Клуб искусствоведов "Черный квадрат"

                                                                             Этим полукреслом мастер Гамбс начинает новую партию мебели...
                                                                                                                                          И.Ильф  Е.Петров  " 12 стульев"
....................................................................................................................................................................................................

Этим текстом "Пикейный жилет" начинает новую ветку.




С этого поста Bugi начнем благословясь новую тему со старыми мотивами.
Искусствоведы присоединяйтесь.
................................................................................................................................................


Много у вас знакомых художников, способных сделать так же?
Вы привели хорошее фото старой выставки. Но сама по себе эта выставка вам показалась странной, гадкой и нелепой лишь потому, что вы не понимаете значения манифеста Маринетти. Вы не понимаете, что на самом деле произошло в начале прошлого века в России и в мире. Вы думаете, что это были лишь Февральская революция и Октябрьский переворот? Вы ошибаетесь. Всё значительно сложнее и масштабнее. Мы до сих пор не знаем большей части тех идей и событий, которые тогда происходили. Они были вытравлены из нашей памяти и истории пропагандистами со Старой площади.
Вас возмущает черный квадрат на месте иконы? Вы действительно считаете, что атеистические умонастроения в России появились лишь с приходом воинствующих безбожников - большевиков-троцкистов-богдановцев? Увы, это не так. Либеральная гниль завелась гораздо раньше и, увы, но подобное фрондёрство было тогда повсеместной модой. Вы считаете, что с появлением "Чёрного квадрата" умерла классическая живопись? И это опять же не так - классическую живопись убил фотоаппарат. Попробуйте не судить что-либо, а понять для чего что-либо когда-то понадобилось и во что превратилось в итоге.
И по поводу "куч дерьма". Это не искусство. Это попытки некоторых "дельфинов" показать своё превосходство над "анчоусами". Не более. И подобные уроды были во все времена и во все времена они, увы, находили свою аудиторию. Потому что, единственное средство хоть как-то заявить о себе для подобных мерзавцев - дерьмо во всех проявлениях. И для того, чтоб отличать действительных гениев от подобных уродов, нужно заставить себя разобраться в том, что получилось из деяних одних и других.
"Ибо по делам узнаете вы их". (с)
Надеюсь, вы в курсе, кому принадлежат эти слова.

xxx:

На всякий случай, минутка размышлений о культурке. Разница между Казимиром Малевичем и Альфонсом Алле как раз в том и состоит, что Алле рисовал "битву негров в пещере ночью", а Малевич - "чёрный супрематический квадрат". Разница... Ну примерно как между мужем, который просит у жены орального секса, и бригадиром строителей, который объясняет начальству, что в такой мороз бригада работать не выйдет даже под угрозой увольнения. То есть слова произносятся те же самые, но смысл за ними стоит решительно иной. Вне контекста сказать, как именно это следует понимать, невозможно.

Тема "Чёрного квадрата" на ГА всплывала на моей памяти уже несколько раз. Поэтому появление ветки, где можно пообсуждать всяческие "околоквадратные" вопросы будет, надеюсь, полезно.

Я не искусствовед. Есть масса вещей, которых я не знаю, а кое-что из этого знать даже не хочу. Но вопросами культурного взрыва начала прошлого века я весьма интересуюсь, а определённое базовое образование позволяет мне о многих вещах судить достаточно объективно. Поэтому я хочу поделиться некоторыми базовыми принципами, которых придерживаюсь в своих изысканиях. Надеюсь, сия информация будет полезна для многих посетителей этой ветки.

1. Культура - это любое проявление осознанной деятельности человека. 
Да, у термина "культура" масса определений, но, если у чего-либо много определений, то считается, что все они не совсем верные. Я пользуюсь именно этим, так как именно оно позволяет отделить человека от животных. У животных культуры нет. Но я придерживаюсь мнения, что в культуру входят и искусство, и производство, и наука, и религия, и всё остальное, что определяет человеческое бытие.
2. Искусство - это часть культуры, в основе которой лежит эмоция. Если эмоции, причём, любой, нет, то это нечто к искусству отнести нельзя. При этом, однако, следует помнить, что когда мы восхищённо смотрим на работу мастера, который, например, чрезвычайно ловко рубит дрова или нарезает кольцами луковицу, то здесь уже есть элемент искусства, потому что он своим умением эту эмоцию у нас смог вызвать. Однако чаще всего мы пользуемся термином искусство, если перед нами нечто традиционно к искусству причисляемое - живопись, танец, музыка, литература и им подобное. 
3. Производство - это часть культуры, в основе которой лежит функция. Надеюсь, объяснять почему это так здесь не нужно.
4. Коммуникация - это передача некой информации. Если светочувствительные клетки растения получают информацию о направлении на источник света и "заставляют" листья растения поворачиваться в его сторону, то перед нами тоже пример коммуникации.
5. Речь - это инструмент коммуникации. Мы можем использовать для передачи информации окружающим весьма разные способы, в том числе, совершенно невербальные. Например, если в доме у какого-нибудь японца в вазочке стоит одинокая белая хризантема, то его соседи прекрасно понимают, что в этом доме траур. Отсюда вывод, что для речевой коммуникации мы можем использовать несколько видов языка, причём, одновременно. А это значит
6. Язык - это инструмент речи. Ибо язык танца, язык символов, язык музыки, вербальное общение и всё им подобное - это лишь способы речевой коммуникации. Способы передачи некоего сообщения.

Вроде всё просто. Но, как гласит старый анекдот, - "есть нюанс". "Нюанс" заключается в том, что часто мы выбираем для себя то, что совмещает в себе и функциональность, и эмоцию, и символ. Например, если человек покупает себе дорогой красивый автомобиль, то он получает удобное средство передвижения, получает эмоциональное эстетическое удовлетворение от обладания данной вещью и сообщает окружающим о том, что он материально обеспечен. И вот такие "нюансы" нужно всегда учитывать.

Теперь, давайте представим, что при раскопках в каком-то древнем финикийском поселении археологи обнаружили табличку с самым первым изображением финикийских букв. Самым самым первым! Ну, вот как-то они смогли это понять. (мы ж, гипотетически) Где будет помещена данная табличка? В самом крутом музее, на самом лучшем месте. И понятно почему - в основе всех европейских алфавитов лежит финикийский. Какая художественная ценность этого изображения? Правильно - нулевая. А культурная? Вот потому - и лучшее место в лучшем музее.


Зачем я всё это написал? Я прошу посетителей этой ветки при оценке того или иного явления пытаться судить о нём, учитывая все "нюансы". Помнить о том, что предмет может иметь ценность не только в плоскости живописи или музыки, но и в плоскости других сфер культуры. Уж, слишком часто они пересекаются так, что сам чёрт в этом клубке ногу сломит.

Итак, мы добрались до формы. Чудесно.
Правда, когда говорят, что форма должна быть "непременно изящной", то стоит напомнить, что на кухне соль не менее важна, чем сахар. Поэтому и к формам нужно относиться соответсвующе. К любым. Повторяю, форма - это единственное средство для искусства, которым оно может передать содержание. Увы, ничего другого нет и не предвидится. Причём, эта форма должна быть организованная и понятная. 

Например, коль я уже упомянул Василия Кандинского, большая часть его картин, особенно поздних, вообще становится хоть как-то понятной лишь для тех, кто имеет серьёзное музыкальное образование. Просто потому, что Кандинский в содружестве со Свиридовым заложили основы передачи звука через цветовые ассоциации, и эти картины ни что иное, как положенные на холст мелодии. Для основной же массы зрителей, увы, эти полотна проходят по категории - "мазня". Однако о Кандинском и результатах его деятельности стоит поговорить позже, а пока вернёмся к "Чёрному квадрату".

На первый взгляд, сама постановка такого вопроса вызывает недоумение: ну, квадрат, ну, чёрный... и что?

Но, я напомню, - картина называется "Чёрный супрематический квадрат", а появление супрематизма, как направления в живописи, было вызвано промышленной революцией 19 века и изменениями в массовом восприятии. Эти изменения произошли из-за того, что массовое производство не терпит сложных форм и градиентных цветов, а значит, так или иначе, люди того времени были вынуждены сталкиваться с появлением большого количества предметов, имеющих простые формы и цвет. Очень часто, эти предметы были весьма функциональны, но внешний вид их никак не мог похвастаться изяществом форм. И это становилось проблемой. И эту проблему нужно было решать.

Супрематизм - это и есть решение данной проблемы.

Что представляет из себя чёрный квадрат с точки зрения восприятия наблюдающим? Чёрный квадрат - это абсолютно неподвижный объект. В этом объекте нет ни цветовой, ни геометрической динамики. В красном квадрате есть, а в чёрном - нет. В черной трапеции, ромбе или ином многоугольнике динамика есть, а в квадрате - нет.

Отсюда вывод: любое изменение формы данного объекта привносит динамику, а значит, изменяет восприятие формы. Собственно, на нашумевшей выставке в 1915 году именно это и демонстрировалось. Посмотрите внимательно - это очень хорошо заметно.


А если у нас есть форма в абсолютном покое, то её можно принять за точку отсчёта, так как любое изменение этой формы будет придавать динамику в восприятии. А следовательно, мы можем специально конструировать формы с заданной динамикой и с необходимыми заложенными свойствами.

В этом и есть главная ценность "Чёрного квадрата". После его появления графика стала развиваться уже на упорядоченной основе, которую пока ещё не называют наукой в академическом смысле, но как набор прикладных средств для получения необходимого результата, она стала уже весьма мощным и надёжным разделом знания. Вот только живописью в изначальном значении этого слова её уже назвать сложно. Графика приобрела новые качества, но немного растратила первичный смысл.

Если вы думаете, что на то, как вы воспринимаете объекты вокруг, нельзя целенаправленно влиять, вы ошибаетесь. Можно. И это делается постоянно. Так как биологические аспекты человеческого восприятия уже неплохо изучены, то можно специально подбирать такие формы и цвета на которые вы не просто обратите внимание, но и отреагируете на них нужным специально заданным образом. Естественно, что подавляющее количество изображений вокруг вас сделано людьми совершенно не понимающими, что они творят, но там где нужно работают профессионалы и они своих целей достигают.

Маленький анонс. 
"Хрущёв идет по выставке современного искусства и грязно матерится: "козлы, сволочи, ...дарасы! Что это за мазня вокруг! Что это за уродство! А это что за жопа с ушами?!!!
- Извините, Никита Сергеевич, это зеркало." (с) анекдот шестидесятых годов прошлого века.

Вот об этом периоде нашей истории и его плодах я напишу в следующий раз.

Nettavisen (Норвегия): художник, который рисует задом, получил грант на 37 миллионов крон.

Художник Вегард Винге прославился тем, что бросается в публику фекалиями, мочится на сцену и разбрызгивает краску задом. Теперь он будет получать от государства по три миллиона крон в год.
Норвежский художник Вегард Винге (Vegard Vinge) считается радикалом. Во время своих представлений он кидался в зрителей фекалиями и мочился на сцене.
Записи его выступлений вызывают бурную реакцию в социальных сетях.
В одном таком ролике художник разбрызгивает краску задом, а затем размазывает ее по холсту, удерживая кисть тем же местом.

Грант в 37 миллионов крон

Винге выступает дуэтом с партнершей Идой Мюллер (Ida Müller), их конек — длинные театральные представления. Одно из них, в Берлине, продлилось 12 часов.
Норвежский совет по культуре выдал дуэту Мюллер-Винге грант размером в 37 миллионов крон (примерно 256 миллионов рублей — прим. перев.) сроком на 12 лет. Деньги пойдут на зарплату, организаторские издержки и другие траты.
По отчетам Совета, в с 2019 по 2022 годы дуэт будет получать по 3,4 миллиона норвежских крон (примерно 23 миллиона рублей — прим. перев) ежегодно.
Как объясняет Совет по культуре, деньги нужны, потому что у дуэта грандиозные планы в Норвегии и в Европе.

«Сильно и выразительно»

«У Винге-Мюллер огромные планы в Норвегии на следующие четыре года — в том числе в сотрудничестве с престижнейшеми сценами Европы. Это сильное и выразительное искусство, отличающееся экспрессией и мощным эффектом», — пишет Совет по культуре.
Газета «Неттависен» спросила мнение министра культуры Трине Шей Гранне (Trine Skei Grande) из партии «Венстре», но та отказалась комментировать конкретный грант.
«На посту министра культуры я стараюсь придерживаться принципа „вытянутой руки". Разумеется, это относится и к Совету, который дает академические оценки без моего участия и моих размышлений», — ответила Гранне.
Совет по культуре остался при своем мнении и считает, что оценивать творчество художника по вырванным из контекста роликам несправедливо.
«Ну конечно, двадцатисекундный ролик не может дать полной картины того, на что пошел грант», — говорит старший сотрудник совета по культуре Томас Хансен (Thomas Hansen).

Реакцию людей можно понять

«Неттависен»: Но вы ведь понимаете, что многих такой расход бюджетных средств задевает?
«Нетрудно догадаться, что такие способы воздействия вызывают сильную реакцию, но это часть творческого замысла», — считает Хансен.
Совет стоит на своем: гранты идут на развитие искусства.
«Совет по культуре не рассматривает отдельные приемы, а при раздаче грантов руководствуется развитием культуры в долгосрочной перспективе», — отвечает Хансен.
«Неттависен» обратилась за комментарием к самому художнику, но Вегард Винге не ответил.
А вот мнение Йона Хельгхейма (Jon Helgheim) из Партии прогресса: «Всему есть пределы! Судить предметы искусства — не моя работа, но те, кто любит распылять краску задницей или смотреть на такое, пусть платят за это из своего кармана. Налогоплательщики трудились, чтобы заработать эти деньги, надо их уважать. Если Партия прогресса получит большинство, мы положим этому конец».

P.S. Сайт глючит что-то сегодня. Если что, проникнуться муками творчества художника можно по этой ссылке:
https://www.nettavis…93280.html

С какого-то времени я определился с искусством. Западным, в общем. Когда я задумывался, какое произведение вызвало у меня наибольший отклик, я перебирал разное, из разных жанров, и в конце концов пришёл к выводу - самое сильное произведение это книга Сигнал к капитуляции Франсуазы Саган. Были и другие люди, согласные со мной и испытавшие то же самое. Может, конечно, это талант переводчика, не знаю.
Но там есть моменты, когда описываются чувства влюблённого человека, и так, как будто они лежат посреди строчек. И когда ты читаешь это, ты сам переиспытываешь то, что чувствует влюблённый человек. Это книга с большой буквы.
А бездарный и наглый плагиатор битвы негров пусть ждёт.

В 1826 году, некто Жозеф Нисефор Ньепс получил вот такое изображение.


"Вид из окна". Это первая в мире фотография. Страшненькая, правда? Однако через пару десятков лет, работы энтузиастов нового представления изображения привели к тому, что у самых бесталанных художников появился простой и надёжный способ "творить шедевры". "Вау! Берём фотографию, делаем контурный шаблон и раскрашиваем как хотим". Пару-тройку месяцев набиваем руку, а затем клепаем "нетленку" на потоке. И не нужно ни таланта, ни старания, ни ума... Просто срисовали.
Именно поэтому, уже во второй половине девятнадцатого века натурная живопись перестала цениться. Просто потому, что стало невозможно отличить работу, над которой несколько часов корпел мастер, от срисованной фотографии. Кстати, когда сейчас вы восхищаетесь чьим-то творением, в котором: "Вау! Как всё реалистично!", не спешите радоваться. Вполне вероятно, вы восхищаетесь незамысловатой срисовкой.

Классическая натурная живопись, какой она была до девятнадцатого века, умерла. И больше её не будет. Именно поэтому начался поиск новых форм - импрессионизм, кубизм, сюрреализм, и так делее, и тому подобное. А затем - авангард. Но это немножко другая история.

Зато, фотография стала жить своей жизнью и тоже превратилась в искусство.
Например, вот это фото, в котором нет ни капли фотошопа.

 

 

...................................................................................................................................................
Провокационный вопрос.
Картина какого художника из этих четырех  Вам больше нравится?
Какая произвела большее впечатление на Вас?

На ветке "Улыбаемся и машем" появилась вот эта картинка.

И её даже посоветовали именно здесь и разместить. И правильно - именно здесь ей самое место.
Потому что это реальный и хорошо известный способ уклонения от налогов. Естественно, так как он хорошо известен, то пользоваться именно таким способом позволяют далеко не каждому. Но, как не трудно догадаться, это лишь один из способов связанных с рынком "предметов искусства и антиквариата". 
Я не случайно взял эти слова в кавычки, так как рынок этот существует с древнейших времён и всегда был не то чтоб совсем криминализированный, но... в белых перчатках там, мягко говоря, не ходят. И в качестве "прачечной" он работает более чем исправно.

А теперь следим за руками.
Некоему "сэру" нужно передать энную сумму денег некоему "герру". Передать напрямую невозможно по самым разным причинам, ну, например, ущерб для репутации сэра, если станут широко известны его связи с герром, будет настолько велик, что это может привести к очень большим осложнениям для широкого круга лиц. Тогда ищут малоизвестного художника, желательно вполне амбициозного и предлагают ему сделку: у художника "покупают" несколько картин, но деньги в оговоренной сумме он обязан перечислить в указанный ему фонд. Так как сумма, которая будет передана художнику будет такова, что к нему обязательно проявят интерес критики и эксперты, то гонорар за остальные картины он может оставить себе. Правда, с фондом ему лучше всё равно сотрудничать - "это очень укрепляет здоровье". Как вы понимаете, ниточки от фонда ведут к герру.
Ну, а дальше появляется сенсация: "Картина нн-ского художника неожиданно продана за ннцать миллионов". Эксперты и журналюги раздувают моду и взвинчивают цены (они люди неглупые и уже прибарахлились несколькими полотнами и ждут когда их можно будет с выгодой перепродать), хипстеры торчат, а куча молодых, прозябающих в нищете и безвестности художников старательно развивает новый стиль. 

А дальше всё, как обычно - если стиль действительно представляет культурную ценность, то он развивается и начинает жить своей жизнью, а если это дитя мертворождённое или сделка была совсем уж разовой, то через пару-тройку лет, когда вложения заинтересованных лиц отбились, о стиле и о художнике спокойно забывают.

Только не стоит возмущаться и рвать рубаху: "всё современное искусство - фальшь и дерьмо". Этой схеме уже несколько веков. И кое-какие старинные шедевры получили своё признание именно в результате подобных договорняков. А чистенькие эльфы, если что, живут в параллельной вселенной, но нам туда входа нет.

Павел Михайлович Третьяков родился (15) 27 декабря 1832 года в Москве, в купеческой семье. Читать и писать научился дома, и когда подрос, стал помогать отцу в торговле. На счету Павла создание бумагопрядильных фабрик, которые он открыл вместе с братом.

В качестве хобби Третьяков начал коллекционировать картины. Первые его приобретения были сделаны в 1856 году. Коллекция началась с «Искушения» Н.Г. Шильдера и «Стычки с финляндскими контрабандистами» В.Г. Худякова, затем в ней появились работы А.К. Саврасова, Ф.А. Бруни, М.П. Клодта, В.Г. Перова.

Меценат скупал не только готовые произведения искусства, но и заказывал их художникам. Например, по его заказу художником Бронниковым была написана картина «Гимн пифагорейцев восходящему солнцу», а Василием Перовым - несколько портретов.


Особенно неравнодушен Третьяков был к творчеству Перова, его картины он покупал активнее всего. В 1860 году купил сразу несколько: «Сельский крестный ход на Пасхе», «Тройка» и «Дилетант».

Коллекция быстро разрасталась, и скоро для нее потребовалось отдельное помещение. Здание Третьяков построил в 1874 году, и уже через семь лет галерея стала открытой для публики. А вскоре Третьяков передал всю коллекцию и здание Московской городской думе. Меценат был пожизненным попечителем галереи, вплоть до самой своей смерти.

Также Павел Михайлович носил титул коммерции советника, был членом Московского отделения Совета торговли и мануфактур, а также действительным членом Петербургской Академии художеств (с 1893 года).

Третьяков был женат, Его супругой была кузина знаменитого мецената Саввы Мамонтова – Вера, на которой он женился 1865 году.

Умер Павел Михайлович Третьяков (4) 16 декабря 1898 года в Москве.

Александр Карлович Беггров – сын известного акварелиста и литографа Карла Иоахима Беггрова, академика Императорской Академии художеств – родился (17) 29 декабря1841 года в Санкт-Петербурге.
В период 1853-1863 годов Александр обучался в петербургском Николаевском инженерном и Морском инженерно-артиллерийском училищах. Окончив их, Беггров в чине прапорщика отправился служить на Императорский Балтийский флот, где заведовал чертежной мастерской в Адмиралтействе. Кроме того, он не раз ходил в плаванье, в частности, на фрегате «Ослябя».
В 1871-1872 годах офицер винтового фрегата «Светлана» Беггров сопровождал Великого князя Алексея Александровича, который совершал кругосветное плавание. Со своим наставником Алексеем Петровичем Боголюбовым, который в то время являлся художником главного морского штаба, Беггров познакомился после того, как на его глазах потерпел крушение винтовой фрегат «Александр Невский». Боголюбову тогда заказали два полотна, которые были посвящены катастрофе.


^{«Винтовой фрегат "Светлана"» (1878)}

В 1870 году Беггров становится вольнослушателем Императорской Академии художеств, посещая пейзажный класс профессора Михаила Константиновича Клодта.
Первая известность приходит к художнику в 1873 году, когда его произведения, в том числе «Вид города Канеа в Кандии», были удостоены наград Академии. Год спустя Беггров принимает решение уйти в отставку, после чего отправляется в Париж, чтобы получить художественное образование.
Во Францию к тому времени переселился и Боголюбов, который продолжает заниматься со своим талантливым учеником. Молодой художник берет уроки и у французского живописца Леона Бонна, известного портретиста и создателя картин на различные исторические и религиозные сюжеты.


^{«Вид Невы и Стрелки Васильевского острова с Фондовой биржей» (1879)}

Именно в Париже происходит знакомство Беггрова с передвижниками, включая Илью Репина. Спустя несколько лет художник начнет принимать деятельное участие в их проектах, а в 1876 году станет полноправным членом Товарищества передвижных художественных выставок.
Когда в 1875 году скончался отец художника, он вернулся в Россию. Впоследствии Беггров еще вернется во Францию, где продолжит плодотворно работать в течение двух лет.
В 1878 году Александра Беггрова назначили на должность художника Морского министерства, на которой он оставался практически всю оставшуюся жизнь.
Среди созданных Беггровом пейзажей наиболее известны такие работы как «Гатчина-дворец», «Сирень» и «Приоратский дворец», а также ряд других. Произведения часто бывали опубликованы в различных изданиях того времени, включая журналы «Всемирная иллюстрация» и «Нива».


^{«Петербург. Вид на Неву» (1912)}

Александр Беггров также активно занимался общественной деятельностью и меценатством. В 1912 году он пожертвовал Императорской Академии художеств 63900 рублей. Деньги предназначались на оказание помощи «бедным художникам, их вдовам и сиротам».
С 1892 года маринист проживал в Гатчине, где у него был особняк с небольшим садом. В последние годы жизни Беггров очень редко наведывался в Петербург. На протяжении полутора лет художник пытался бороться с тяжелым недугом. Из-за болезни он не мог рисовать. Отчаявшись, он принимает решение свести счеты с жизнью. Художник покончил с собой, выстрелив в сердце. Это произошло (14) 27 апреля1914 года. Похоронили Александра Беггрова в лютеранской части Гатчинского городского кладбища.

С Новым годом!
С Новым взглядом. С Новыми знаниями. С новыми встречами с прекрасным и любимым.
Удачи, успехов и любопытства.
Хорошего настроения в Новом году.
Здоровья и радости.

Василий Перов  русский живописец, один из родоначальников жанровой картины


Василий Григорьевич Перов (Автопортрет, 1870)
Творчество Перова оставило глубокий след в истории русского искусства. Тема народных страданий, искусство реалистического психологического портрета развивались современниками и последователями Перова, членами Товарищества передвижных художественных выставок, одним из основателей и руководителей которого был Перов.

Василий Григорьевич Перов родился (21 декабря 1833) 2 января 1834 года в Тобольске. Будучи добрачным ребенком барона фон Кридинера, получил фамилию своего крестного отца – Васильев. Перовым он станет позже, поменяв фамилию на прозвище, данное в детстве за успехи в чистописании.
Учился в Московском Училище Живописи, Ваяния и Зодчества, поступив туда 18-летним юношей. Демократическая атмосфера этого учебного заведения сформировала художественные взгляды и общественную позицию молодого живописца.
 

^{«Сельский крестный ход на Пасхе» (1861)}
Сатирический взгляд художника прослеживается в его ранних произведениях «Сельский крестный ход на пасхе» (1861) и «Чаепитие в Мытищах» (1862). Горячее сочувствие «униженным и оскорбленным», протест против уродства современной жизни определили замысел таких картин, как «Последний кабак у заставы» (1868).
Среди ярких примеров творчества Перова – «Тройка» («Ученики-мастеровые везут воду», 1866). Жизнь детей, крестьянских и городских, уделом которых были голод, холод, нищета и непосильный труд, интересовала Перова на протяжении всего творчества. Эта картина – одна из самых известных работ, посвященных детской теме. Главное внимание художника обращено на изображение детей, их образы написаны любовно и бережно.


^{«Тройка» (1866)}

Известно, что, работая над эскизами к «Тройке», Перов, пытаясь вызвать у зрителей чувство жалости к бедным детям, подчеркивал в них черты уродливости и крайнего истощения. Позже отказался от этой идеи и пошел по пути поэтизации образов, придав им черты миловидности и выражение страдания.
В 1870-е годы художник создал галерею портретов современников, деятелей передовой русской культуры, отличающихся глубокой психологической выразительностью образов – таковы портреты А.Н. Островского (1871) и Ф.М. Достоевского (1872). Были среди работ художника и жанровые сценки.


^{«Охотники на привале» (1871)}
В последние годы Перов обратился к исторической теме: он задумал триптих о Емельяне Пугачеве, обдумывал сюжеты из Евангелия и русского фольклора. Многим планам художника не суждено было сбыться.
Василий Григорьевич Перов умер (29 мая) 10 июня 1882 года в Кузьминках (под Москвой) от скоротечной чахотки. Все перечисленные картины Перова хранятся в Москве, в Третьяковской галерее.

Ренато Гуттузо итальянский художник, представитель неореализма



Ренато Гуттузо (итал. Renato Guttuso) родился 2 января 1912 года в пригороде Палермо Багерии. Отец, Джоакино Гуттузо Фазуло, был землемером. Первые уроки рисования Ренато получил у сельского мастера, занимавшегося росписью повозок. Учась в лицее, Ренато посещал курсы художника-футуриста Пиппо Риццо.


«Кафе «Греко» в Риме»
В 1931 году Гуттузо участвует в Куадриенналле – четырёхгодичной выставке итальянских художников в Палермо, где две его картины были отмечены критикой.
Еще в 1930 году он поступил на факультет права в университете Палермо, но уже через год оставил учебу и переехал в Рим. Работал реставратором в галерее Боргезе. В 1938 году стал одним из основателей арт-объединения «Корренте» («Течение»), тесно связанного с оппозицией режиму Муссолини, в 1940 году вступил в подпольную в те годы Коммунистическую партию Италии. С 1943 года участвовал в движении Сопротивления, создавая антифашистские плакаты.
 

«Похороны Тольятти»
Социальны по теме или скрытой символике его ранние картины - «Расстрел в открытом поле» (об убийстве Ф.Лорки; 1938, частное собрание, Рим), «Бегство от извержения Этны» (1939, Галерея современного искусства, Рим), «Распятие» (1940–1941, частное собрание, Рим). За цикл антивоенных рисунков «С нами Бог» (1947) он стал впоследствии лауреатом премии Всемирного совета мира.
Дистанцируясь в равной мере и от футуризма, и от фашистской неоклассики, Гуттузо сочетал традицию экспрессионизма с обстоятельной сюжетностью в духе старых мастеров, тем самым закладывая основы неореализма в итальянском изобразительном искусстве. Он постоянно писал социальные бытовые жанры, обращался также к пейзажу и натюрморту.
В поздних произведениях художника проступают влияния монтажных принципов поп-арта. Иной раз, увлеченный мотивом переклички эпох, он вводит прямые цитаты из известных картин.
Умер Ренато Гуттузо 18 января 1987 года в Риме.

В девятнадцатом веке, в Западной Европе случилось событие кардинально перевернувшее мир - произошла промышленная революция. О её истинных причинах, степени кровавости и этапах развития спорят до сих пор, но нас интересуют её последствия, о них и пойдёт речь. В рамках темы ветки, естественно.

Основой промышленной революции была нет механизация производства, как часто принято считать, а изменение организации производственного процесса и разрушение ограничений на количество и качество выпускаемого товара. Именно это сделало широкое внедрение механизации при производстве и производительность труда выросла в несколько раз. Параллельно с этим, в результате прошедших "буржуазных" революций были разрушены традиционные социальные структуры основанные на неравенстве сословий, и общество западноевропейских стран превращалось в светское и в чём-то даже "демократическое". Власть больше не принадлежала феодальной аристократической знати, а авторитет церкви больше не был подавляющим.

Особо отметим - в результате перемен связанных с промышленной революцией, при сопоставимых трудозатратах, количество продукции кратно возросло, а себестоимость значительно снизилась.

В результате возникла иллюзия, что возможно создание общества всеобщего благоденствия и справедливости. Появился ряд философских и псевдофилософских течений различного либерального толка (слово "свобода" стало в итоге настолько затасканным, что вызывает у приличных людей отторжение), отличающихся друг от друга "научными принципами" и радикальностью, но неизменно сулящих нечто вроде земного рая. Слова "социальный" и "демократический" стали не просто модными, они стали основой мировоззрения носителей новых идей о всеобщем равенстве, братстве и свободе, куда уж без неё...

"Всё будет! Нужно только довериться нам и немного подождать"! Ну, а ещё нужно выяснить, кто и что мешает широкой поступи мирового прогресса к счастью и изобилию и препоны сии устранить. В качестве препон указывались и "кровопийцы-капиталисты", и оставшиеся "недобитые аристократы", и "темнота и безграмотность", и "отжившая своё старая аристократическая культура". 

Весь этот бурлящий котёл идей в итоге стал давать свои вполне ощутимые плоды и в начале двадцатого века грянул черёд новой модернисткой эпохи - эпохи коренного преобразования общества и мира. Черёд социальных кризисов и войн. (О том, что эти кризисы и войны были вызваны ещё и переделом рынков сбыта и источников сырья, мы здесь говорить не будем).

Вполне понятно, что одними из весьма активных приверженцев изменений к "счастливому завтра" были представители "мира искусств". Кризис в искусстве наблюдался практически повсеместно и был вызван вполне объективными причинами. Фотография ударила по традиционным жанрам в живописи, кинематограф по театру, привычные литературные жанры уже не могли удовлетворять изменившимся вкусам публики. Взрыв был неизбежен. В разных странах, во всех жанрах и направлениях искусства появлялись работы радикально отличающиеся от всего, что было прежде.
В 1909 году итальянский поэт Маринетти опубликовал манифесты футуризма. Эти манифесты призывали не просто к переменам, они призывали к уничтожению всего "старого" искусства, они сулили, что только новое, полностью оторванное от "замшелых традиций" искусство будет соответствовать грядущему прекрасному миру. "Освободиться и творить"! Футуризм на какое-то время стал настолько популярен, что стал проявляться практически во всём и оказал влияние на самые разные жанры и направления.

"Дыр бул щил
убещур
скум
вы со бу
р л эз"

Это стихотворение Алексея Крученых было написано в 1913 году и вошло в антологию русской поэзии.

Музыканты пытались писать музыку состоящую из шума, гудков и дребезга. "Звуков нового живого мира", как тогда говорили. Они проповедовали отказ от ритма, привычных звуков и гармоничных созвучий.

А художники пытались создать новое изображение, в котором содержание было бы оторвано от традиционных форм, а порой, и от любых форм вообще.

Вот несколько картин того периода.











А это - обложка одной из книг Маринетти




Подведём краткие итоги.
В результате промышленной революции XIX века изменилась социальная структура общества, исчезла монополия церкви на установление моральных норм, возникла иллюзия построения принципиально нового мира. 

И в 1915 году, в России родилось новое направление вызванное футуризмом - супрематизм. Но подробнее о нём, и что последовало дальше, я напишу в следующем посте. Ибо вместить всё в одном сообщении получается слишком уж длинно и скомкано.

Говоря о причинах вызвавших взрыв идей в начале двадцатого века, необходимо, на мой взгляд, указать ещё один важный аспект, который сильно будоражил умы в тот период и оказал заметное влияние на многие стороны жизни, в том числе, и на искусство.
Об этом очень не любят говорить и найти прямые ссылки на то, что кто-либо из известных художников или поэтов прямо руководствовался этими идеями очень сложно. Во всяком случае, у меня подобных ссылок очень мало, так что, если кто хочет, может считать, что я всё выдумываю. И не читать, что я тут написал вообще.
Однако объяснить чем-то другим, случившееся в то время "массовое умопомешательство" очень сложно, а порой и невозможно вообще.

Речь пойдет о философском течении, которое называется "Эмпириокритицизм". Основоположниками этого подхода считают австрийского ученого Эрнста Маха и швейцарского философа Рихарда Авенариуса. Их идеи были настолько популярны, что затронули даже влиятельную группу большевиков во главе с Богдановым и Луначарским, а Ленину по этому поводу пришлось написать знаменитую работу "Материализм и эмпириокритицизм". Те, кто учились ещё во времена "Руководящей и направляющей", прекрасно помнят, как сей труд заставляли "читать и конспектировать". Чтением, правда, никто себя особо не утруждал, а конспектирование состояло в переписывании чужого конспекта, коих в студенческой среде гуляло великое множество. Но основную ленинскую мысль в нас вбили тогда намертво, надёжно и даже сейчас, если разбудить ночью, то мы без колебаний ответим: "Материальное - то, что дано нам в ощущении и не зависит от нашего сознания". 
Но если мы, вдруг, решим выяснить точку зрения ленинских оппонентов, то узнаем, что формула эпириокритиков была почти столь же коротка и изящна. Звучит она так: "Материальное - то, что дано нам в ощущении и зависит от нашего сознания". 
Как видим, разница лишь в частице "не", однако, принципиальная.
Замечу, что ни Мах, ни Авенариус марксистами не являлись от слова вообще, считались признанными авторитетами и имелю кучу учеников и последователей. Поэтому их идеи были широко распространены и оказывали заметное влияние на философские течения той эпохи.

Если мы, согласно воззрениям эмпириокритиков, способны изменять мир усилием мысли, то нетрудно догадаться, что "отбрасывание старого и косного, тянущего человечество назад" стало идефикс многих деятелей культуры того времени. "Богостроительство" Луначарского наряду с "Эмпириомонизмом" Богданова оказывало влияние на культурную жизнь уже Советской России и закончилось лишь в начале тридцатых, когда всю эту братию пришлось разгонять в том числе и силовыми методами.

Но если мы примем во внимание серьёзность тех идей в то время, то нам не стоит удивляться "Черному квадрату" на месте иконы. Чёрный квадрат, как идеальная неподвижная форма, прекрасно удовлетворял роль Базового элемента нового мира. А супрематизм в целом прекрасно подходил на роль культурного основания для новой человеческой общности. Благо в супрематических этюдах Малевича имелись и пропорции и необходимый визуальный баланс.




 
На базе супрематизма, в двадцатые годы вырос конструктивизм, который оказал огромнейшее влияние на советскую культуру вообще и архитектуру в частности. Причём, не только у нас, если поискать в яндексе картинки по запросу "конструктивизм в архитектуре", то можно увидеть насколько широко этот стиль распространён в мире.



Так же в СССР зазвучали имена: Татлина, Родченко, Эль Лисицкого и других замечательных художников. 
Строился новый мир и ему требовались новые формы. Формы до той поры неведомые.


Но, все кто хоть немного знаком со нравами царящими в "академической" или "творческой" среде, знает, что идиллией там даже не пахнет. И в 1921 году, деятели из культурного объединения "ЛЕФ" (кстати, возглавляемого Маяковским) по сути дела изгнали из страны Кандинского, который к тому времени был воодушевлён идеями супрематизма и горячо их поддерживал.
Оказавшись снова в Германии, Кандинский присоединился к своим старым немецким друзьям, которые в 1919 году основали школу "Баухаус", где стал преподавателем и одним из руководителей.
Но об этом в следующей части.

https://www.peoples.…_basquiat/
https://artchive.ru/jeanmichelbasquiat
https://www.google.d…yRYeivM6mM:
.....................................
А вот это и я не понимаю.
Вернее понимаю, но категорически не нравится.
Понимаю, что это отражение и потребности современной ему жизни, ее ритма, ее ценностей и прочей лабуды. Наверное старею, а истинные ценности уходят в прошлое как девственность человечества. Куда катится этот мир? Да это современное искусство и у него много ценителей такова жизнь и развитие цивилизации, но это уже не мое.
Кто они? Что их интересует? Зачем живут? Чего хотят? Кстати увидел первый раз. Удивлен. А это аж 1979-1988 годы.
И это тоже уже вошло в историю искусства. Понимаю, признаю.....но не нравится.
Кстати понимаю почему мне не нравится. Каждому соообществу соответствует и своя культура, культура жизненного уклада, искусства, в том числе музыка и живопись.
Лично мне не нравится жизненный  уклад и культурное наследие чернокожей америки. (Ненавижу негров и рассизм) Ага.
.....................................
В 2016-м Маэдзава привлек внимание прессы покупкой безымянной работы Jean-Michel Basquiat за рекордную сумму 57,3 миллиона долларов США. В мае 2017-го он побил собственный рекорд, купив еще одну работу того же художника за 110,5 миллионов долларов.