. Пропуском туда послужила исполненная в академическом стиле картина «Распятие». В 1785 году Гойя стал вице-директором живописного отделения академии, а в 1786 его пригласили ко двору Карла III.


Семья короля Карла IV
После смерти короля в 1788 году произошел крутой поворот в жизни Гойи. Новый король, Карл IV, пожаловал ему почетный титул придворного художника. Гойя стал наиболее востребованным и модным среди мадридской аристократии художником-портретистом. Наряду с этим он продолжал работать и для церквей.
Зимой 1792-93 художника настиг паралич и частичная потеря зрения. Следующие несколько месяцев он провел на грани между жизнью и смертью.

Старухи
Чуть поправившись, Гойя вернулся к работе и написал серию небольших картин. Эти картины обозначили водораздел в творческой биографии Гойи – в его творчестве стали преобладать странные образы, порожденные фантазией.
В 1795 году, после смерти Байеу, Гойя стал директором живописного отделения Королевской академии Сан-Фернандо. Этот период отмечен серьезными занятиями офортом. Первая серия из 80 офортов «Капричос», была опубликована в 1799 году и поразила всех острой социальной сатирой, соединением гротеска и реальности и новизной художественного языка.
Последние годы своей жизни он провел во Франции в Бордо, где и умер 16 апреля 1828 года в возрасте 82 лет. Его прах был перевезен на родину и захоронен в той церкви, стены и потолок которой он когда-то расписал.

244 года со дня рождения Василия Тропинина
Василий Андреевич Тропинин родился в семье крепостных графа Миниха села Карповка Новгородской губернии (19) 30 марта 1776 года. Называют и другой год рождения художника – 1780.
Василий получил начальное образование в народной школе. В начале 1790-х годов у Тропинина сменился хозяин – он был передан в качестве приданого дочери Миниха ее мужу графу Моркову.
Новый хозяин оценил творчество крепостного художника и сначала сделал его своим доверенным лицом, а потом подписал ему вольную. Живописи он учился в Академии художеств. За написанные им картины «Кружевница», «Портрет художника О. Скотникова» и «Нищий старик» Тропинин стал так называемым «назначенным» академиком, иными словами, кандидатом в академики.
 

"Кружевница" (1823)
Через год, написав «Портрет медальера К.А. Леберехта», Тропинин был признан полноправным академиком.
В 1824 году он поселился в доме на Ленивке, где и прожил всю свою оставшуюся жизнь.


"Портрет А.С. Пушкина" (1827)
В историю русской живописи он вошел как талантливейший портретист, по работам которого нам известны многие выдающиеся деятели культуры, искусства и просто жители Москвы первой половины 19 века.
Тропинин создал целую галерею портретов женщин за работой. Кроме упомянутой «Кружевницы» это были «Золотошвейка», «Пряха». Он же написал известные портреты славянофила Юрия Самарина, Платона Зубова, Александра Пушкина и многих других.
Василий Тропинин прожил долгую и насыщенную жизнь и умер (3) 15 мая 1857 года в Москве. Похоронен на Ваганьковском кладбище.

167 лет со дня рождения Винсента ван Гога

Винсент Виллем ван Гог (нидерл. Vincent Willem van Gogh) родился 30 марта 1853 года в Грот-Зюндерте (Голландия). Он был старшим ребенком в семье пастора, с детства показавшим свою противоречивость: домашние запомнили его как своенравного и трудного ребенка, а вне семьи он был тихим, серьезным, милым и скромным.
Сначала он учился в деревенской школе, потом дома, у гувернантки, а в 11 лет его отправили на учебу в интернат. Оторванность от семьи произвела на него угнетающее впечатление, отразившееся на всей дальнейшей жизни. В 15 лет он бросает учебу в интернате и возвращается домой.
 

Едоки картофеля (1885)
Любовь к живописи зародилась у Винсента, когда он начал работать дилером в художественно-торговой фирме дяди. Он был весьма успешен на этой работе и в 20 лет стал зарабатывать больше своего отца. Он начинает разбираться в живописи и ценить ее.
Вскоре его постигла неудача в любви. Разочарование сказалось на работе - он потерял к ней интерес и обратился к Библии. Жизнь круто поменялась. Ван Гог побывал учителем, продавцом книг, проповедником в беднейшем шахтерском районе...
Первые работы художника появились в 27-летнем возрасте и не отличались особой изысканностью и красотой. Но это были лишь первые шаги на пути к искусству. Героями его картин были простые люди с их тяжелой и угнетенной жизнью.


Ваза с двенадцатью подсолнухами (1889)
Огромную помощь художнику оказывал его брат Тео. Он не только помогал ему в материальном плане, но и был ценителем его творчества. Одним из первых учителей ван Гога стал голландский мастер Мауве. В 1885 году свет увидело знаменитое полотно «Едоки картофеля». Оно написано темными оттенками и, как и на остальных картинах, центральным объектом является человек с его эмоциями и переживаниями.
В 1886 году Винсент переезжает в Париж, где пишет целую коллекцию полотен, среди них - наиболее известное «Сад поэтов». Новый период творчества знаменуется переменой стиля. Краски становятся более яркими, сюжеты более жизнерадостными. Для этого периода характерна техника пуантилизма – мелкие короткие мазки переливающихся красок.
Ван Гога увлекает непосредственное изображение человека и пейзажей, как в японской гравюре. В этот период пишется много портретов и автопортретов.

Ваза с ирисами (1890)
Ван Гог был очень плодовитым художником – за день он мог написать несколько картин. Это и пейзажи, и натюрморты, и портреты, и жанровая живопись.
Поздний период творчества, начавшийся после переезда из Парижа на юг Франции, очень противоречив, но вместе с тем наиболее плодотворен. Яркая природа Прованса вдохновляла художника на написание очень живых и красочных пейзажей. Но в то же время, в душе художника зрела болезнь, которая привела в конце концов к его смерти.
В периоды кризиса он пишет картины, передающие гнетущее чувство безысходности, охватывающее его. Художник выбирает сумрачные цветовые сочетания, деформирует предметы. В одну их таких минут отчаяния уставший бороться с безумием Винсент ван Гог выстрелил в себя из пистолета. Это произошло 29 июля 1890 года в городе Овер-сюр-Уаз (Франция).

119 лет со дня рождения Галины Банниковой
Галина Андреевна Банникова родилась (17) 30 марта 1901 года в Сарапуле Вятской губернии. В годы обучения во Всероссийской академии художеств (1925-1930) увлеклась графическим рисунком, а именно разработкой шрифтовых решений.
После окончания учебы она основательно занялась графикой, и, в первую очередь, работой в шрифте, творчеством в книжной и станковой графике.
Как художник-график Галина Банникова получила колоссальную базу и опыт непосредственно в процессе обучения в академии художеств. Под руководством известного историка шрифтового искусства профессора В.А. Левицкого, который преподавал в академии Банниковой курс искусства шрифта, Галина Андреевна раскрывала не только свой талант, но и всю ценность шрифта, использовавшегося в типографии, его художественную ценность и значимость в области графики.
 

Гарнитура Банниковская

Основной работой, которой Банникова уделила несколько десятков лет, и благодаря которой получила признание в области искусства шрифта, стала гарнитура под названием «Банниковская», разработанная на основе доскональной переработки родоначальников русского шрифта времен Петра I и европейских шрифтов эпохи Возрождения.
В основе этой гарнитуры лежит созданный Банниковой уникальный рисунок кириллического шрифта антиквенного типа, который широко использовался в издании художественной литературы.
Галина Андреевна Банникова скончалась в Москве 27 июня 1972 года.
После смерти этого выдающегося художника-графика остались труды по истории шрифтов, ставшие хорошим учебником для студентов всех художественных заведений.

Что я даже заказал себе репродукцию.

Iris Scott - американский современный импрессионист

Томас Гейнсборо (англ. Thomas Gainsborough) родился в Садбери (Англия) 14 мая 1727 года. Отец его был торговцем мануфактурой. Томас не смог получить полного художественного образования, хотя имел явные способности. В 1740-е годы он стал подмастерьем французского гравировщика Юбера Гравло и подрабатывал у известного издателя Бойделла.
Для того, чтобы зарабатывать себе на жизнь, Томас рисует небольшие портреты и пейзажи, которые недорого продает. Но даже этого ему хватает, чтобы в 1745 году завести собственную мастерскую.
В это время в его творчестве преобладают два главных направления: красивые пейзажи, вдохновленные голландскими художниками, и портреты на фоне идиллических пейзажей.
В 1746 году Гейнсборо женится на Маргарет Барр. У них рождается две дочери. В 1748 году художник возвращается на родину, а через несколько лет переезжает в Ипсуич, где у него всегда много заказчиков среди местного мелкого дворянства и духовенства.
У Гейнсборо был огромный дар передавать настроение модели и почти фотографическое сходство с оригиналом, не теряя при этом свежести и живости своей художественной манеры. Помимо портретов, Томас также пишет пейзажи, к которым он будет испытывать пристрастие на протяжении всей свое жизни.
В 1759 году художник переехал в город курорт Бат, где часто отдыхали английские аристократы. На поприще создания их портретов, Гейнсборо быстро добился успеха и популярности. Заказы текли к нему рекой. Там же Гейнсборо познакомился с картинами А. Ван Дейка. Портреты знаменитого фламандца оказали очень сильное влияние на его творчество.
Начиная с 1761 года Томас Гейнсборо выставляется в лондонском Обществе художников. Через несколько лет становится членом-учредителем Королевской академии художеств и в это же время посылает несколько картин на академическую выставку.
В 1774 году Гейнсборо перебирается в Лондон, где избирается в Совет Академии. К 1777 году художник завоевал очень солидную репутацию: он исполняет заказы для английской знати и королевских особ, выставляет свои работы в Академии. Познакомившись с известными художниками, музыкантами и актерами, он создает большую галерею портретов этих людей.
Насладившись светской жизнью, в 1784 году Гейнсборо прекращает отношения с Академией и после устраивает выставки своих работ только в своей галерее на Пэлл Мэлл. Теперь среди рисунков художника главное место занимают пейзажи и сцены деревенской жизни.
Скончался Томас Гейнсборо 2 августа 1788 года в Лондоне на 62-м году жизни.

«Дама в голубом»
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.
(единственное произведение художника в музеях России).

Виктор Михайлович Васнецов, один из самых прославленных художников-модернистов, родился (3) 15 мая 1848 года в селе Лопьял Вятской губернии, в семье православного священника.
Первой его работой как художника стала роспись Вятского собора, совместно с сосланным в Вятку поляком Михалом Эльвиро Андриолли. Это было сразу после окончания духовной семинарии. Тогда Виктор Михайлович, утвердившись в своем желании стать живописцем, отправился учиться в Петербург, сначала в рисовальной школе Крамского, а после в академии художеств (в 1893 году стал ее действительным членом).
С 1878 года Васнецов являлся членом Товарищества передвижников, путешествовал по Европе - посетил Францию и Италию, затем жил в Петербурге и Москве.

«Аленушка» (1881)
Творчество Васнецова очень разнообразно. Начинал он с Передвижниками, и тогда его сюжеты были предельно бытописательны. К этому периоду относятся «Книжная лавочка», «Балаганы в Париже», «С квартиры на квартиру».
Настоящий пик творчества Васнецова приходится на тот период, когда он находит себя в стиле модерн. Его можно считать основоположником особого русского стиля. Для этого он преобразовал русский исторический стиль, обогатив его легендарными и сказочными сюжетами.
В то же время некоторые из картин этого периода представляют собой типичные для модернизма декоративные панно. Кто не знает «Аленушку», «Ивана царевича на сером волке», знаменитых былинных богатырей?

«Богоматерь с младенцем» (роспись центральной апсиды Владимирского собора, Киев)
Принципы «Русского стиля» художник воплощал не только в живописи, но и в архитектуре. По его эскизам построен фасад Третьяковской галереи, возведена церковь Спаса-Нерукотворного в Абрамцево. Русский стиль в архитектуре являл собой стилизацию под русскую старину.
В 1883-1885 годах художник работал над созданием монументального панно «Каменный век» для Исторического музея в Москве.
Позднее творчество Васнецова связано также с религиозными мотивами. Появляются картины «Распятый Иисус Христос», «Слово Божье», «Богоматерь с младенцем». Самой масштабной работой Васнецова стала роспись киевского Владимирского собора в 1885-1896 годах.
В советское время Виктор Михайлович продолжал заниматься творчеством - в основном он работал над народными сказочными темами («Бой Добрыни Никитича с семиглавым Змеем Горынычем», 1918; «Кащей Бессмертный», 1917-1926 и другие).
Умер художник Виктор Михайлович Васнецов 23 июля 1926 года в Москве в возрасте 78 лет.

В советское время на протяжении многих лет имя Казимира Малевича находилось под негласным запретом. Сам художник в течение своей жизни также немало способствовал тому, чтобы максимально запутать факты личной и творческой биографии, предельно затруднить любые попытки внешнего проникновения в то удивительное явление, тот сгусток тонкой психической энергии, который мы называем Казимиром Малевичем.

Казимир Малевич (Автопортрет, между 1908 и 1911 годами)

Казимир Северинович Малевич родился (11) 23 февраля 1878 года близ Киева. Однако есть и другие сведения о месте и времени его рождения. Родители Малевича были поляками по происхождению. Отец работал управляющим на сахарном заводе известного украинского промышленника Терещенко (по другим данным отцом Малевича был белорусский этнограф и фольклорист). Мать была домохозяйкой. У четы Малевичей родилось четырнадцать детей, но только девять из них дожили до зрелого возраста.
Казимир был первенцем в семье. Рисовать начал учиться самостоятельно, после того, как в возрасте 15 лет мать подарила ему набор красок. В возрасте 17 лет некоторое время провёл в Киевской художественной школе.


"Атлеты"
В 1896 году семья Малевичей обосновалась в Курске. Там Казимир работал мелким чиновником, но бросил службу ради карьеры художника. Первые работы Малевича написаны в стиле импрессионизма. Позже художник стал одним из активных участников футуристических выставок.
Был ли Малевич всего лишь художником-недоучкой? Достиг бы он высоких творческих вершин, если бы пытался реализовать свой талант в классических направлениях живописи? Эти вопросы никогда не найдут своего ответа.


"Жнец на красном фоне"
Приход Малевича был обусловлен временем. Предреволюционное, зыбкое время уже выводило на сцену новое поколение творцов. Казимир Малевич очень тонко и остро чувствовал эти нарастающие подводные течения судьбы и умел попадать в самый эпицентр их круговорота, всякий раз успешно оказываясь на поверхности.
Полуграмотный самоучка, ставший всемирно известным художником, директором Ленинградского государственного института художественной культуры, автором целого ряда теоретических изданий, создателем собственного направления в изобразительном искусстве (супрематизма), Казимир Северинович не был случайным человеком.


"Чёрный квадрат"
Ловко лавируя в событийных потоках, Малевич поражал современников своей уникальной способностью поляризовать, наполнять энергией окружающее его пространство. Его произведения всегда вызывали и продолжают вызывать постоянные споры и столкновения самых противоположных точек зрения. Известный в России, в основном, как автор «Черного квадрата», за границей он стал подлинным символом революционного искусства.
Малевич умер 15 мая 1935 в Ленинграде. Творческое наследие художника до сих пор не получило и вряд ли когда-либо получит какую-то однозначную оценку специалистов и поклонников живописи. Однако его гигантский масштаб не могут отрицать даже самые ярые противники Казимира Малевича.

День основания Третьяковской галереи
 

Третьяковская галерея в Москве
Днем основания Государственной Третьяковской галереи – национального музея русского изобразительного искусства 10-21 веков принято считать 22 мая 1856 года. В этот день коллекционер, купец и текстильный фабрикант Павел Михайлович Третьяков приобрел картины художников Шильдера «Искушение» и Худякова «Стычка с финляндскими контрабандистами».
Поставив себе еще в молодые годы цель создать музей русской национальной школы живописи, Третьяков посвятил этому свыше 40 лет жизни. Он был в дружеских отношениях с художниками-передвижниками, всячески их поддерживал, в том числе и материально, благодаря чему в коллекцию попали лучшие произведения передвижников.
В 1881 году галерея была открыта для всеобщего обозрения. А в 1892 году Третьяков принес свое собрание в дар Москве. В это время в состав коллекции входило 1287 живописных произведений, 518 рисунков и 9 скульптур. Позднее в коллекцию вошли картины, принадлежавшие брату Третьякова – Сергею Михайловичу.
До Октябрьской революции галерея называлась Московская городская художественная галерея Павла и Сергея Третьяковых. В 1918 году вышел декрет о национализации галереи, и она получила наименование Государственной Третьяковской галереи. В начале 20 века Третьяковская галерея становится одним из крупнейших художественных музеев России и Европы. В ее состав влился ряд малых московских музеев: Цветковская галерея, Музей иконописи и живописи имени И.С.Остроухова, картинная галерея Румянцевского музея.
Здесь находится уникальное собрание русских икон, представленное работами А.Рублева, Ф.Грека и Дионисия. Лучшими произведениями Кипренского, Тропинина, Васнецова, Брюллова представлена русская живопись 19 века. В коллекции галереи – лучшие произведения передвижников: Крамского, Перова, Маковского, Ге. Украшением собрания являются залы Репина, Сурикова, Левитана, Серова, Шишкина.
В настоящее время коллекция Третьяковской галереи насчитывает более 100 тысяч произведений искусства. Все это многообразие размещается в архитектурном комплексе в Лаврушинском переулке и в здании на Крымском валу. Указом президента РФ в 1995 году Государственная Третьяковская галерея отнесена к числу наиболее ценных объектов российской культуры.

Михаил Федорович Ларионов родился (22 мая) 3 июня 1881 года в Тирасполе Херсонской губернии, в семье военного фельдшера. Детство провел в провинциальном Тирасполе.
В 1898 году он поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где учился у Коровина и Серова. В училище Ларионов познакомился с правнучатой племянницей жены Пушкина Н.С. Гончаровой, которая вскоре стала его верной соратницей.
Ранний период творчества Ларионова отмечен импрессионистским подходом. В унаследованной от французских художников манере создавал он целые живописные серии. Таковы «Розовый куст», «Сад», «Рыбы при закате» (все 1904). Эти и им подобные произведения пользовались успехом на самых различных выставках, включая экспозицию осеннего салона-1906 в Париже.
В 1907 году Ларионов открыл для себя народное примитивное искусство, русский лубок. Этап примитивизма в творчестве художника едва ли не самый плодотворный. Он увлекается уличной культурой. Появляются его серии «Франты», «Парикмахеры», полотно «Хлеб», напоминающее вывеску булочной. Примитивизм Ларионова находил источники вдохновения даже в заборных рисунках и надписях.
В 1910-х годах Ларионов проявил себя как блестящий организатор, возглавив группу молодых московских художников. Он подготовил и провел выставки иконописных подлинников, лубка. На выставке «Мишень», где демонстрировались также произведения художников-самоучек и детские рисунки, Ларионов представил работы серии «Венеры» и «Времена года» (1912), которые были расценены критиками как вызов. В них использованы язык детского рисунка и архаическая символика, дополненная незатейливым текстом.


Натюрморт. Сирень
«Мишень» стала высшей точкой развития художественных идей Ларионова. Здесь родился лучизм, заложивший начало абстрактного искусства.
С 1912 года Ларионов много занимался графикой. В 1914 году он участвовал в сражениях Первой мировой войны, был контужен.


В духане
В 1915 году по приглашению Дягилева вместе с Н.С. Гончаровой присоединился к труппе «Русского балета», путешествовал вместе с ней по Европе, работал над эскизами костюмов и декораций. В 1920-х годах он становится художественным советником Дягилева.
С 1919 года Ларионов и Гончарова поселились в Париже. Художник продолжал заниматься станковой живописью и графикой, участвовал в выставках, серьезно увлекся коллекционированием. В последние годы жизни много времени уделял литературным трудам.
Умер художник Михаил Федорович Ларионов 10 мая 1964 года в Фонтене-о-Роз (Франция).

136 лет со дня рождения.
Всю жизнь проживший в нищете и неустроенности художник вряд ли мог предположить, что в будущем его картины будут стоить целое состояние. Одно из полотен Модильяни «Мальчик в голубом пиджаке» было продано на аукционе Сотбис в 2004 году за 11,2 млн. долларов.

Амедео Клементе Модильяни (итал. Amedeo Clemente Modigliani) родился 12 июля 1884 года в городе Ливорно (Италия). По матери Амедео происходил из богатого испано-еврейского рода. Ко времени появления на свет Амедео, его семья зарабатывала на жизнь продажей угля и дров, что не приносило им больших доходов.
Ещё в юности молодой живописец понял свое предназначение. В 1898 году Модильяни начинает посещать в Ливорно частную художественную студию. Он делает большие успехи. Весной 1902 года Модильяни поступает в Свободную школу живописи обнаженной натуры во Флоренции, где обучается у Джованни Фаттори. В этот период он начинает с интересом изучать искусство эпохи Возрождения.


«Еврейка» (1908)
В 1906 году Амадео Модильяни покидает любимую им Италию, и переезжает в Париж. Там он обитает в крохотной мастерской на Монмартре, частенько посещает кафе «Ротонда», которое было известным местом встреч творческой богемы Парижа. Здесь Модильяни подружился со многими творческими людьми, его другом становится Жан Кокто.

В 1907 году Амадео увлекся живописью Поля Сезанна и Пабло Пикассо. В его работах 1908-1909 годов – «Еврейка», «Виолончелист» – прослеживается влияние этих великих мастеров. Помимо этого Модильяни занимается скульптурой, принимает участие в выставках, однако его работы не пользуются особым успехом.
В 1914 году Амадео знакомится с галеристом Леопольдом Зборовским, который был одним из первых, разглядевших талант художника. Впоследствии Зборовский занимался продажей работ Модильяни.


«Мальчик в голубом пиджаке» (1918)
В 1917 году художник женится на очаровательной Жанне Эбютерн, которая через год родила ему дочь. Жена стала основной моделью Модильяни. Художник был счастлив в браке, однако его здоровье, которое никогда не было крепким, теперь ещё более ухудшается.
Его единственная выставка прошла в 1917 году в Париже, но не имела особого успеха. Полицейский комиссар потребовал закрытия выставки, увидев в витрине галереи картину Модильяни «Большая обнаженная».
Зимой 1920 года у Модильяни происходит обострение туберкулёза и его помещают в больницу Шаритэ для бедных и бездомных.
24 января 1920 года в Париже талантливый художник Амедео Модильяни умирает. Его беременная жена, не вынеся разлуки с мужем, покончила с собой.

Харменс Рембрандт
 

Рембрандт, "Автопортрет с Саскией" (1636)

Искусство Рембрандта отличается необычайной жизненностью и глубокой человечностью образов. Рембрандт писал преимущественно портреты, библейские и мифологические сцены. Под его кистью они превращались в полный огромной психологической выразительности рассказ о человеческих чувствах и отношениях…

Харменс ван Рейн Рембрандт (нидерл. Harmenszoon van Rijn Rembrandt) родился 15 июля 1606 года и был восьмым из девяти детей в семье мельника. Рембрандт посещал латинскую школу при Лейденском университете, но наибольший интерес проявлял к живописи. В 13 лет он был отдан учиться изобразительному искусству к лейденскому историческому живописцу Якобу ван Сваненбурху. Затем, после кратковременного пребывания в Лейденском университете, Рембрандт всецело посвятил себя искусству.
Уже его ранние работы демонстрируют незаурядный талант художника – картины: «Паламед перед Агамемноном» (1626), «Крещение евнуха» (1626), «Побиение камнями св. Стефана» (1629).
В 1627 году художник совместно с другом Яном Ливенсом открыл собственную мастерскую и начал набирать учеников. За несколько лет он завоевал значительную известность.

Картиной Рембрандта «Давид и Ионафан» (1642) справедливо гордится Государственный Эрмитаж
В 1630-е Рембрандт так же рисует автопортреты – «Автопортрет с Саскией» (1636), картины с библейским сюжетом – «Ослепление Самсона» (1636), «Жертвоприношение Авраама» (1635), «Снятие с креста» (1633-1634), делает великолепные графические зарисовки. В 1634 году художник вступает в брак с Саскией ван Эйленбюрх. Он часто изображал свою жену на картинах.
В 1641 году у Рембрандта рождается сын Титус, а через год его любимая жена умирает.
Между тем талант художника развивался и креп. Самыми известными полотнами Рембрандта стали «Святое семейство» (1645), «Еврейская невеста» (1665), «Возвращение блудного сына» (1666), «Ночной дозор» (1642) – последняя картина не понравилась заказчикам, т.к. являлась слишком прогрессивной для своего времени.
Публика охладевает к произведениям Рембрандта. Художник испытывает финансовые затруднения, однако продолжает рисовать. Всего за свою жизнь Рембрандт создал около 400 картин, 300 гравюр, 1400 рисунков и 300 офортов.
Великий художник Харменс ван Рейн Рембрандт скончался 4 октября 1669 года в Амстердаме.

Самое, на мой взгляд, главное:

ЦитатаХозяин как-то застенчиво выкладывает картину перед нами. Немая сцена. А потом он получил то, чего и опасался – дружный смех.
Серега – сухой прагматик с крестьянской обстоятельностью, резонно поинтересовался, глядя на картонку, в которой с трудом угадывались очертания каких-то носорогов, или все же крестьянок:
- Это что?
- Это? Картина Малевича. Страшненькая, да?
- Ну как сказать. Ну улице я за ней не нагнулся бы – позвоночник  бы пожалел, - хмыкнул Серега.
- Вот именно. Явно не образец высокого мастерства, - с охотой согласился заслуженный художник. - Но это как чековая книжка. Есть подпись Шагала – и это безобразие полмиллиона долларов стоит. Нет подписи – за рубль не продашь, потому что ею только детей пугать.
- А зачем так рисовать, чтобы противно было?- не мог успокоиться Серега. -  Нельзя, чтобы  красиво и реалистично?
- Для красиво и реалистично есть фотоаппарат, как сейчас говорят. А современное искусство – это концепция.
Фотоаппарат, как считается в богемной среде,  убил ремесло художника и тонкости творения изображения. Фотография угробила пейзаж, портрет и натюрморт. Любой дурак с мыльницей теперь изобразит кувшин куда лучше художника прошлых веков. И чего остается от искусства тогда? Концепция! То есть всякая псевдофилософская околесица, которая  шустрыми таракашками спешит в голову «художника» под тяжелыми или легкими препаратами.
В общем-то, доля истины в этом все же имеется.  По большому счету высокое мировое искусство с его фантастическими достижениями выросло из желания расписать храмы и завесить живописными полотнами серые стены в замках.   Но при этом было главное условие – чтобы выглядело красиво и походило на настоящее – пейзажи, лица. И в этой красоте наши предки разбирались на удивление хорошо. А сейчас с нашей потребностью к визуальному насыщению разума вполне справляются технологии. Тот же телевизор покажет за десять минут столько, сколько какой-нибудь барон в средние века за всю жизнь не видел.

....кусь...

Вообще, изысканное искусство оказалось куда ближе к тоталитарным, аристократическим, теократическим режимам. Когда есть люди, готовые платить «за красиво». Герцоги, папы Римские. Религиозная, якобы мракобесная культура дала нам «Сикстинскую капеллу», от накала эмоций в которой люди теряют сознание. А наша свобода и демократия преподнесли  коровью лепешку в золотой оправе…

...кусь...

Современное искусство отличается тем, что к каждому произведению прилагается небольшой томик с разъяснениями, что автор имел в виду. В основном стараются критики, для которых это хлеб. И тогда получается, что у автора были грандиозные планы, реализованные тоже грандиозно. Но без пояснений грандиозность куда-то уходит, уступая место недоумению. Вот и думает человек, на хрена ему смотреть на изображение банки «Кока-Колы». Но потом ему объясняют, что это же Энди Уорхол, он отображал концепцию американского миропорядка, мифов и стандартов. Поэтому коряво нарисованная банка «Колы» стоит десять миллиона баксов, а перерисованная фотка Мэрлин Мурло все двадцать. Это же  гений, выразивший американскую мечту, которую сам и воплотил -  на 2014 год его эпических полотен с банками и Мурло продано почти на шестьсот миллионов долларов!

...кусь...

Появилось совершенно дикое на проверку понятие – художник акционист. Это который лепить скульптуры или рисовать вообще не умеет и не хочет, но устраивает акции, большинство из которых раньше бы прошло по категории мелкого хулиганства.

...кусь...


На какую картину из этого бешено дорогого хлама не посмотришь, так выясняется, что это не просто мазня, а Протест, Провокация, смещение принятых форм и правил. Но никто не скажет, что это просто дешевый фарс и полная творческая беспомощность.

...кусь...
Черный квадрат может нарисовать каждый. А настоящее искусство – это работа с микроскопическими нюансами. Движение голоса артиста превращает его в сверхчеловека. Одно движение кисти художника делает из открытки шедевр.  Есть магия средств искусства, которые поднимает в человеке то лучшее и совершенное, что скрыто под пластами обыденности и банальности повседневного бытия.

Современное искусство – это эпатаж. Притом эпатаж безобразием, скабрезностью, всем тем болезненным, что живет в наркоманских душах творцов и в алчных душонках заводил.
Искусство эпатажа и искусство оттенков.  Первое, пользующееся всеобщей сатанинской поддержкой, призвано убить в человеке божественное чувство прекрасного. Второе – служит для его реанимации.

...кусь...
Куда уж новым Рафаэлям, когда, расталкивая их, лезет жадный авангардист с кувшинками, вопя, как оглашенный:
- Посторонись! Я жрать хочу! Я гений!
А вообще интересно, куда делись нормальные художники? Страсть  к художественному творчеству в людях не убиваема, поэтому художники хоть где-то, но будут всегда.
Мне кажется, пригрелись они во всяких вспомогательных нишах. Как мультипликаторы, которые создают восхитительные миры. Как декораторы. Даже в рекламе засветились. Но только не в Большом Искусстве…

Ссыль на оригинал

...
Когда б вы знали, из какого сора Растут стихи, не ведая стыда, Как желтый одуванчик у забора, Как лопухи и лебеда...
...















..............................................................................................................

Вот это всё выросло из МАЛЕВИЧА. 
Учиться, учиться и учиться как завещал наш дорогой Ильич.
И это никогда не поздно.
Не стесняйтесь.

13 декабря 1846 года родился художник-передвижник Николай Ярошенко.
 
Личное дело
Николай Александрович Ярошенко (1846 – 1898) родился в Полтаве в семье отставного военного. Его отец сумел сделать блестящую военную карьеру, дослужившись от рядового до генерал-майора. Он считал, что сын тоже станет военным и, хотя мальчик с детства проявлял способности к рисованию, отдал его в Полтавский кадетский корпус. По свидетельству жены художника, Николай Ярошенко поступил в Полтавский кадетский корпус в 1855 году. Однако сохранился похвальный лист с надписью «юному кадету Николаю Ярошенко», датируемый 8 марта 1854 года, так что Ярошенко был кадетом уже в восьмилетнем возрасте. В Полтаве Ярошенко начал учиться живописи, первым его наставником стал местный художник Иван Зайцев, служивший в кадетском корпусе учителем рисования.
С 1856 года Николай Ярошенко был переведен в Первый кадетский корпус в Петербурге. После окончания кадетского корпуса Ярошенко в августе 1863 года поступил в Павловское военное училище. Еще будучи кадетом начал брать частные уроки рисования. Одним из его учителей стал художник Андриан Волков. Позже Николай Ярошенко посещал вечерние классы рисовальной школы Общества поощрения художеств, где преподавал Иван Крамской. Завершив обучение в училище, он по воле отца продолжил военное образование, поступив в Михайловскую артиллерийскую академию. Одновременно стал вольнослушателем в Академии художеств. Там он сблизился с членами Товарищества передвижных выставок. На IV передвижной выставке, проходивший в 1875 году, экспонировалась первая картина Ярошенко «Невский проспект ночью». 7 марта 1876 года Николай Ярошенко был принят в Товарищество, а вскоре был избран в его правление.
После окончания военной академии Николай Ярошенко поступил на военную службу на Санкт-Петербургском патронном заводе, где прослужил более 20 лет, выйдя в отставку в 1892 году в чине генерал-майора. Все это время параллельно со службой он занимался живописью. Был постоянным участником передвижных выставок.
В 1874 году Ярошенко женился на слушательнице Бестужевских курсов Марии Невротиной. Из свадебного путешествия на Кавказ он привез множество горных пейзажей, вызвавших высокую оценку критиков и посетителей выставок. Среди друзей Николая Ярошенко были не только художники: Репин, Нестеров, Ге, Куинджи, но и Сергей Рахманинов,Федор Шаляпин, Леонид Собинов, Константин Станиславский, Глеб Успенский, Лев Толстой. Многие из них были частыми посетителями «ярошенковских суббот» в петербургской квартире художника.
В 1885 году художник покупает дом в Кисловодске, где проводит каждое лето. Там тоже его часто навещают друзья.
После выхода в отставку Николай Ярошенко живет большую часть времени в своем кисловодском доме. Но в 1897 году он совершил большое путешествие по Поволжью, Италии, Ближнему Востоку и Египту. Затем отправился на Урал, где работал над этюдами для задуманной им серии картин о жизни горнозаводских рабочих.
Умер Николай Ярошенко в Кисловодске 26 июня (7 июля) 1898 года. Похоронен возле городского Свято-Никольского собора.
 
https://polit.ru/new…aroshenko/